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Arts et artisanats populaires. Artisanat artistique de Russie
Partie 1

Compilé par Tatiana Kosntantinova

ISBN978-5-4485-5649-4

Créé dans le système d'édition intellectuelle Ridero

Préface

Les processus d’érosion de l’identité spirituelle qui s’intensifient actuellement culture nationale conduire progressivement à la perte de l’identité historique et culturelle des différents territoires, villes et régions. La commercialisation de la vie culturelle unifie continuellement les coutumes et traditions populaires selon des modèles étrangers, entraînant la perte de l’identité nationale et culturelle et la destruction de l’individualité culturelle. Problèmes actuels aujourd'hui, il y a aussi des niveaux en baisse culture artistique population, manque de demande de décoration traditionnelle arts appliqués un moyen développement artistique personnalité, diminution de l'intérêt à la fois pour la créativité artistique et pour l'art en général. Tout ce qui précède conduit à la perte des technologies de l'artisanat et de l'artisanat populaires, des formes traditionnelles de créativité artistique et à la transformation des produits de l'art populaire en une sorte de produits souvenirs de masse.

L'auteur du manuel proposé tente de résoudre les problèmes ci-dessus en systématisant de nombreux documents sur les arts décoratifs et appliqués. Cette publication vise à développer la culture artistique parmi diverses catégories de la population en s'appuyant sur l'exemple des meilleurs exemples d'art décoratif et appliqué du monde, en nourrissant la conscience historique et le sentiment d'identité à l'image de la culture traditionnelle. Un grand nombre de les informations pédagogiques et les nombreuses illustrations présentées dans le livre présenteront au lecteur les bases des arts décoratifs et appliqués, à travers lesquels, à diverses périodes historiques, les gens ont exprimé leurs idées sur la beauté, en essayant de transformer l'espace environnant selon les lois de l'harmonie et de la beauté.

Petryakov Petr Anatolyevich,

médecin sciences pédagogiques, professeur, chef du département de pédagogie

technologies et artisanat, NovSU.

1. Arts et artisanats populaires dans le système de valeurs culturelles

mot latindécorer traduit par"décorer". C'est la racine du concept"décoratif" , c'est"décoré" . Donc le terme« art décoratif» signifie littéralement"la capacité de décorer" .

Arts et artisanats populaires (NDPA) font partie intégrante de la culture artistique, qui se développe selon ses propres lois. Les œuvres créées par les maîtres des arts et métiers populaires reflètent les traditions artistiques, la compréhension du monde, la vision du monde et l'expérience artistique des gens, préservent mémoire historique et ont une valeur spirituelle et matérielle, se distinguent par leur beauté et leurs avantages.

Les maîtres des arts et métiers populaires créent leurs œuvres à partir d’une variété de matériaux. Ils transmettent des compétences techniques de génération en génération. Pour cette raison, une tradition consolidée au fil des siècles sélectionne uniquement les meilleures réalisations créatives.

Les types d'art et d'artisanat populaires les plus courants sont la céramique artistique, le tissage, la dentelle, la broderie, la peinture, la sculpture sur bois ou sur pierre, le forgeage, le moulage, la gravure, la ciselure, etc. Tout cela, pour l'essentiel, est créé de manière à ce que vous pouvez l'utiliser dans la vie de tous les jours.

Lors de la décoration des œuvres du NDPI, une grande importance est accordée à l'ornement, qui non seulement décore l'objet (chose) ou constitue son élément structurel, mais porte également une charge sémantique qui a d'anciennes racines mythologiques. Peindre une cruche avec des motifs, décorer une planche à découper avec des sculptures, tricoter une serviette en dentelle, tisser des motifs sur du tissu - tout cela demande une grande habileté. De tels produits décorés d'ornements ont une grande valeur, qui réside dans le fait qu'il faut des mains pour créer cette beauté étonnante.

Comment déterminer si un produit donné est une œuvre d’art décoratif ? Parfois, ils argumentent ainsi : si un vase a une belle forme, mais qu'il n'est décoré de rien, alors ce n'est pas une œuvre d'art décoratif, mais si vous y mettez une sorte de motif, il se transformera immédiatement en une œuvre . C'est faux. Parfois, les ornements décorant un vase en font un faux insipide et le transforment en kitsch. À l’inverse, un récipient en argile pure ou en bois peut être si frappant par sa perfection que sa valeur artistique devient évidente.

Quelles sont les similitudes et les différences entre les œuvres des arts et métiers populaires et professionnels ? Comment savoir si un vase ou un tapis est une œuvre d’art décoratif populaire ou professionnel ?

Parfois, sur la base de la méthode de fabrication d'une chose, de la part du travail manuel dans ce processus et de la circulation massive, ils tentent de classer les œuvres d'art appliqué comme art décoratif populaire ou professionnel. C'est extrêmement difficile à faire, car les produits d'art populaire sont parfois créés dans des usines et les œuvres décoratives d'artistes professionnels sont parfois créées en un seul exemplaire.

Aujourd'hui, comme il y a cent ans, un artiste folklorique exécute principalement une œuvre artistique à la main. Dans le même temps, le maître peut travailler seul ou en équipe, ainsi que dans des ateliers organisés et même dans des usines situées dans les centres d'art et d'artisanat populaires traditionnels.

En règle générale, les œuvres d'art décoratif et appliqué sont créées par des artistes issus d'entreprises ou d'ateliers de l'industrie artistique. Ils participent à la fois à la production d'objets de décoration produits en grande quantité et à la création de designs de créateurs individuels. Les artistes professionnels dans leur travail peuvent s'appuyer sur des images de la culture artistique mondiale, réfracter à leur manière les traditions de l'art populaire ou suivre entièrement leur individualité et leur imagination.

La chose la plus importante pour déterminer quel type d'art classer telle ou telle chose est de déterminer dans le cadre de quelle tradition artistique elle a été créée, si les caractéristiques du type d'image d'un artisanat particulier et la technologie de traitement du matériau sont observé.

Les créations des artisans populaires et des artistes appliqués sont unies par la réflexion, l'opportunité et l'unité stylistique de tous les éléments.

La capacité d'analyser les moyens d'expression de l'image d'un objet artistique dans les arts populaires et décoratifs est nécessaire pour ressentir et apprendre à mieux comprendre le général et le particulier de chacun d'eux.

Il est très intéressant de voir comment tous les principaux médias artistiques langue arts visuels acquérir un nouveau sens et leur propre spécificité dans les arts populaires et décoratifs. À cet égard, l’une des plus importantes est la question de la relation entre le pictural et le graphique dans les œuvres décoratives, où la figuration ou la plasticité y prédomine. Par exemple, dans les ornements de Khokhloma et de Zhostovo, l'essentiel est le principe pittoresque, et les ornements des maîtres Kubachi et Balkhar sont essentiellement graphiques.

Il faut dire de interaction complexe en plastique et des débuts pittoresques dans les arts décoratifs. Dans certains produits, le plastique porte le début du pittoresque - céramiques Skopinskaya, Kargopol, Filimonovskaya, jouets Dymkovo. Dans d'autres, le pittoresque porte en lui le début du plastique : peintures de Zhostovo, Gorodets et Polkhov-Maidan, châles Pavlovo Posad, dentelles de Vologda.

La synthèse de la partie et du tout est obligatoire pour un artiste populaire, quelle que soit la façon dont sa palette s'élargit, peu importe ce qui prédomine - le principe pictural ou ornemental.

L'expressivité de la ligne, de la silhouette, du rythme, de la couleur, des proportions, de la forme, de l'espace dans chaque type d'art décoratif dépend en grande partie des matériaux utilisés et de la technologie de leur traitement.

Un artisan populaire ou un artiste des arts décoratifs et appliqués s'efforce de montrer dans son travail la meilleure façon qualités esthétiques des matériaux : bois, textiles, métal, céramique, verre, papier, os, cuir, pierre, etc.

Caractère décoratif dans les arts et l'artisanat populaires, c'est le principal moyen d'exprimer la beauté, en même temps c'est une caractéristique des œuvres d'autres types d'art (photos 1, 2).

Il faut tenir compte du fait que dans chaque type d'art l'image artistique a sa propre structure, déterminée, d'une part, par les particularités de l'expression du contenu spirituel, et d'autre part, par la technologie, la nature de le matériau dans lequel ce contenu est incorporé. L'image artistique dans les arts populaires et décoratifs présente des caractéristiques communes et distinctives.

L'image décorative n'exprime pas l'individu, mais le général – « spécifique », « générique » (feuille, fleur, arbre, oiseau, cheval, etc.). Une image décorative nécessite une pensée artistique et imaginative, une attitude mythopoétique envers la réalité.

Par conséquent, dans l'art populaire, il est d'usage de mettre en évidence des types d'images de produits de l'artisanat artistique traditionnel, qui reflètent les idées mythologiques et esthétiques du peuple. Par exemple, l'image d'un oiseau, d'un cheval, de l'arbre de vie, d'une femme, des signes-symboles de la terre, de l'eau, du soleil peuvent être vus dans divers matériaux artistiques : broderie, tissage, dentelle, peinture sur bois et métal, sculpture sur bois, céramique, etc. La durabilité et le caractère traditionnel de ces images déterminent en grande partie la haute valeur artistique et esthétique des œuvres d'art populaire.

En même temps, l'universalité des types d'images dans l'art différentes nations monde montre leur unité associée à la communauté des approches du processus de cognition esthétique des éléments naturels et phénomènes sociaux.

Les images des arts décoratifs professionnels reflètent également les idées d’un peuple particulier sur la beauté. Ils sont aussi souvent créés à partir de motifs naturels ou géométriques, mais ici une grande liberté est laissée dans l'interprétation des images. Sujets ou thèmes historiques Vie moderne sont activement utilisés dans les œuvres d’art appliqué.

