fotógrafo ruso Dmitry Ageev, ganador del Hasselblad Masters Awards 2014, creó una serie de retratos de niños que padecen epidermólisis ampollosa como parte de un proyecto conjunto entre Citibank, Mastercard y Butterfly Children Foundation. La enfermedad hace que la piel del niño sea tan vulnerable que cualquier contacto le causa dolor.

Pero puedes ayudar a los niños mariposa sin siquiera tocarlos. Para ello, se crearon carteles con tecnología de pago sin contacto: puede hacer una donación de 100 rublos simplemente acercando su tarjeta de pago al cartel. La iniciativa se lanzó en diciembre de 2016 y ya ha logrado atraer la atención de millones de personas, incluidas estrellas del cine, el pop y el deporte.

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Fotógrafo de San Francisco Kelsey McClellan(Kelsey McClellan) con estilista Michelle Maguire(Michelle Maguire) creó la serie de fotografías original Vestuario Snacks. Su ropa y diversos alimentos combinan armoniosamente en textura y color.

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fotógrafo holandés Robert Harrison(Robert Harrison) con el chef Robbie Postma(Robbie Postma) creó una increíble serie de fotografías llamada Menú. Utilizando varios elementos culinarios reales, se aplicaron maquillaje o incluso varias máscaras en el rostro del chef utilizando mariscos, especias, granos de café, vasos rotos, etc. Aunque las imágenes parecen espeluznantes, no puedes evitar admirarlas. Mire el vídeo a continuación para ver cómo se creó la serie de fotografías.

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fotógrafo alemán Robert Göttsfried(Robert Götzfried) visitó veinte iglesias católicas en Alemania y tomó fotografías de antiguos musicales. organos. En las fotografías, el autor reflejó los tubos del órgano, llamando la atención por su belleza y perfecta simetría.

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fotógrafo y diseñador turco Aydin Buyuktas() continúa creando pinturas que hacen volar la imaginación. Mientras viajaba por Estados Unidos, el autor tomó muchas fotografías y, al llegar a casa, creó a partir de ellas una impresionante serie de manipulaciones fotográficas. En ellos combinó fotografías del mismo lugar, desde arriba, y paisajes en perspectiva alejándose. Como resultado, se crea la sensación de que el terreno gira hacia arriba.

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fotógrafo australiano Juan Platt(John Platt) creó una serie de fotografías de vehículos del éxito de taquilla “Mad Max: Fury Road” (2015). Aunque la mayoría de los coches quedaron destruidos como chatarra, el fotógrafo logró fotografiar algunos de ellos. Limpió el polvo y la suciedad de estos coches y motos post-apocápticos y tomó impresionantes fotografías de estudio.

Esta sección presenta una gran cantidad de portafolios de fotógrafos famosos, creativos y mejores de nuestro tiempo.

12-03-2018, 22:59

Presentamos a su atención una selección de obras increíbles, después de verlas definitivamente pensará en el proceso de filmación y el realismo. Un fotógrafo llamado Mikhail Zagornatsky tomó su propia cámara por primera vez en 2011. Estudié el proceso de aprendizaje de fotografía por mi cuenta. Las direcciones principales son la fotografía conceptual y artística. Los últimos proyectos no tienen absolutamente ningún elemento de Photoshop.
Al maestro le encanta crear sus creaciones en tiempo real, sin aditivos poco sistemáticos. Antes de un nuevo proyecto, se necesita mucho tiempo para preparar los accesorios necesarios y elaborar un plan creativo. La lente de la cámara sólo muestra la verdadera belleza.

7-03-2018, 20:14

Si alguna vez estás en Gloucestershire, asegúrate de visitar el pintoresco pueblo llamado Bybury. El famoso artista y cantante llamado William Morris llamó a este lugar el pueblo inglés más sorprendente. Muchos turistas aún hoy comparten esta opinión. Los paisajes del pueblo se pueden ver en la portada interior del pasaporte británico.
La población total del pueblo es de unas seiscientas personas. Durante muchos siglos se ha mantenido una atmósfera auténtica, incluso a pesar de las frecuentes visitas de turistas. Bibury es un típico pueblo inglés. Ahora la población es de unas 600 personas. El río Colonia atraviesa el territorio del pueblo.