Examinons maintenant les similitudes et les différences dans les concepts d'« image artistique », de « symbole » et de « signe » en utilisant l'exemple des œuvres d'art décoratif populaire. Le concept le plus vaste et le plus polyvalent sera « l'image artistique ». Dans certains cas, un symbole est un signe doté du caractère organique et de l'ambiguïté inépuisable de l'image. Dans d'autres, un symbole n'équivaut pas à une image artistique, mais, ce qui est particulièrement important, il doit toujours avoir valeur artistique. Ainsi, une image artistique n'a pas toujours signification symbolique, et le symbole n'est pas toujours expressif au sens figuré. En règle générale, une image symbolique n'a aucune signification figurative et symbolique, bien que dans l'art populaire, très souvent, tous les signes soient des symboles, et parfois même des images.

Figure 3. Symboles du soleil, d'un champ semé et de la végétation sur la lame d'un rouet sculpté.

Par exemple, un oiseau dans la peinture de Gorodets ou dans la céramique de Gjel a une imagerie différente. Si nous parlons des oiseaux en général, alors ce ne sera pas l'image d'un oiseau en particulier ni même l'image d'un oiseau dans les traditions de certains métiers, mais une image proche du signe (photos 3, 4). Dans le même temps, une image décorative d'un coq peut être un symbole du soleil. D’un autre côté, une série de symboles peut avoir plusieurs significations. Ainsi, non seulement un coq, mais aussi un cheval peuvent être un symbole du soleil. Ce système symbolico-poétique trouve son origine dans les signes et symboles associés au culte des divinités naturelles.

Lors de l'analyse des mérites artistiques d'une œuvre particulière d'art décoratif populaire ou professionnel, il est nécessaire de prêter attention à sa solution figurative, en tenant compte des caractéristiques du matériau, de l'expressivité de la forme et des proportions, de la palette de couleurs, de la connexion des l'ornement avec la forme du produit, les mérites plastiques, picturaux ou graphiques de la chose. Il est important de noter à quel point les répétitions rythmiques caractéristiques de composition le post-essaimage de l'ornement et de la chose dans son ensemble influence sa solution figurative.

Si vous apprenez à bien analyser une image dans l'un des systèmes artistiques, de riches opportunités s'ouvriront pour identifier les relations entre artistique et moyens expressifs.

Les arts et métiers populaires et professionnels sont interprétés comme des arts qui répondent aux besoins de l'homme et satisfont en même temps ses besoins esthétiques, donnant vie à la beauté.

Cependant, vous devez être conscient des différences significatives entre ces types d’arts. L'art populaire, qui transforme la réalité, est considéré par les historiens de l'art moderne comme un type particulier de créativité artistique dont les traits distinctifs sont : un principe collectif et des traditions, la stabilité des thèmes et des images, l'universalité d'un langage compréhensible par tous les peuples. du monde, l'universalité des valeurs spirituelles. Toutes ces caractéristiques de l'art sont déterminées par une perception holistique du monde.

L'art populaire est un phénomène holistique, car il repose sur la vie et le mode de vie des gens, leurs idées sur l'univers, leur activité professionnelle, leurs rituels et leurs vacances. Les objets d'art populaire matérialisent la pensée imaginative du peuple.

Les résultats de l'activité artistique et créatrice d'un peuple reflètent sa vie, ses opinions et ses idéaux. Par conséquent, les œuvres d'art populaire contiennent l'expérience des sentiments moraux, des connaissances et du comportement. Unique et riche en contenu, l'expérience confère à l'art populaire une valeur unique en tant que moyen d'éducation morale et esthétique d'une personne. Elle constitue donc un domaine aussi important de la vie sociale que la pédagogie populaire. La polyvalence de l’art populaire nous permet de le considérer comme une force énorme influençant l’individu et la société.

L'art populaire est avant tout un vaste monde d'expérience spirituelle du peuple, ses idées artistiques font partie intégrante de la culture. Au cœur de l'art populaire - activité créative personnes, reflétant leur conscience de soi et leur mémoire historique. La communication avec l’art populaire, avec ses idéaux moraux et esthétiques développés au fil des siècles, joue un rôle éducatif important. L’attrait de l’art populaire pour les gens et son impact sur leurs sphères intellectuelle, émotionnelle et sensorielle ouvrent de grandes opportunités pour l’utilisation des arts et métiers populaires traditionnels dans le système éducatif.

La formation et le développement des traditions artistiques populaires d'une région particulière ont eu lieu sous l'influence de facteurs naturels, géographiques, culturels et socio-économiques. La tradition portée à travers les siècles n’empêche pas le sentiment de modernité d’apparaître. Dans l'art populaire, cela ne s'exprime pas tant dans les signes extérieurs de l'époque, même si, bien sûr, ils ont aussi leur place, mais dans la capacité de répondre aux exigences d'aujourd'hui sous une forme traditionnelle. Cela se reflète principalement dans la perception du monde, dans l'idée de beauté.

Il est très important que l'art populaire avec sa métaphore et son symbolisme - vivre la créativité (Figure 5) et en même temps mémoire vivante historique , mémoire des origines de la culture. Cela apporte l’expérience de connaître le monde. L'intégrité de l'art populaire comme structure artistique et il existe une clé pour le comprendre. Tradition dans ce cas - méthode créative .

Le traditionnel apparaît dans l'art populaire comme système, pour lequel les aspects suivants sont importants : le lien entre l'homme et la nature, l'expression du national, les écoles d'art populaire (nationales, régionales, régionales, école des métiers individuels).

Graphique 5. Image de l'oiseau Sirin dans les peintures de la Dvina du Nord.

La continuité des traditions façonne la culture populaire artistique de la région et soutient le haut professionnalisme de l'artisanat populaire. C'est cette qualité qui nous permet de mettre en valeur les caractéristiques d'une école particulière en tant que communauté créative. Seule l'école, en tant que continuité culturelle déterminée par l'existence de la tradition, est capable de fournir une telle base artistique qui rend l'art populaire vivant dans le temps et permet le développement des métiers d'art.

La personne principale de l'artisanat artistique est un maître populaire, une personnalité créatrice particulière, spirituellement liée aux gens, à la culture, à la nature de la région, porteuse de traditions et d'expérience collective.

Dans chaque contact des mains du maître sur l’objet qu’il crée, vit un sentiment de beauté, organique à la structure interne de la perception populaire. L'art populaire exprime le tempérament national et caractère national. Ils déterminent en grande partie la variété des formes d'art populaire.

Dans l'art populaire, les compétences artistiques, la dextérité technique, les méthodes de travail et les motivations sont transmises de maître à élève. Système artistique est élaboré collectivement.

La base de l'art paysan était l'artisanat. Le laconisme des moyens d'expression, l'économie et le raffinement des techniques d'interprétation caractérisent l'œuvre du maître. Le sens de la matière, la connaissance de ses propriétés expressives, le traitement manuel à l'aide des outils les plus simples conduisent à une généralisation artistique de la forme. Souvent, un artiste populaire crée ses œuvres à partir de formes naturelles (Figure 6).

Graphique 6. UN - AVEC kopkar (Peinture sur bois de Permogorsk) ; b- Utitsa (Peinture de Khokhloma sur bois).

Pour créer image artistique ce qui compte, ce sont les matériaux, les méthodes et la nature de leur traitement. L'utilisation de matériaux naturels est l'une des principales traditions de l'art populaire.

Chaque école disposait d'un système de techniques de travail éprouvées, une technologie basée principalement sur les propriétés du matériau traité. L’art du maître consistait à transformer même les propriétés d’un matériau peu pratiques à traiter en mérites artistiques d’une chose. Par exemple, les différentes propriétés de l'argile ont déterminé le caractère unique de ses techniques de traitement et la solution esthétique de l'image. L'argile blanche trop molle et plastique a contribué à créer la silhouette allongée particulière du jouet Filimonov.

Le concept de « savoir-faire » inclut la présence de capacités créatives et la capacité d'organiser correctement le travail, en respectant une certaine séquence de création d'un objet artistique : concept, développement de la technologie, production de matériaux, finition, estime de soi. Les capacités créatives du maître sont largement déterminées par la capacité de varier et d'improviser dans le cadre de la tradition de l'école. La connaissance des propriétés des matériaux traités est importante, haut niveau maîtrise des outils et des techniques de transformation.

La maîtrise de la compétence se fait sur la base des grands principes de l'art populaire - répétition, variation et improvisation. Par exemple, l'étude de la peinture s'effectue généralement de la manière suivante : d'abord, le maître fait asseoir les élèves autour de lui et les oblige à répéter strictement les éléments de l'ornement.

Après les avoir maîtrisés, les élèves ont la possibilité de varier leurs motifs picturaux préférés. Et ce n'est que sur la base de l'expérience acquise qu'ils passent à l'improvisation basée sur la peinture et à la composition de leurs propres compositions. Si chacun passe sans faute par l'étape de répétition et de variation, alors seuls les étudiants les plus talentueux capables de devenir de véritables maîtres dans leur métier se mettent au travail au niveau de l'improvisation.

Les œuvres d’art décoratif populaire et professionnel décorent et transforment la vie.

2. La décoration dans les arts spatio-temporels

2.1. Essence esthétique. La décoration comme technique de pensée artistique et figurative

Terme "décoratif" actuellement largement utilisé dans les beaux-arts et les arts décoratifs, l'architecture et le design, ainsi que dans la recherche problèmes modernes synthèse des arts, dans la théorie de l'organisation esthétique de l'environnement.

Cependant, le terme « caractère décoratif » fait souvent référence à divers concepts qui, à un degré ou à un autre, reflètent son essence. Certains chercheurs identifient le caractère décoratif uniquement avec la fonction de décoration, reconnaissent le caractère décoratif comme une propriété supplémentaire d'une œuvre d'art, d'autres rejettent généralement le caractère décoratif au motif que la convention décorative éclipserait prétendument le contenu d'une œuvre d'art et compliquerait sa compréhension, tandis que d'autres voient l'utilisation active des techniques décoratives comme une voie prometteuse la poursuite du développement beaux-arts, notamment peinture décorative.

Concept "décoratif" vient du mot latin "décor"- beauté, charme, grâce, parfois cela se traduit par décoration. mot latin "décorer" signifie - décorer, nettoyer, habiller. Tenue vestimentaire, tenue vestimentaire, décoration sont désignées par un autre mot latin - "ornementum".

Ainsi, étymologiquement, la notion de « décorativité » désigne la décoration, qui est inextricablement liée à la qualité de la décoration elle-même, à la beauté.

Le caractère décoratif est une caractéristique spécifique des arts décoratifs et appliqués, qui peut être interprétée comme une forme d’expression de la beauté.

Le caractère décoratif en tant que qualité positive des produits des arts décoratifs et appliqués, en tant que valeur esthétique, est fixé dans leur forme significative. Le caractère décoratif organique interne diffère du caractère décoratif externe, le « décor » en tant qu'ornement et propriété supplémentaire qui n'a pas de signification esthétique indépendante en raison de sa présence facultative dans une chose donnée.

Le caractère décoratif peut servir de base constructive aux produits d’art et d’artisanat. La décoration est une technique de pensée artistique et figurative, caractéristique qui est la création d’un modèle de composition spécial. La décoration en tant que technique sert à révéler la cohérence interne d'une œuvre, la proportionnalité et l'ordre de tous ses détails et formes et est utilisée non seulement dans les arts décoratifs et appliqués, mais aussi dans tous les arts de l'espace-temps.

Ainsi, le caractère décoratif n'est pas seulement une spécificité des arts décoratifs et appliqués, inextricablement liée à l'expressivité, puisque les arts décoratifs et appliqués en esthétique sont classés comme un « type expressif » d'art, mais aussi une technique de pensée artistique et figurative dans tout l'espace. -les arts du temps, y compris dans la peinture décorative.

Attention! Ceci est un fragment d'introduction du livre.

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Art folklorique

artistique, art populaire, folklore, activité créatrice artistique des travailleurs ; poésie, musique, théâtre, danse, architecture, beaux-arts et arts décoratifs créés par le peuple et existant parmi les masses. Dans la créativité artistique collective, les gens reflètent leurs activités professionnelles, leur vie sociale et quotidienne, leur connaissance de la vie et de la nature, leurs cultes et leurs croyances. N. t., développé au cours de la pratique du travail social, incarne les points de vue, les idéaux et les aspirations du peuple, sa fantaisie poétique, le monde le plus riche de pensées, de sentiments, d'expériences, de protestation contre l'exploitation et l'oppression, de rêves de justice et de bonheur. . Ayant absorbé l'expérience séculaire des masses, N. t. se distingue par la profondeur de la maîtrise artistique de la réalité, la véracité des images et le pouvoir de généralisation créatrice.

Les images, thèmes, motifs et formes les plus riches de l’art littéraire naissent de l’unité dialectique complexe de la créativité individuelle (bien que généralement anonyme) et de la conscience artistique collective. Depuis des siècles, le collectif populaire sélectionne, améliore et enrichit les solutions trouvées par les maîtres individuels. La continuité et la stabilité des traditions artistiques (au sein desquelles, à leur tour, se manifeste la créativité personnelle) se conjuguent avec la variabilité et la mise en œuvre diversifiée de ces traditions dans les œuvres individuelles.

La collectivité de la littérature scientifique, qui constitue sa base constante et sa tradition éternelle, se manifeste tout au long du processus de formation des œuvres ou de leurs types. Ce processus, comprenant l'improvisation, sa consolidation par la tradition, son amélioration ultérieure, son enrichissement et parfois son renouvellement, s'avère extrêmement étendu dans le temps. Il est caractéristique de tous les types d'œuvres littéraires que les créateurs d'une œuvre en soient simultanément les interprètes, et l'interprétation, à son tour, peut être la création de variantes qui enrichissent la tradition ; Le contact étroit des artistes interprètes ou exécutants avec des personnes qui perçoivent l'art et qui peuvent elles-mêmes participer au processus créatif est également important. Les principales caractéristiques de la musique folklorique comprennent l'indivisibilité longtemps préservée et l'unité hautement artistique de ses types : poésie, musique, danse, théâtre et art décoratif fusionnés dans des actions rituelles populaires ; chez le peuple, l'architecture, la sculpture, la peinture, la céramique et la broderie formaient un tout indissociable ; la poésie populaire est étroitement liée à la musique et à sa rythmicité, sa musicalité et la nature de l'interprétation de la plupart des œuvres, tandis que genres musicaux généralement associé à la poésie, aux mouvements ouvriers et à la danse. Les travaux et les compétences de la littérature scientifique se transmettent directement de génération en génération.

N. t. était la base historique de toute la culture artistique mondiale. Ses principes originaux, les formes, les types et en partie les images les plus traditionnels sont nés dans les temps anciens dans les conditions d'une société pré-classique, lorsque tout art était la création et la propriété du peuple (voir Art primitif). Avec le développement social de l’humanité, la formation d’une société de classes et la division du travail, un art « élevé » et « scientifique » professionnalisé émerge progressivement. N. t. constitue également une couche particulière de la culture artistique mondiale. Il identifie des couches de contenus sociaux différents associés à la différenciation de classe de la société, mais au début de la période capitaliste, l’art non-fictionnel était universellement défini comme l’art collectif traditionnel des masses laborieuses du village, puis de la ville. Un lien organique avec les principes fondamentaux de la vision du monde du peuple, une intégrité poétique de l’attitude envers le monde et un perfectionnement constant déterminent le haut niveau artistique de l’art populaire. En outre, la technologie scientifique a développé des formes particulières de spécialisation, de continuité des compétences et de formation.

La science des peuples différents, souvent très éloignés les uns des autres, comporte une multitude de caractéristiques communes et des motifs apparus dans des conditions similaires ou hérités d'une source commune. Dans le même temps, N. t. a absorbé pendant des siècles les caractéristiques vie nationale, la culture de chaque peuple. Elle a conservé sa base de travail vitale, est restée un réservoir de culture nationale, un représentant de la conscience nationale. Cela a déterminé la force et la fécondité de l'influence de la critique littéraire sur tout l'art mondial, comme en témoignent les œuvres de F. Rabelais et W. Shakespeare, A. S. Pouchkine et N. A. Nekrasov, P. Bruegel et F. Goya, M. I. Glinka et M. P. Moussorgski. À son tour, N. t. a beaucoup adopté le « grand » art, qui a trouvé une expression diversifiée - des frontons classiques des huttes paysannes aux chansons folkloriques aux paroles de grands poètes. N. t. a conservé des témoignages précieux des sentiments révolutionnaires du peuple, de sa lutte pour son bonheur.

Dans des conditions capitalistes, tombées dans la sphère des relations socio-économiques bourgeoises, la science et la technologie se développent de manière extrêmement inégale. Beaucoup de ses branches se dégradent, disparaissent complètement ou risquent d'être remplacées ; d’autres perdent leurs qualités en s’industrialisant ou en s’adaptant aux demandes du marché. Dans le 19ème siècle La croissance de la conscience nationale, les mouvements démocratiques et de libération nationale et le développement du romantisme ont suscité un intérêt pour la littérature scientifique à la fin des XIXe et XXe siècles. l'influence du folklore sur culture mondiale, certaines branches perdues de la science sont restaurées et des musées et des sociétés pour sa protection sont organisés. Dans le même temps, le mécénat public et privé des arts soumet souvent N. t. à des fins commerciales, les intérêts de « l’industrie touristique », pour laquelle elle cultive les traits les plus archaïques et les vestiges religieux-patriarcaux.

Dans une société socialiste, les conditions ont été créées pour la préservation et le développement de la technologie scientifique ; hériter et établir des traditions folkloriques, il est imprégné des idées du socialisme, du pathétique du reflet d'une réalité nouvelle et transformée ; N. t. bénéficie du soutien systématique de l'État et des organismes publics, et ses maîtres reçoivent des prix et des titres honorifiques. Un réseau d'institutions de recherche a été créé - instituts et musées qui étudient l'expérience de la technologie scientifique et contribuent à son développement. De nombreux genres traditionnels de non-fiction sont en voie de disparition (par exemple, folklore rituel, complots, drames populaires), mais d'autres trouvent une nouvelle place dans la vie. De nouvelles formes de culture artistique de masse naissent également. Les spectacles artistiques amateurs (chœurs, groupes chorégraphiques, théâtres folkloriques, etc.), qui ont une nature différente de celle de N. t., mais utilisent en partie son patrimoine, se développent intensément. De hauts exemples de N. t. créés au cours de plusieurs siècles conservent le sens d'une vie éternelle. héritage culturel, un trésor d'expérience artistique des masses.

Poésie populaire - masse verbale créativité artistique de tel ou tel peuple ; la totalité de ses types et formes, désignés dans science moderne Ce terme a également d'autres noms - littérature populaire, littérature orale, poésie populaire, folklore. La créativité artistique verbale est née du processus de formation de la parole humaine. Dans une société préclassique, elle est étroitement liée à d'autres types d'activités humaines, reflétant les débuts de ses connaissances et de ses idées religieuses et mythologiques. Dans le processus de différenciation sociale de la société, différentes sortes et des formes de créativité verbale orale qui exprimaient les intérêts de différents groupes et couches sociales. Le rôle le plus important dans son développement a été joué par la créativité des masses laborieuses. Avec l’avènement de l’écriture, est née une littérature historiquement associée à la littérature orale.