5-01-2018, 18:25

Hoy queremos presentar el trabajo de una talentosa fotógrafa llamada Anne Guyer. Recientemente presentó su original serie de fotografías. La principal fuente de inspiración fueron las mascotas y las encantadoras hojas de otoño.
Anne comenzó a interesarse por el arte de la fotografía cuando era niña. La niña observó a su padre, un fotógrafo, que creaba trabajos interesantes. Pero la pasión final comenzó hace unos siete años. La principal fuente de inspiración fue el primer perro de Cindy. Puedes ver más fotos sorprendentes gracias a nuestro artículo de hoy.

15-12-2017, 22:16

Hoy les presentaremos las obras de un fotógrafo joven pero muy talentoso llamado Craig Burrows. Fotografía varias flores y plantas utilizando la moderna tecnología UVIVF. No se conocen con certeza todas las sutilezas del proceso de creación de nuevas obras. El artista crea un brillo fluorescente en sus obras utilizando luz ultravioleta. Durante el disparo, la radiación ultravioleta se bloquea en la lente.
Por el momento, Barrows tiene en su arsenal solo flores y plantas individuales, pero en un futuro próximo planea trabajar con jardines enteros. Para proyectos grandes se utilizarán proyectores de 100 vatios. ¡Busque fotografías detalladas en los materiales de hoy!

15-12-2017, 22:16

La selección de fotografías de hoy te contará todos los secretos del viaje de Patty Waymire a la isla llamada Barter. Esta zona se encuentra frente a la costa de la lejana Alaska. El objetivo principal era fotografiar maravillosos osos polares en una zona nevada. Pero después de llegar al lugar, Patty no encontró la nieve esperada y el hielo marino ni siquiera había comenzado a formarse. Las ideas concebidas para las fotografías tuvieron que dejarse de lado y los propietarios locales de los témpanos de hielo marinos yacieron tranquilamente en la orilla arenosa. Una imagen tan triste debería servirnos a cada uno de nosotros como un claro ejemplo del impacto de la humanidad en la atmósfera que nos rodea. Encuentre más fotos en nuestro artículo de hoy.

23-06-2017, 12:45

Nuestro material de hoy le informará sobre el trabajo de un fotógrafo autodidacta llamado Daniel Rzezhikha. En sus obras utiliza las técnicas del minimalismo y la fotografía clásica en blanco y negro. Es en estos tonos donde se transmiten todas las sutilezas de la fotografía. Daniel proviene de la pequeña ciudad de Krupke, situada cerca de Teplice. Durante toda su infancia fue muy aficionado a los viajes y a la naturaleza que lo rodeaba. Su primera pasión por la fotografía comenzó precisamente durante varios viajes, en los que el niño tomaba fotografías con una cámara compacta.
La primera vez que pensé en dedicarme a la fotografía profesional llegó en 2006, tras lo cual compré una cámara Pentax. ¡Desde entonces, Zhezhikha ha estado completamente inmersa en el mundo del cine!

22-06-2017, 12:18

Una fotógrafa profesional llamada Elena Chernyshova trabaja en el género documental. Originaria de Moscú, pero actualmente vive y trabaja en Francia. Inicialmente, Elena se graduó en la Facultad de Arquitectura, pero después de trabajar en su especialidad durante un par de años, decidió hacer otra cosa. La idea de convertirse en fotógrafa surgió después de viajar en bicicleta desde Tula a Vladivostok; recorrió una distancia tan grande en 1004 días;
Muchas de las obras de Cheshnyshova se pueden ver en editoriales de renombre mundial. Dedicó su nueva serie llamada "Invierno" a la elegante belleza del invierno ruso. Cada una de las obras transmite de forma muy sutil toda la atmósfera de esta maravillosa época del año.