La collectivité de la littérature orale (c'est-à-dire non seulement l'expression des pensées et des sentiments d'un groupe, mais surtout le processus de création et de diffusion collective) détermine la variabilité, c'est-à-dire la variabilité des textes dans le processus de leur existence. Dans le même temps, les changements pourraient être très différents - depuis des variations stylistiques mineures jusqu'à une refonte importante du plan. Dans la mémorisation, ainsi que dans la variation des textes, un rôle important est joué par des formules stéréotypées particulières - les soi-disant lieux communs associés à certaines situations d'intrigue, passant de texte en texte (par exemple, dans les épopées - la formule pour seller un cheval, etc.).

Dans le processus d'existence, les genres de fiction littéraire verbale connaissent des périodes « productives » et « non productives » (« âges ») de leur histoire (émergence, diffusion, entrée dans le répertoire de masse, vieillissement, extinction), et cela est finalement associé aux changements sociaux et culturels quotidiens de la société. La stabilité de l'existence des textes folkloriques dans la vie populaire s'explique non seulement par leur valeur artistique, mais aussi par la lenteur des changements dans le mode de vie, la vision du monde et les goûts de leurs principaux créateurs et gardiens - les paysans. Paroles œuvres folkloriques les différents genres sont modifiables (bien qu'à des degrés divers). Cependant, en général, le traditionalisme a une force infiniment plus grande dans la fiction littéraire que dans la créativité littéraire professionnelle.

La collectivité de la littérature verbale ne signifie pas son impersonnalité : des maîtres talentueux ont activement influencé non seulement la création, mais aussi la diffusion, l'amélioration ou l'adaptation des textes aux besoins du collectif. Dans les conditions de division du travail, des professions uniques d'artistes de production sont apparues. N. t. (Rhapsodes et Aeds grecs anciens, Skomorokhs russes, kobzars ukrainiens (voir Kobzar), Akyns kazakhs et kirghizes, etc.). Dans certains pays du Moyen-Orient et d'Asie centrale, ainsi que dans le Caucase, des formes transitionnelles de littérature verbale se sont développées : les œuvres créées par certains individus étaient diffusées oralement, mais le texte changeait relativement peu, le nom de l'auteur était généralement connu et était souvent ; introduits dans le texte (par exemple Toktogul Satylganov au Kirghizistan, Sayat-Nova en Arménie).

La richesse des genres, des thèmes, des images et de la poétique de la musique folklorique verbale est due à la variété de ses fonctions sociales et quotidiennes, ainsi qu'aux méthodes d'exécution (solo, chœur, chœur et soliste), à ​​la combinaison du texte avec mélodie, intonation et mouvements (chant, chant et danse, narration, mise en scène, dialogue, etc.). Au cours de l'histoire, certains genres ont subi des changements importants, ont disparu et de nouveaux sont apparus. Dans la période ancienne, la plupart des peuples avaient des traditions tribales, des chants de travail et rituels et des conspirations. Plus tard, des contes magiques et quotidiens, des contes sur les animaux et des formes pré-étatiques (archaïques) d'épopée sont apparus. Au cours de la formation de l'État, une épopée héroïque classique a émergé, puis des chansons historiques (Voir Chanson) et des ballades (Voir Ballade) sont apparues. Même plus tard, des chants lyriques non rituels, des romances, des chastushka et d'autres petites chansons ont été formés. genres lyriques et enfin le folklore ouvrier (chants révolutionnaires, histoires orales, etc.).

Malgré la coloration nationale vive des œuvres littéraires de différents peuples, de nombreux motifs, images et même intrigues y sont similaires. Par exemple, environ les deux tiers des intrigues des contes de fées des peuples européens ont des parallèles avec les contes de fées d'autres peuples, ce qui est dû soit au développement d'une source, soit à l'interaction culturelle, soit à l'émergence de phénomènes similaires basés sur modèles généraux de développement social.

Jusqu’à la fin de l’ère féodale et à l’époque du capitalisme, la littérature verbale s’est développée de manière relativement indépendante de la littérature écrite. Plus tard travaux littéraires plus activement qu'auparavant, ils pénètrent dans l'environnement populaire (par exemple, « Le Prisonnier » et « Châle noir » de A. S. Pouchkine, « Colporteurs » de N. A. Nekrasov ; voir également à ce sujet dans l'article Poésie russe libre, Littérature Lubochnaya) . En revanche, le travail des conteurs populaires acquiert certaines caractéristiques de la littérature (individualisation des personnages, psychologisme, etc.). Dans une société socialiste, l’accessibilité à l’éducation offre une chance égale de découvrir les talents et la professionnalisation créative des personnes les plus douées. Diverses formes de culture verbale et artistique de masse (la créativité des auteurs-compositeurs, des chansons, la composition d'intermèdes et de sketchs satiriques, etc.) se développent en contact étroit avec l'art socialiste professionnel ; Parmi elles, les formes traditionnelles de musique folklorique verbale continuent de jouer un certain rôle. Des siècles d'existence ont assuré la valeur artistique durable et l'existence à long terme de tels chants, contes de fées, légendes, etc., qui reflètent le plus clairement les caractéristiques de la musique folklorique verbale. composition spirituelle du peuple, ses idéaux, ses espoirs et ses goûts artistiques, la vie quotidienne Cela détermine également la profonde influence de la théorie littéraire verbale sur le développement de la littérature. M. Gorki a dit : « … Le début de l'art des mots est dans le folklore » (« De la littérature », 1961, p. 452). Pour l'enregistrement du folklore, son étude et les principes méthodologiques d'étude, voir Folklore.

Musique folklorique (folklore musical) - créativité collective vocale (principalement chant), instrumentale et vocale-instrumentale du peuple ; existe, en règle générale, sous forme non écrite et se transmet à travers les traditions du spectacle. Propriété du peuple tout entier, le théâtre musical existe principalement grâce au spectacle vivant de pépites talentueuses. Ce sont parmi différents peuples Kobzar, guslar (voir Gusli), bouffon (voir Bouffons), Ashug, Akyn, kuishi (voir Kuy), Bakhshi, gusan (voir Gusans), Hafiz, olonkhosut (voir Olonkho), aed (voir Aeds) , Jongleur, Ménestrel, Shpilman, etc. Les origines de la musique folklorique, comme d'autres arts, remontent au passé préhistorique. Les traditions musicales des diverses formations sociales sont extrêmement stables et tenaces. Chaque époque historique cohabitent des œuvres plus ou moins anciennes et transformées, ainsi que des œuvres nouvellement créées à partir de celles-ci. Ensemble, ils forment ce qu'on appelle le folklore musical traditionnel. Sa base est la musique paysanne, qui conserve longtemps les caractéristiques d'une relative indépendance et se distingue généralement de la musique associée aux traditions écrites plus jeunes. Les principaux types de folklore musical sont les chansons (voir Chanson), les contes épiques (par exemple, les épopées russes, Yakut olonkho), les mélodies de danse, les chœurs de danse (par exemple, les chansons russes (voir Chastushka)), les pièces instrumentales et les airs (signaux) . , dansant). Chaque morceau de folklore musical est représenté par tout un système de variantes stylistiquement et sémantiquement liées qui caractérisent les changements dans la musique folklorique au cours de son exécution.

La richesse des genres de la musique folklorique résulte de la diversité de ses fonctions vitales. La musique accompagnait toute la vie professionnelle et familiale du paysan : jours fériés du cercle agricole annuel (chants de Noël (Voir Carol), Vesnyanka, Maslenitsa, chants de Kupala), travaux des champs (tonte, chants de récolte), naissance, mariage (berceuses et mariage chants), la mort (lamentations funéraires). Chez les peuples pasteurs, les chants étaient associés à l'apprivoisement d'un cheval, à la conduite du bétail, etc. Plus tard, les genres lyriques ont reçu le plus grand développement dans le folklore de tous les peuples, où des mélodies simples et courtes de travail, des chants rituels, de danse et épiques ou des airs instrumentaux sont remplacés par des improvisations musicales détaillées et parfois complexes - vocales (par exemple, une chanson russe persistante , Doina roumain et moldave) et instrumentaux (par exemple, des pièces de programme de violonistes de Transcarpatie, de cavaliers bulgares, de joueurs de dombra kazakhs, de joueurs de komuz kirghizes, de dutaristes turkmènes, d'ensembles et orchestres instrumentaux ouzbeks, tadjiks, indonésiens, japonais et autres).

Dans divers genres de musique folklorique, différents types de Melos se sont développés - du récitatif (carélien, runes, épopées russes, épopée slave du sud) aux richement ornementaux ( chansons lyriques Cultures musicales du Proche et du Moyen-Orient), polyphonie (voir Polyphonie) (combinaison polyrythmique de campagnols dans des ensembles de peuples africains, accords choraux allemands, polyphonie subvocale géorgienne quarto-seconde et russe centrale, Sutartin canonique lituanien), rythmique (voir Rythmiques) (dans en particulier, les formules rythmiques qui généralisaient le rythme des mouvements typiques de travail et de danse), les systèmes d'échelle de mode (des modes primitifs à volume étroit à la « structure mélodique libre » diatonique développée). Les formes des strophes, des distiques (paires, symétriques, asymétriques, etc.) et des œuvres dans leur ensemble sont également variées. La musique musicale existe sous formes à voix unique (solo), antiphonale (voir Antiphon), d'ensemble, chorale et orchestrale. Les types de polyphonie chorale et instrumentale sont variés - de l'hétérophonie (voir Hétérophonie) et du bourdon (un fond de basse au son continu) aux formations polyphoniques et d'accords complexes. Chaque culture musicale folklorique nationale, y compris un système de dialectes folkloriques musicaux, forme un tout musical et stylistique et s'unit en même temps à d'autres cultures en communautés folkloriques et ethnographiques plus larges (par exemple, en Europe - Scandinave, Baltique, Carpates, Balkans, Méditerranée et etc.).

L'enregistrement de la musique folklorique (au XXe siècle à l'aide d'équipements d'enregistrement sonore) est réalisé par une discipline scientifique particulière - l'ethnographie musicale, et son étude - l'ethnomusicologie (folkloristique musicale).

Presque toute la musique nationale est née de la musique folklorique. écoles professionnelles, dont chacun contient des exemples de diverses utilisations du patrimoine populaire - des arrangements les plus simples de mélodies folkloriques à la créativité individuelle, mettant librement en œuvre la pensée musicale folklorique, les lois spécifiques à une tradition musicale folklorique particulière. Dans la pratique musicale moderne, la musique est une force fertilisante tant pour l’art professionnel que pour diverses formes d’art amateur.

En Russie, les drames « Le tsar Maximilien et son fils rebelle Adolf », « Bateau » (variantes - « Bateau », « Bande de voleurs », « Stepan Razin », « Corbeau noir ») étaient les plus répandus chez le paysan, le soldat, et environnement d'usine ; Les drames « Le roi Hérode » et « Comment le Français a pris Moscou » ont également été joués. De par leur type, ils appartiennent aux drames de lutte contre les tyrans, héroïques ou dits de voleurs connus dans de nombreux pays. « Le tsar Maximilien » a une source littéraire - le drame scolaire « La Couronne de Démétrius » (1704), basé sur « La Vie de saint Démétrius » ; « Le Bateau » (fin du XVIIIe siècle) est une dramatisation de la chanson folklorique « Down the Mother Volga ». La formation finale de ces pièces est associée à l'inclusion dans leur texte de fragments d'œuvres de poètes de la fin du XVIIIe - première moitié du XIXe siècle. - G. R. Derzhavin, K. N. Batyushkov, A. S. Pouchkine, M. Yu. Lermontov, motifs et images de romans imprimés populaires. En Russie, il y avait aussi des pièces satiriques « Le Barin », « Le Barin nu », « Petrouchka ».

La plupart caractéristique le théâtre populaire (ainsi que l'art populaire en général) est la convention ouverte des costumes et des accessoires, des mouvements et des gestes ; Lors des représentations, les comédiens communiquaient directement avec le public, qui pouvait donner des indications, intervenir dans l'action, la diriger et parfois y participer (chanter avec le chœur des interprètes, incarner personnages secondaires dans les scènes de foule). Le théâtre populaire, en règle générale, n'avait ni scène ni décorations. L'intérêt principal n'est pas axé sur la profondeur de la révélation des caractères des personnages, mais sur le caractère tragique ou comique des situations et des situations. Grande importance avoir des monologues de sortie de personnages, des performances acteurs chansons (folkloriques ou spécialement composées pour le spectacle), airs d'opéras. Il existe deux types de personnages dans le drame populaire : le dramatique (héroïque ou romantique) et le comique. Les premiers se distinguent par un style très solennel de discours, de monologues et de dialogues, les seconds par des techniques comiques, parodiques et des jeux de mots. Le caractère traditionnel de la représentation dans le théâtre populaire a ensuite déterminé l'émergence d'un type particulier de représentations théâtrales qui ont reçu une forme stable. Dans de nombreux pays, ces représentations sont appelées théâtre traditionnel. Les spectacles de pantomime de danse folklorique sont répandus dans les pays asiatiques depuis l'Antiquité. Sur leur base, s'est formé le théâtre traditionnel des peuples d'Asie : les théâtres wayang topeng en Indonésie, les théâtres kolam sur l'île. Sri Lanka (Ceylan), Kathakali en Inde, etc.

L'originalité des techniques artistiques et scéniques du théâtre populaire a attiré des personnalités professionnelles du théâtre et a été utilisée par elles (W. Shakespeare, Molière, C. Goldoni, A. N. Ostrovsky, E. De Philippe, etc.).

La danse folklorique est l'un des types de danse folklorique les plus anciens. La danse faisait partie des spectacles folkloriques lors des festivals et des foires. L'apparition de danses en rond et autres danses rituelles est associée à des rituels folkloriques (danse du feu de Ceylan, danse aux flambeaux norvégiennes, danses en rond slaves associées aux rituels de curling d'un bouleau, de tissage de couronnes et d'allumage de feux). S'éloignant progressivement des actions rituelles, les danses en rond se sont remplies de nouveaux contenus qui exprimaient de nouvelles caractéristiques de la vie quotidienne. Les peuples pratiquant la chasse et l'élevage reflétaient leurs observations du monde animal dans leur danse. Le caractère et les habitudes des animaux, des oiseaux et des animaux domestiques étaient véhiculés de manière figurative et expressive: la danse du bison des Indiens d'Amérique du Nord, le pencak (tigre) indonésien, la danse de l'ours yakoute, la danse de l'aigle du Pamir, la danse chinoise, la danse indienne du paon, la danse finlandaise du taureau, la grue russe, le jars, les combats de coqs norvégiens, etc. Des danses sur le thème du travail rural sont apparues : danse lettone des faucheurs, danse hutsul des bûcherons, danse estonienne des cordonniers , lyanka biélorusse, poame moldave (raisins), ver à soie ouzbek, babeurre (coton). Avec l'avènement de l'artisanat et du travail en usine, de nouvelles danses folkloriques sont apparues : la danse du tonnelier ukrainien, la danse des souffleurs de verre allemands, la danse carélienne « Comment le tissu est tissé », etc. Les danses folkloriques reflètent souvent l'esprit militaire, la bravoure, l'héroïsme, les scènes de bataille sont reproduit les danses « à la pyrrhique » des anciens Grecs, mêlant art de la danse avec des techniques d'escrime, khorumi géorgien, berikaoba, danse du sabre écossaise, danses cosaques, etc.). Le thème de l'amour occupe une grande place dans la musique folklorique de danse ; au départ, ces danses étaient ouvertement érotiques ; plus tard, des danses sont apparues qui exprimaient la noblesse des sentiments, une attitude respectueuse envers une femme (Georgian Kartuli, Russian Baynovskaya Quadrille, Polish Masur).

Chaque nation a développé ses propres traditions de danse, son langage plastique, sa coordination particulière des mouvements, ses méthodes de relation entre le mouvement et la musique ; Pour certains, la construction d'une phrase dansée est synchrone avec la phrase musicale, pour d'autres (parmi les Bulgares) elle n'est pas synchrone. Danses des peuples Europe de l'Ouest sont basés sur le mouvement des jambes (les bras et le corps semblent les accompagner), tandis que dans les danses des peuples d'Asie centrale et d'autres pays de l'Est, l'attention principale est portée au mouvement des bras et du corps. Dans la danse folklorique, le principe rythmique domine toujours, qui est souligné par le danseur (tassement, applaudissements, sonneries, cloches). De nombreuses danses sont exécutées avec l'accompagnement d'instruments folkloriques que les danseurs tiennent souvent dans leurs mains (castagnettes, tambourin, tambour, doira, accordéon, balalaïka). Certaines danses sont exécutées avec des accessoires ménagers (écharpe, chapeau, plat, bol, bol). Le costume a une grande influence sur la nature du spectacle : par exemple, les danseurs russes et géorgiens sont aidés à bouger en douceur grâce à une longue robe qui couvre leurs pieds ; Un mouvement caractéristique de la danse masculine russe et hongroise consiste à taper sur le dessus des bottes rigides.

L'épanouissement et la popularité de la danse folklorique en URSS ont contribué à l'émergence d'une nouvelle forme scénique : les ensembles de danse folklorique. En 1937, l'Ensemble de danse folklorique de l'URSS a été créé, qui a établi la danse folklorique sur scène dans la chorégraphie professionnelle. Des éléments de danse folklorique sont également utilisés dans ballet classique. Dans toutes les républiques Union soviétique Des ensembles professionnels de danse folklorique et des ensembles de chant et de danse ont été créés. Les groupes de danse folklorique professionnels et amateurs sont courants dans les pays du monde entier (voir Danse).

L'architecture populaire, les beaux-arts et les arts décoratifs comprennent les outils, les bâtiments (voir Architecture en bois, Habitat), les ustensiles et l'ameublement de la maison (voir Bois dans l'art, Fer, Céramique, Vernis artistiques, Meubles, Cuivre, Récipients d'art, Verre), les vêtements et les tissus. (voir Broderie, Kilim, Tapis, Dentelle, Tissu imprimé, Vêtements, Tissus d'art), jouets (Voir Jouet), Lubok, etc. Parmi les procédés artistiques et techniques les plus importants courants dans la science et la technologie figurent la poterie, le tissage, la sculpture artistique, la peinture décorative, le forgeage, le moulage artistique, la gravure, le gaufrage, etc. L'architecture populaire et les arts décoratifs appartiennent à la production matérielle et sont de nature directement créative ; d'où l'unité en eux des fonctions esthétiques et utilitaires, de la pensée imaginative et de l'ingéniosité technique.