21-06-2017, 10:14

Un cielo estrellado claro se está convirtiendo en un fenómeno raro para los residentes de los megapolos modernos, y el cielo estrellado nocturno siempre ha sido un gran misterio para el hombre, y el hombre siempre ha querido descubrir qué hay sobre el cielo, en el universo sembrado de miríadas de estrellas. El fotógrafo finlandés Oskar Keserci está interesado en fotografiar el cielo estrellado. La mayor parte del año hace frío en Finlandia. Por la noche la temperatura desciende hasta los 30 grados bajo cero.
Oscar cree que los tonos azules de las fotografías transmiten con éxito la sensación de las heladas noches finlandesas. Es en una noche estrellada donde podrás experimentar sensaciones especiales que te sumergirán en un mundo de fantasía. ¡En nuestra reseña se presenta una serie de fotografías del maestro!

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El mar es incomprensible, misterioso y limpio. No deja indiferente a nadie... Impresionantes fotografías de Josh Adamski

El mar es incomprensible, misterioso y limpio. No deja indiferente a nadie... Impresionantes fotografías de Josh Adamski

Josh Adamski es un famoso fotógrafo británico, maestro de la fotografía moderna. Obtuvo su fama gracias al arte de la fotografía conceptual. El talentoso fotógrafo Josh Adamski crea verdaderas obras maestras de la fotografía, no solo mejorando su trabajo con el procesamiento digital, sino también poniendo su alma en él, mostrando la idea y el significado. Josh Adamski opina que no existen reglas establecidas para tomar buenas fotografías, pero que hay buenos fotógrafos que toman buenas fotografías. Y considera que su lema principal es la afirmación de Ansel Adams: “No tomas una fotografía, la haces”, que traducida significa: “No debes tomar una fotografía, debes hacer una fotografía”.

Dicen que el mar es infinito. Desde un punto de vista geográfico esto, por supuesto, no es cierto. Sin embargo, si lo miras aunque sea por un momento, todas las dudas desaparecen inmediatamente. El horizonte infinito es tan vasto, tan distante.

Me encantan los paseos junto al mar. Nunca me canso de ellos, porque siempre son diferentes. El mar en sí nunca vuelve a ser el mismo. Es de naturaleza cambiante. Hoy está tranquilo y silencioso y como si no hubiera nada más suave que sus ondas de luz. El agua refleja los cálidos rayos del sol y ciega los ojos que no están acostumbrados a la luz brillante. La cálida arena calienta agradablemente mis pies y mi piel se vuelve dorada. Y mañana el mar será agitado por un fuerte viento y majestuosas olas ya golpean contra la orilla con la fuerza de una enorme bestia. El cielo azul se volverá gris y tormentoso. Y esa felicidad tranquila del mar tranquilo ya no está. Sin embargo, esto también tiene su propio encanto. Ésta es la belleza de la crudeza y la fuerza. Incluso el color del agua de mar cambia a menudo: a veces es casi azul, a veces azul oscuro y a veces verdoso. Es imposible siquiera enumerar todos sus matices.

Cuánta belleza hay en las profundidades del mar. Los peces pequeños nadan en cardúmenes entre algas verdes y amarillentas. Y el fondo arenoso está cubierto de conchas, como piedras preciosas. Me encanta coleccionar conchas. Me gusta imaginar que estoy encontrando tesoros perdidos en barcos hundidos. ¿Cuántas joyas de este tipo quedan aún escondidas en las profundidades del mar?

No hay nada mejor que pasar un día en el mar. Podrás divertirte y nadar con tu familia y amigos. Y a veces simplemente apetece dar un paseo solo, sentir la paz mientras escuchas el sonido de las olas.

El mar es incomprensible, misterioso y limpio. No deja a nadie indiferente.

David Barnett ha sido fotoperiodista durante 40 años. Su cámara no caza hermosos paisajes ni gatos, sino que apunta a eventos importantes que se convierten en símbolos de la época. Las fotografías de David te permiten mirar el mundo desde fuera. Sus obras son un libro de texto de historia vivo que, en lugar de hechos secos, demuestra los brillantes acontecimientos de nuestro tiempo.