En créant et en concevant un environnement basé sur les objets et en donnant une expression esthétique aux processus de travail, à la vie quotidienne, au calendrier et aux rituels familiaux, N. t. Dans certaines caractéristiques du N. t., des normes de travail et de vie, des cultes et des croyances peuvent être retracés, remontant au néolithique et à l'âge du bronze. L'élément le plus courant de la conception artistique est l'ornement, né dans l'Antiquité, qui contribue à réaliser l'unité organique de la composition et est profondément lié à la technique d'exécution, au sentiment du sujet, à la forme plastique et à la beauté naturelle. du matériel. Des motifs ornementaux individuels, dont la plupart avaient à l'origine une signification mythologique (« arbre du monde », « grande déesse » avec ses prochains, symboles solaires), capturaient les caractéristiques de la conscience primitive, les moyens mythologiques et magiques de communiquer avec la nature. Ces racines anciennes apparaissent, par exemple, dans les jouets populaires, dans lesquels on retrouve les caractéristiques de l'art plastique culte primitif. Les œuvres de N. t. ont souvent un lien spécifique avec l'une ou l'autre coutume, qui persiste même lorsque le souvenir du caractère culte ou de la conditionnalité mythologique de cette coutume se perd. Cela explique également la fragilité et l'éphémère de nombreux objets de N. t. (dessins sur sable, œufs peints), destinés à une reproduction périodique dans le cadre d'un rituel régulièrement répété.

Contrairement au « grand » art de l'élite sociale, N. t. ne connaît pas de changements contrastés dans les styles artistiques. Au cours de son évolution, de nouveaux motifs individuels apparaissent, mais le degré de stylisation et la nature de la compréhension des motifs anciens changent davantage ; les images autrefois associées aux idées indigènes sur le monde ont progressivement acquis une signification étroitement utilitaire (par exemple, dans diverses amulettes et signes magiques qui décoraient des objets du quotidien) ou ont commencé à jouer un rôle purement décoratif, tandis que la forme de l'objet n'a souvent subi que changements structurels et fonctionnels mineurs. L'idée d'une chose dans l'art scientifique n'est généralement pas fixée dans un modèle ou un dessin préparatoire, mais vit dans l'esprit et la main du maître ; en même temps, les résultats de son ingéniosité individuelle, conduisant au développement des méthodes de travail les plus rationnelles, doivent être acceptés par le collectif populaire. De ce fait, la tradition fixée par des siècles de sélection subit des changements spécifiques constants, mais seulement partiels. Les objets les plus anciens (par exemple les louches en bois en forme de canard) peuvent être extrêmement proches du vivant ; Les interprétations ultérieures de ces formes dans la littérature scientifique, tout en préservant la typologie et la base figurative originales, les combinent avec des techniques séculaires de généralisation, de stylisation décorative et d'utilisation rationnelle des moyens techniques et des matériaux.

À mesure que la société se différencie en classes, les conditions préalables se présentent pour l'émergence d'une production artistique, répondant aux besoins des couches inférieures de la société et limitée dans un premier temps au travail artistique domestique pour soi et à l'artisanat villageois. La présence d'une branche folklorique particulière est déjà révélée dans l'art ancien (par exemple, dans les objets votifs (Voir Objets votifs) du cercle italo-étrusque, rappelant la sculpture néolithique). Les monuments initiaux de l'architecture de palais et même de l'architecture religieuse sont clairement liés aux exemples antiques les plus simples d'architecture populaire en bois et en pierre (Megaron égéen, halle allemande), aux habitations portables des nomades, etc., mais ensuite aux voies de la construction urbaine et immobilière et populaire architecture servant à la vie essentiellement paysanne (maison d'habitation, aire de battage, grange, hangar, écurie, etc.).

DANS l'Europe médiévaleÀ la culture de l'Église féodale s'opposaient le désir de préserver la tradition culturelle du système clanique, l'isolement économique et politique et le culte des dieux locaux ; une expression de ceci est devenue le courant populaire de l'art médiéval, généralement saturé d'images du style animalier (voir Style animalier). La vision populaire du monde, exprimée avec une pureté particulière dans les bijoux-amulettes païens, apparaît également dans des monuments qui sont des exemples de l'influence de la culture populaire sur la cour et l'église (tels sont les reliefs de l'école de Vladimir-Suzdal (voir École de Vladimir-Suzdal) , plasticité grotesque des églises romanes et gothiques, ornementation des manuscrits). Cependant, le sous-développement des relations marchandise-argent, la faible différenciation des formes de vie, ainsi que l'anonymat fondamental de l'art médiéval et la proximité de ses maîtres avec le peuple n'ont pas contribué à l'isolement complet de l'art dans les pays qui ont suivi. est entrée dans les premiers stades du développement capitaliste, en particulier dans la Russie médiévale, telle que la situation a persisté jusqu'à la fin du XVIIe et au début du XVIIIe siècle. Dans les pays de l'Est, qui ont conservé pendant longtemps le mode de vie médiéval (jusqu'aux XIXe et XXe siècles), tous les arts décoratifs et appliqués sont profondément imprégnés de savoir-faire artisanal populaire, et les arts et métiers très développés ne sont pas fondamentalement différent des métiers des couches privilégiées ; dans les beaux-arts de plusieurs pays, il existe un fort courant folklorique (estampes populaires chinoises, japonaises, indiennes). Enfin, dans les pays qui ont connu la colonisation, la base de la technologie nationale était généralement l'ancienne culture indigène, même si elle absorbait de nombreuses caractéristiques des cultures introduites.

Avec la décomposition de la féodalité et du système des corporations, un artisanat d'art populaire travaillant pour le marché a émergé ; Grâce à cela, N.T., tout en conservant un lien étroit avec la vie populaire, maîtrise de nouveaux types de produits, de nouvelles formes et de nouveaux thèmes. D'autre part, l'identification de l'individualité artistique et le culte de l'art ancien, établis à la Renaissance, conduisent à ce que l'art littéraire émerge de plus en plus clairement comme quelque chose de local, isolé, lié à l'antiquité indigène. Culture artistique populaire - œuvres d'art religieux (peinture votive, icônes peintes sur verre, sculpture peinte), se développant rapidement à partir des XVIe-XVIIe siècles. (surtout dans les pays de culte catholique), la conception des fêtes, les estampes populaires, avec leur archaïsme naïf des formes, ont déjà un système figuratif complètement différent de celui des œuvres d'art exquises, parfois innovantes et inhabituelles ; Un écart similaire apparaît dans le style des articles ménagers. Cet écart est moins visible là où les éléments folkloriques pénètrent profondément dans la culture des couches privilégiées et de l'Église. En Russie, cela se manifestait par exemple dans l’architecture du palais du village. Kolomenskoïe (XVIIe siècle), avec son abondance de formes d'architecture populaire en bois, et dans les pays d'Amérique latine - dans le décor des églises baroques, qui absorbaient les caractéristiques de l'art des civilisations précolombiennes. Aux XVIIe-XVIIIe siècles. dans N. t., le principe idéographique s'affaiblit sensiblement. Dans les motifs végétaux, qui remplacent désormais partout les motifs symboliques et géométriques, la structure décorative devient plus libre et plus diversifiée. De plus en plus d'observations nouvelles et de sujets quotidiens pénètrent dans le folklore, et il y a un désir croissant d'une compréhension féerique et folklorique de la vie des couches supérieures de la société, d'emprunter les formes des styles dominants et de simuler la texture des vêtements coûteux. et des matériaux à forte intensité de main d'œuvre. Cependant, les nouveaux motifs et formes (Renaissance, baroque, Empire), pénétrant dans le style littéraire, ne conservent qu'une ressemblance très lointaine avec le modèle, se simplifiant et se figeant dans un schéma décoratif rythmiquement clair. En général, pour le XVIIe et le début du XIXe siècle. C'est l'époque de l'apogée du N. t., qui a donné une extraordinaire variété de ses types et de ses formes. Cela a été facilité par l'équipement de N.T. de matériaux et d'outils auparavant inaccessibles, l'émergence de nouvelles capacités techniques et l'élargissement de ses horizons. artistes folkloriques, développement de paroles folkloriques et de satire.

Dans le 19ème siècle la production artisanale, en plein développement, est de plus en plus entraînée dans le système de l'économie capitaliste ; Dans la plupart des pays, l'artisanat commercial est finalement séparé de l'artisanat domestique conservateur. En Russie, après 1861, les arts et l'artisanat populaires acquièrent le caractère d'ateliers privés travaillant pour le marché panrusse. La spécialisation étroite des métiers, la division croissante du travail et la standardisation des motifs donnent naissance à des motifs et des formes extrêmement fusionnés avec des techniques virtuoses d'exécution technique (atteignant parfois presque la vitesse d'une machine) ; dans le même temps, le savoir-faire artisanal et mécaniquement impeccable éclipse de plus en plus la créativité. En imitant des exemples de production urbaine de masse, souvent aléatoires et anti-artistiques, les maîtres détruisent l'unité des principes techniques et esthétiques typiques du folklore. Les compositions auparavant strictement organisées et riches en associations sémantiques deviennent plus libres, mais moins logiques. En peinture, les peintures à la détrempe sont remplacées par des peintures à l'huile, puis par des peintures à l'aniline ; l'icône folklorique et l'estampe populaire sont remplacées par l'oléographie ; en plastique, la forme tridimensionnelle de l'objet perd son caractère architectural. L'image et l'ornement, auparavant fusionnés avec la chose, deviennent désormais comme une image collée sur la surface. Certaines industries, incapables de résister à la concurrence des produits d’usine bon marché, déclinent ou disparaissent, mais d’autres émergent et se développent, principalement en utilisant des techniques, des styles et même des exemples d’art professionnel sur chevalet et de l’industrie de l’art commercial. Dans un certain nombre de pays qui possédaient auparavant les hydrocarbures les plus riches (Angleterre, Danemark et Pays-Bas), il disparaît presque complètement, mais se développe intensément dans des zones industriellement arriérées qui ont conservé d'épaisses couches. culture médiévale(province du nord en Russie, Bretagne en France, Tyrol en Autriche, Slovaquie, pays des Balkans, Espagne, Sicile en Italie).

Depuis le milieu du XIXe siècle, suite à la reconnaissance de la valeur du folklore verbal, un certain nombre de pays se sont intéressés à l’art décoratif populaire. Depuis lors, l'esthétique de l'art national (à la fois national et exotique), ses couleurs et son rythme ont influencé de plus en plus l'architecture professionnelle et les arts visuels et décoratifs. La collecte des collections d'art commence, les organismes publics et les cercles philanthropiques font revivre un certain nombre d'artisanat disparus et en organisent de nouveaux. Cette activité prend une ampleur particulière au tournant des XIXe et XXe siècles. avec la diffusion du style « moderne » et des mouvements nationaux-romantiques associés. Cependant, en imposant des solutions de type chevalet aux artisans populaires, les artistes et les théoriciens du « modernisme » ont souvent fait preuve d'un manque de compréhension des spécificités de la peinture artistique. Des erreurs similaires ont été commises plus tard (y compris dans la pratique soviétique des années 1930-1950) ; dans un certain nombre de pays capitalistes, au contraire, des tentatives ont été faites pour rapprocher la sculpture et l'ornementation populaires de l'art abstrait.

Les œuvres d'art populaire moderne sont principalement de la nature d'objets de décoration et de souvenirs, indiquant au sens figuré le caractère unique de la culture populaire d'une région particulière ; Grâce à leur aspect clairement artisanal, ils confèrent des caractéristiques de tradition nationale et d'humanité immédiate à un environnement créé en grande partie par des moyens industriels standardisés. Les arts et l'artisanat populaires jouent un rôle important dans les économies des pays en développement. Dans de nombreux pays (principalement en URSS et dans d'autres États socialistes), des fonds sont recherchés pour protéger l'artisanat populaire et son originalité artistique, les activités des artisans populaires sont encouragées par le biais de concours et d'expositions, les écoles et collèges professionnels forment des artistes et des interprètes. Avec la participation d'instituts de recherche et de musées, les traditions sont soigneusement étudiées et des échantillons d'art sont collectés, notamment afin de mettre en valeur des produits et des techniques décoratives en phase avec le mode de vie moderne. N. t. a une influence intacte sur l'industrie de l'art, aidant à trouver les formes et les décors les plus expressifs des objets du quotidien ; Certaines caractéristiques de l'art populaire se retrouvent dans les œuvres d'artistes amateurs ainsi que d'artistes professionnels qui utilisent l'expérience de l'art populaire. En URSS, un certain nombre d'artisanats populaires disparus ont été relancés, beaucoup ont reçu un nouveau développement et une nouvelle orientation associés à la vie soviétique (par exemple, d'anciens centres de peinture d'icônes sont devenus des centres de miniatures en laque de renommée mondiale). Dans les divers types et genres de la littérature soviétique, la préservation minutieuse des traditions populaires se combine avec une diversité d’intérêts et une perception active de la réalité soviétique.

Pour plus d'informations sur la littérature des différents peuples, voir les sections Littérature, Architecture et Beaux-Arts, Musique, Ballet, Théâtre dramatique, Cirque dans des articles sur certains pays et républiques de l'URSS.

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Aujourd'hui, beaucoup s'intéressent à la recherche de l'auto-identification nationale, des liens spirituels du peuple, d'une idée commune, et dans ces recherches, les regards sont généralement tournés vers les sommets culturels, les principes éthiques fondamentaux et les mécanismes économiques. Pendant ce temps, les valeurs recherchées se frayent un chemin dans nos vies, comme l'herbe sur l'asphalte, avec des faits, des événements et des intrigues à peine perceptibles de la pratique culturelle quotidienne. En ce qui concerne des problèmes aussi grandioses que l'auto-identification nationale, qui se souviendra d'une petite chose - un jouet folklorique ? Quand l'as-tu vue pour la dernière fois? Et où – dans le musée ? A l'exposition ? Sur la commode de grand-mère ? Ou vous souvenez-vous de la façon dont vous jouiez avec quand vous étiez enfant ? Et quel rapport cette petite chose totalement insignifiante de votre vie quotidienne peut-elle avoir avec les problèmes spirituels fondamentaux de l'homme moderne et, en outre, de la société tout entière ?

Sifflets et trompettes

L’histoire des jouets en argile remonte à des milliers d’années et se poursuit encore aujourd’hui. Et parmi toute la variété des types de figurines en argile, le sifflet mérite une attention particulière. Dans les temps anciens, les objets sonores en céramique étaient utilisés dans des rituels et avaient un but culte. La figurine en argile servait de talisman ; on lui attribuait des propriétés magiques. On croyait que le sifflement pouvait éloigner les mauvais esprits et se protéger du mal. Le vent et la pluie étaient provoqués par le bruit et le sifflet. Avec l'oubli des croyances païennes, les sifflets ont perdu leur fonction sacrée et se sont presque partout transformés en jeux d'enfants, bien que l'usage culte des jouets, y compris les sifflets, soit resté (jusqu'à récemment) avec le jeu. En Russie, l'événement le plus célèbre impliquant le sifflet est le festival de la mendicité de Viatka, ou siffleur.

Maître de Gorodets

Après s'être lancé professionnellement dans la sculpture sur bois, Sergueï Sokolov a commencé à étudier les traditions Gorodets de cet art. Il s'est intéressé aux possibilités de la sculpture à l'aveugle de Nijni Novgorod. On l'appelle aveugle car aucun trou n'a été percé dans la planche en cours de traitement ; le maître a formé un motif en relief sur son plan à l'aide de ciseaux. C'est ainsi que, selon la tradition, étaient décorés la poupe et les flancs des navires de la Volga et la planche frontale des huttes paysannes, où la planche recouvre le point de contact entre le fronton du toit et la couronne supérieure de la maison en rondins.

Le maître a découpé le contour requis avec une scie sauteuse électrique et a peint la face avant. De plus, il appliquait de la peinture (aquarelle) directement sur le bois sans apprêt, puis le recouvrait d'huile siccative. Plus tard, Sergei Fedorovich a commencé à apprêter ses affaires avec de l'huile siccative naturelle et est passé de l'aquarelle à la détrempe, qui donne une couleur plus saturée.

L'art populaire dans les paradigmes de l'histoire et de la modernité

Les approches de la compréhension de l’art populaire traditionnel parmi les historiens de l’art, les ethnographes, les sociologues, les historiens, les psychologues, les économistes et les experts culturels diffèrent, mais ce n’est qu’ensemble qu’elles nous permettent de nous rapprocher de la compréhension d’un phénomène qui continue d’échapper à l’analyse dans son intégralité 1 .

Arts et artisanats populaires

L’utilisation de matériaux naturels fait partie des traditions générales et fondamentales de l’art populaire. C'est dans le matériel qu'il est contenu caractéristiques artistiques. Sculpture et peinture sur bois, tissage, broderie, tissage de dentelle, traitement de l'écorce et des racines de bouleau, poterie, forgeage des métaux - avec toute la variété des techniques et des matériaux, les artisans populaires modernes adhèrent à ces arts anciens éléments traditionnels, formes et sujets.

La Maison Polenovsky, dont le successeur est la Maison nationale russe des arts populaires, a 100 ans. Le 29 décembre 1915 a eu lieu à Moscou l'inauguration d'une institution unique dans l'histoire de la culture mondiale - la Maison Polenovsky. Le fait de sa création est lié par une tradition séculaire à l'histoire du développement de l'amateurisme en Russie. La Maison comprenait : une salle de 300 places avec une scène pour la mise en scène de spectacles exemplaires, de démonstrations folkloriques et scolaires ; des salles de répétition, une bibliothèque, des ateliers de décors et de costumes et une exposition pédagogique. Le bâtiment a été érigé selon le projet original de l'éminent artiste russe, grand éducateur et académicien de la peinture Vasily Dmitrievich Polenov.

De nombreuses méthodes de traitement artistique du cuir ont été inventées par l'homme : gaufrage, appliqué, broderie, peinture et même incrustation de métal. Ce qui se démarque parmi eux, c'est la technique originale de couture de chaussures en cuir à motifs Kazan. Cette technique peut être appelée mosaïque de cuir, car c'est selon le principe de la mosaïque que des pièces en cuir coloré sont combinées en un motif complexe à l'aide d'une méthode unique de couture et de broderie.

Théâtre Carré de l'Est

Une caractéristique frappante du Caucase, que l’on pourrait appeler l’immortalité de la mémoire populaire ou le conservatisme poétique, est la capacité de préserver pendant des milliers d’années ce que l’esprit ou l’imagination des gens a donné naissance. Dans l'opinion quotidienne, les traditions populaires peuvent être observées en particulier dans certaines régions, en particulier dans le Caucase. On a beaucoup écrit sur cette caractéristique du Caucase.

Cependant, dès le début du siècle dernier, les chercheurs pensaient que « Il n'est pas si facile d'isoler de toute une série d'influences culturelles entrelacées et croisées, sous l'influence desquelles le Caucase a été, ce qui est local, ce qui est assyro-babylonien ou byzantin, ou mongol-turc, ou russe, ou islamique. avec ses réfractions arabes, persanes et turques. Malgré des imbrications aussi complexes, le concept reste couramment utilisé "Culture orientale" , avec toute la richesse de ce concept, sa seule certitude, comme il y a plusieurs décennies, est le concept "Culture orientale" à peu près équivalent au concept "culture non européenne"

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17 des plus beaux types d’art populaire de Russie.

L’artisanat populaire est exactement ce qui rend notre culture riche et unique. Les touristes étrangers emportent avec eux des objets peints, des jouets et des produits textiles en souvenir de notre pays.