Me gusta david. Mientras otros profesionales van de compras, él lleva consigo una antigua cámara de video Speed ​​Graphic que tiene 60 años. Por supuesto, dispone de un costoso equipamiento profesional. Pero, aparentemente, lo entiende perfectamente: una cámara cara es una ventaja agradable y no un requisito previo para una buena toma. Un verdadero maestro puede tomar una buena fotografía incluso con una cámara de apuntar y disparar por 30 dólares.

• Un ejemplo sencillo: en 2000, David ganó el concurso “Ojos de la Historia” tomando una fotografía con una cámara Holga de plástico barata por 30 dólares.

Cuando Helmut era un adolescente, la Gestapo arrestó a su padre. Newton huyó de Alemania y se mudó a Australia, donde sirvió en el ejército australiano hasta el final de la Segunda Guerra Mundial... Esta parece ser la manera de escribir una descripción si te ha mordido un moderador de Wikipedia.

Las biografías de personas con talento a menudo parecen demasiado impecables, como una sala VIP en una clínica privada, igual de esterilizadas y alejadas de la vida real. Fotógrafo alemán-australiano, trabajó para la revista Vogue, a veces filmó en el género del desnudo... Este breve recuento no da ninguna idea de quién era Newton Hellmuth.

Y era un snob sincero, sin delirios de grandeza, que amaba el brillo de la alta sociedad. Prefería fotografiar a gente rica y alojarse en hoteles de lujo. Y habló honestamente sobre esto, considerándose una persona bastante superficial, pero veraz.

Hasta que sufrió un infarto en 1971, Helmut fumaba 50 cigarrillos al día y podía salir de fiesta durante una semana. Pero un infarto le reveló una verdad increíble al fotógrafo de 50 años: resulta que un estilo de vida salvaje y “juvenil” puede acabar muy tristemente con la edad.

Al estar al borde de la muerte, Helmut dejó de fumar, comenzó a llevar una vida más mesurada y se prometió filmar solo lo que le interesara.

Helmut Newton sobre las cosas que odia:

• Odio el buen gusto. Esta es una frase aburrida que asfixia a todos los seres vivos.
• Odio cuando todo está al revés: es barato.
• Odio la deshonestidad en la fotografía: las fotografías tomadas en nombre de algún principio artístico son borrosas y granuladas.

Yuri Arcurs es uno de los fotógrafos de archivo más exitosos del mundo. En lugar de fotografiar amaneceres y niebla en un parque de la ciudad, fotografía lo que se vende: familias felices y pastillas, dinero y estudiantes. Y en sitios especiales llamados stocks de fotografías, todo esto se vende y se compra. Y en esta área, Arcurs se convirtió en un verdadero gurú, que mostró con su ejemplo personal cómo se puede ganar dinero, alcanzar alturas e incluso divertirse haciendo fotografías de archivo comerciales.

Yuri nació y creció en Dinamarca. Comenzó a ganar dinero con existencias fotográficas durante sus años de estudiante para pagar sus estudios. En ese momento, la única modelo a la que podía fotografiar era su novia. Pero pronto los ingresos adicionales se convirtieron en el principal ingreso de Yuri: en unos pocos años, en 2008, ganaba hasta 90.000 dólares al mes con sus existencias fotográficas.

Hoy este chico vende su trabajo a grandes empresas: MTV, Sony, Microsoft, Canon, Samsung y Hewlett Packard. Su día de rodaje cuesta 6.000 dólares. Y toda esta historia se convirtió en un verdadero cuento de hadas de Cenicienta para autónomos con cámara.

¿Qué tan realista es repetir este camino hacia el éxito? Quién sabe. Sólo podemos afirmar que hoy Yuri Arcurs es uno de los fotógrafos de archivo de mayor éxito.

A Irving Penn le encantaba la fotografía, pero no le daba mucha importancia a esta afición. Su trabajo principal era el diseño artístico: Irwin diseñaba portadas de revistas e incluso consiguió un trabajo como editor asistente de arte en la popular revista Vogue.

Pero la cooperación con fotógrafos famosos de esta publicación no funcionó. Penn estaba constantemente insatisfecho con su trabajo y no podía explicarles lo que necesitaba. Como resultado, agitó la mano y tomó la cámara él mismo. Y cómo lo consiguió: las fotografías tuvieron tanto éxito que sus superiores lo convencieron para que se volviera a capacitar como fotógrafo.

Irwin fue el primero en fotografiar modelos sobre un fondo blanco o gris: no había nada superfluo en el encuadre. Su increíble atención a cada detalle le valió la reputación de uno de los mejores fotógrafos de retratos de su tiempo. Esto le permitió a Penn fotografiar a varias celebridades, entre ellas Al Pacino y Hitchcock, Salvador Dalí y Pablo Picasso.

Gursky heredó el amor por la fotografía de su padre: era fotógrafo publicitario y le enseñó a su hijo todos los entresijos de su oficio. Por eso, Andreas no dudó en elegir una profesión: se graduó en la Escuela de Fotógrafos Profesionales y en la Academia Estatal de Artes.

No me malinterpretes, no hablo de esto porque mi síndrome del moderador de Wiki ha vuelto a estallar. Es solo que Andreas es uno de los pocos fotógrafos de nuestra clasificación que abordó esta actividad a fondo y no comenzó a fotografiar por casualidad.

Después de completar sus estudios, Gursky comenzó a viajar por todo el mundo. Experimentando y adquiriendo nuevas experiencias, encontró su propio estilo, que ahora es su tarjeta de presentación: Andreas toma fotografías enormes, cuyas dimensiones se miden en metros. Al observar sus copias más pequeñas en la pantalla de una computadora, es difícil apreciar el efecto que producen en tamaño completo.

Independientemente de si Gursky estaba fotografiando un panorama de la ciudad o un paisaje fluvial, personas o fábricas, sus fotografías sorprenden por su escala y la peculiar monotonía de los detalles de la fotografía.

Ansel Adams pasó la mayor parte de su vida fotografiando la naturaleza en el oeste de Estados Unidos. Viajó mucho, fotografiando los rincones más salvajes e inaccesibles de los parques nacionales. Su amor por la naturaleza no se expresó sólo en la fotografía: Ansel fue un activo defensor de la conservación y protección del medio ambiente.

Pero lo que no le gustó a Adams fue el pictorialismo, popular en la primera mitad del siglo XX, un método de fotografía que permitía tomar fotografías similares a la pintura. Por el contrario, Ansel y un amigo fundaron el grupo f/64, que profesaba los principios de la llamada “fotografía directa”: fotografiar todo de manera honesta y realista, sin filtros, posprocesamiento y otras comodidades.

El grupo f/64 se fundó en 1932, al comienzo de la carrera de Ansel. Pero fue fiel a sus convicciones, por lo que conservó su amor por la naturaleza y la fotografía documental hasta el final de su vida.

• Probablemente hayas visto este fondo de escritorio que representa la cordillera Teton y el río Snake con el sol poniente como telón de fondo:

Entonces, fue Adams quien fue el primero en capturar este paisaje desde este ángulo. Su fotografía en blanco y negro se incluyó en 116 imágenes que se grabaron en la placa de oro de la Voyager: este es un mensaje de los terrícolas a civilizaciones desconocidas, enviado al espacio hace 40 años. Ahora los extraterrestres pensarán que no tenemos cámaras a color, pero sí buenos fotógrafos.

Me gusta la biografía de Sebastián. Esta es una evolución natural que le sucede a cualquier idealista a lo largo de la vida.

El propio Salgado contó esta historia en una entrevista cuando visitó Moscú en febrero de 2016. A los 25 años, él y su esposa se mudaron de Brasil a Europa. De allí planearon ir a la Unión Soviética e ingresar en la Universidad de la Amistad de los Pueblos para construir una sociedad sin desigualdad social. Pero en 1970 sus sueños fueron destruidos por un amigo de Praga: los checos probaron mucho comunismo en 1968.

Entonces, este tipo disuadió a los cónyuges, explicándoles que ya nadie estaba construyendo el comunismo en la URSS. El poder no pertenece al pueblo y si quieren luchar por la felicidad de la gente corriente, pueden quedarse y ayudar a los inmigrantes. Salgado escuchó a su compañero y se quedó en Francia.

Estudió economista, pero rápidamente se dio cuenta de que no era para él. Su esposa, Lelia Salgado, tenía una profesión más creativa: era pianista... pero también estaba decepcionada de su profesión y decidió ser arquitecta. Fue ella quien compró su primera cámara para fotografiar arquitectura. Tan pronto como Sebastian miró el mundo a través del visor, inmediatamente se dio cuenta de que había encontrado su verdadera pasión. Y después de 2 años se convirtió en fotógrafo profesional.

Según el propio Salgado, su formación económica le aportó conocimientos de historia y geografía, sociología y antropología. Una enorme reserva de conocimiento le abrió oportunidades que no estaban disponibles para otros fotógrafos: comprender la sociedad humana en varias partes de nuestro planeta. Visitó más de 100 países, tomando una increíble cantidad de fotografías documentales.

Pero no creas que Sebastián fotografió playas exóticas y animales divertidos mientras estaba de vacaciones en islas tropicales. Sus viajes no van por ese camino en absoluto. Inicialmente, nace una idea: "Workers", "Terra", "Renaissance": estos son solo algunos de los nombres de sus álbumes. Después comienzan los preparativos del viaje y del viaje en sí, que pueden durar varios años.

Muchas de sus obras están dedicadas al sufrimiento humano: fotografió a refugiados en países africanos, víctimas del hambre y del genocidio. Algunos críticos incluso empezaron a reprochar a Salgada que presentara la pobreza y el sufrimiento como algo estético. El propio Sebastián está seguro de que la cuestión es diferente: según él, nunca ha fotografiado a personas que parecen patéticas. Los que fotografió estaban en apuros, pero tenían dignidad.

Y sería completamente erróneo pensar que Salgado se estaba “promocionando” por el dolor de otra persona. Por el contrario, llamó la atención de la humanidad sobre aquellos problemas que muchos no notaron. La situación es indicativa cuando Sebastián completó la obra “Éxodo” en los años 90: fotografió a personas que escaparon del genocidio. Después del viaje, admitió que estaba decepcionado con la gente y que ya no creía que la humanidad pudiera sobrevivir. Regresó a Brasil y se tomó un tiempo libre para recuperarse.

Afortunadamente, esta historia tiene un final feliz: el viejo idealista recuperó su fe en la belleza y ahora está ocupado con otro proyecto: fotografiar los rincones vírgenes de nuestro planeta.

Si empiezas a escribir en un buscador , entonces Google mostrará una ventana desplegable con la opción "Steve McCurry Chica afgana". Esto es bastante extraño, porque McCurry tiene demasiado bigote para una niña, incluso una afgana.

De hecho, la "niña afgana" es la fotografía más famosa de Steve y aparece en la portada de la revista National Geographic. Incluso el artículo de Wikipedia sobre este tipo comienza con esta historia:

• "Steve es el fotoperiodista estadounidense bigotudo que fotografió a la niña afgana".. (Wikipedia)

La mayoría de los artículos sobre este fotógrafo comienzan con una frase similar, incluida nuestra historia sobre él. Da la impresión de que es un actor de un solo papel, como Daniel Radcliffe o Macaulay Culkin. Pero no es así.

La carrera de Steve como fotógrafo profesional comenzó durante la guerra en Afganistán. No condujo por el país en un Hummer, escondiéndose detrás de las espaldas de los militares, sino que permaneció entre la gente corriente: consiguió ropa local, le cosió rollos de película y viajó por el país como un afgano corriente. O como un espía estadounidense corriente disfrazado de afgano: alguien podría considerar esta opción. Entonces Steve se arriesgó, pero gracias a él, el mundo vio las primeras fotografías de aquel conflicto.

Desde entonces, McCurry no ha cambiado su forma de trabajar: vagó por el mundo, fotografiando a diferentes personas. Steve ha capturado muchos conflictos militares y se ha convertido en un auténtico maestro de la fotografía callejera. Aunque en realidad McCurry es fotoperiodista, logró difuminar la línea entre la fotografía documental y la artística. Sus fotografías son luminosas y atractivas, como una postal, pero al mismo tiempo veraces. No requieren explicaciones ni comentarios: todo está claro sin palabras. Para crear fotografías así, necesitas un talento poco común.

Annie Leibovitz es una auténtica experta a la hora de fotografiar estrellas. Sus fotografías aparecieron en las portadas de las revistas más populares, provocando fuertes emociones y debates. ¿A quién más se le hubiera ocurrido fotografiar a Whoopi Goldberg haciendo una mueca en un baño de leche? ¿O un John Lennon desnudo abrazado a Yoko Ono en posición fetal? Por cierto, esta fue la última fotografía de su vida, tomada unas horas antes del disparo mortal de Chapman.

La biografía de Annie parece bastante tranquila: después de estudiar en el Instituto de Arte de San Francisco, Leibovitz consiguió un trabajo en la revista Rolling Stone. Colaboró ​​con él durante más de 10 años. Durante este tiempo, Annie se ha ganado la reputación de ser una persona capaz de fotografiar a cualquier celebridad de una forma interesante y creativa. Y esto es suficiente para lograr el éxito en el mundo del espectáculo moderno.

Habiendo ganado algo de fama, Annie se muda a Nueva York, donde abre su propio estudio de fotografía. En 1983, comenzó a trabajar con la revista Vanity Fair, que patrocinó sus posteriores impactantes fotografías de estrellas. Fotografiar a Demi Moore desnuda en las últimas etapas del embarazo o cubrirla con arcilla y poner a Sting en medio del desierto: esto está muy en el espíritu de Leibovitz. Como obligar a Cate Blanchett a andar en bicicleta o obligar a un ganso a tomarse fotos con DiCaprio. ¡No es de extrañar que su trabajo sea popular!

¿Quién más puede presumir de haber fotografiado a la Reina de Inglaterra, Michael Jackson, Barack Obama y muchas, muchas otras celebridades? Y, fíjate, ¿no estaba filmando como un papparazi, escondido detrás de un arbusto, sino que estaba organizando una sesión de fotos en toda regla? Por eso Annie Leibovitz es considerada, si no la mejor, sí la fotógrafa contemporánea de mayor éxito. Aunque un poco amapola.

1. Henri Cartier-Bresson

Henri heredó su pasión por el arte de su tío: era artista y consiguió que su sobrino se interesara por la pintura. Esta pendiente resbaladiza finalmente lo llevó a la pasión por la fotografía. ¿Qué hizo Henri que lo distinguió de cientos y miles de otros fotógrafos?

Se dio cuenta de una verdad simple: todo debe hacerse con honestidad y verdad. Por eso rechazó las fotografías montadas y nunca pidió a nadie que representara una situación determinada. En cambio, observó de cerca lo que sucedía a su alrededor.

Para permanecer invisible durante el rodaje, Henri cubrió las partes metálicas brillantes de la cámara con cinta aislante negra. Se convirtió en un verdadero "hombre invisible", lo que le permitió captar los sentimientos más sinceros de las personas. Y para ello, no basta con no llamar la atención: es necesario poder determinar el momento decisivo para la fotografía. Fue Henri quien introdujo este término, “el momento decisivo”, e incluso escribió un libro con ese título.

En resumen: las fotografías de Cartier-Bresson se distinguen por un realismo vivo. Para tal trabajo, algunas habilidades profesionales no son suficientes. Es necesario comprender con sensibilidad la naturaleza humana, captar sus emociones y su estado de ánimo. Todo esto era inherente a Henri Cartier-Bresson. Era honesto en su trabajo.

No seas snob... ¡Vuelve a publicar!