Presque tous les coins de la Russie ont leur propre type de travaux d'aiguille, et dans ce document, nous avons rassemblé les plus brillants et les plus célèbres d'entre eux.

Jouet Dymkovo

Le jouet Dymkovo est un symbole de la région de Kirov, soulignant sa richesse et histoire ancienne. Il est moulé en argile, puis séché et cuit au four. Il est ensuite peint à la main, créant à chaque fois un exemplaire unique. Il ne peut pas y avoir deux jouets identiques.

Peinture de Zhostovo

Au début du XIXe siècle, les frères Vishnyakov vivaient dans l'un des villages moscovites de l'ancien volost de Troitskaya (aujourd'hui district de Mytishchi) et peignaient des plateaux en métal laqué, des sucriers, des palettes, des boîtes en papier mâché, des cigarettes. étuis, théières, albums et autres choses. Depuis lors peinture artistique Le style Zhostovo a commencé à gagner en popularité et à attirer l'attention lors de nombreuses expositions dans notre pays et à l'étranger.

Khokhloma

Khokhloma est l'un des plus beaux métiers russes, né au XVIIe siècle près de Nijni Novgorod. Il s'agit d'une peinture décorative de meubles et d'ustensiles en bois, appréciée non seulement des connaisseurs de l'antiquité russe, mais également des résidents de pays étrangers.

Bizarrement entrelacé motifs à base de plantes de baies écarlates brillantes et de feuilles dorées sur fond noir peuvent être admirées à l'infini. Par conséquent, même les cuillères en bois traditionnelles, présentées à l'occasion la plus insignifiante, laissent au destinataire le souvenir le plus aimable et le plus long du donateur.

Peinture de Gorodets

La peinture de Gorodets existe depuis le milieu du XIXe siècle. Des motifs lumineux et laconiques reflètent des scènes de genre, des figurines de chevaux, de coqs, dessins floraux. Le tableau est réalisé d'un trait libre avec un contour graphique blanc et noir ; il décore des rouets, des meubles, des volets et des portes.

Filigrane

Le filigrane est l'un des types les plus anciens de traitement artistique des métaux. Les éléments d'un motif en filigrane peuvent être très divers : sous forme de corde, de dentelle, de tissage, de chevrons, de chemin, de point bourdon. Les tissages sont réalisés à partir de fils d'or ou d'argent très fins, ils paraissent donc légers et fragiles.

Malachite de l'Oural

Les gisements connus de malachite se trouvent dans l'Oural, en Afrique, en Australie du Sud et aux États-Unis. Toutefois, en termes de couleur et de beauté des motifs, la malachite de pays étrangers ne peut être comparée à celle de l'Oural. C’est pourquoi la malachite de l’Oural est considérée comme la plus précieuse sur le marché mondial.

Cristal Gusev

Les produits fabriqués à la cristallerie Gus-Khrustalny se trouvent dans les musées du monde entier. Souvenirs russes traditionnels, articles ménagers, services pour la table de fête, bijoux élégants, boîtes, figurines faites à la main reflètent la beauté nature indigène, ses coutumes et ses valeurs primordialement russes. Les produits en cristal coloré sont particulièrement populaires.

Matriochka

Une fille joyeuse, potelée et ronde, portant un foulard et une robe folklorique russe, a conquis le cœur des amateurs de jouets folkloriques et de beaux souvenirs du monde entier.

Maintenant, la matriochka n'est pas seulement jouet folklorique, le gardien de la culture russe : c'est un souvenir mémorable pour les touristes, sur le tablier duquel sont finement dessinés des scènes de jeu, des intrigues de contes de fées et des paysages avec des attractions. La poupée gigogne est devenue un objet de collection précieux qui peut coûter des centaines de dollars.

Émail

Les broches, bracelets, pendentifs vintage, qui sont rapidement « entrés » dans la mode moderne, ne sont rien de plus que des bijoux réalisés selon la technique de l'émail. Ce type d'art appliqué est né au XVIIe siècle dans la région de Vologda.

Les maîtres représentaient des motifs floraux, des oiseaux et des animaux sur de l'émail blanc en utilisant diverses peintures. Puis l'art de l'émail multicolore a commencé à se perdre et l'émail monochrome a commencé à le supplanter : blanc, bleu et vert. Désormais, les deux styles sont combinés avec succès.

Samovar de Toula

Pendant son temps libre, Fiodor Lisitsyn, un employé de l'usine d'armes de Toula, aimait fabriquer quelque chose en cuivre et fabriquait autrefois un samovar. Puis ses fils ouvrirent un établissement de samovars où ils vendirent des produits en cuivre, qui connurent un énorme succès.

Les samovars de Lisitsyn étaient célèbres pour leur variété de formes et de finitions : tonneaux, vases ciselés et gravés, samovars en forme d'œuf, avec des robinets en forme de dauphin, avec des poignées en forme de boucle et peints.

Miniature Palekh

La miniature Palekh est une vision particulière, subtile et poétique du monde, caractéristique des Russes croyances populaires et des chansons. La peinture utilise des tons brun-orange et vert bleuâtre.

La peinture Palekh n’a pas d’analogue dans le monde entier. Il est réalisé sur du papier mâché et ensuite transféré sur la surface de boîtes de différentes formes et tailles.

Gjel

La brousse de Gjel, une zone de 27 villages située près de Moscou, est célèbre pour son argile, exploitée ici depuis le milieu du XVIIe siècle. Au XIXe siècle, les artisans de Gjel commencèrent à produire de la semi-faïence, de la faïence et de la porcelaine. Les objets peints d'une seule couleur restent particulièrement intéressants - la peinture bleue surglacée appliquée au pinceau, avec des détails graphiques.

Châles Pavlovo Possad

Lumineux et légers, les châles féminins Pavloposad sont toujours à la mode et pertinents. Cet artisanat populaire est apparu à la fin du XVIIIe siècle dans une entreprise paysanne du village de Pavlovo, à partir de laquelle s'est ensuite développée une manufacture de châles. Elle produisait des châles en laine aux motifs imprimés, très populaires à cette époque.

Dans un sens large art populaire (folklore) - ceux-ci sont créés par le peuple sur la base d'une expérience créative collective, traditions nationales et poésie populaire (légendes, contes de fées, épopées), musique (chansons, airs, pièces de théâtre), théâtre (drame, théâtre de marionnettes, pièces satiriques), danse, architecture, beaux-arts et arts décoratifs. Les œuvres d'art populaire ont une valeur spirituelle et matérielle et se distinguent par leur beauté et leur utilité. Les maîtres des arts et métiers populaires créent leurs œuvres à partir d’une variété de matériaux. Les plus courants sont : la céramique artistique, le tissage de dentelles, la broderie, la peinture, la sculpture sur bois ou sur pierre, la gravure, la ciselure, etc. On peut utiliser de la vaisselle peinte, des serviettes en dentelle, des planches de bois sculptées, des serviettes brodées dans la vie de tous les jours.

17. Types d'art populaire. Il y a deux directions : artisanat d'art urbain Et arts et métiers populaires. A titre d'exemple d'artisanat artistique traditionnel, on peut citer : la peinture sur bois Khokhloma, Gorodets, Dvina du Nord) et sur porcelaine (Gjel), les jouets en argile (Dymka, Kargopol, Filimonovo), les poupées gigognes (Sergiev Posad, Polkhov - Maidan), plateaux (Zhostovo), miniatures en laque (Fedoskino, Palekh, Kholuy), foulards (Pavlovsky Posad), jouets en bois sculpté (Sergiev Posad, Bogorodskoye), bijoux(Kubachi).

18. Décoratif. Le caractère décoratif dans les arts populaires et décoratifs est en même temps le principal moyen d'exprimer la beauté ; L'image décorative n'exprime pas l'individu, mais le général - « l'espèce » (feuille, fleur, arbre, oiseau, cheval, etc.). Une image décorative nécessite une pensée artistique et imaginative. Par conséquent, dans l'art populaire, il est d'usage de mettre en évidence des types d'images de produits de l'artisanat artistique traditionnel, qui reflètent les idées mythologiques et esthétiques du peuple. Par exemple, l'image d'un oiseau, d'un cheval, de l'arbre de vie, d'une femme, des signes-symboles de la terre, de l'eau, du soleil peuvent être vus dans divers matériaux artistiques : broderie, tissage, dentelle, peinture sur bois et métal, sculpture sur bois, céramique, etc. La durabilité et le caractère traditionnel de ces images et leur nature archétypale déterminent en grande partie la haute valeur artistique et esthétique des œuvres d'art populaire. Dans le même temps, l'universalité des types d'images dans l'art des différents peuples du monde montre leur unité, associée à la communauté des approches du processus de cognition esthétique des phénomènes naturels et sociaux. Les images des arts décoratifs professionnels reflètent également les idées d’un peuple particulier sur la beauté. Ils sont aussi souvent créés à partir de motifs naturels ou géométriques, mais ici une grande liberté est laissée dans l'interprétation des images. Les sujets historiques ou les thèmes de la vie moderne sont activement utilisés dans les œuvres d’art appliqué.

19. Traditions artistiques populaires. Les auteurs d'études modernes dans le domaine de l'histoire de l'art considèrent les traditions comme un phénomène dialectique associé non seulement au passé, mais aussi au présent et au futur. Selon S.B. Rozhdestvenskaya, la tradition est un trésor de tout ce qui est esthétiquement parfait, transmis de génération en génération, un complexe arts visuels, stable et changeant à la fois. La formation et le développement des traditions artistiques populaires d'une région particulière ont eu lieu sous l'influence de facteurs naturels, géographiques, culturels et socio-économiques. M. Nekrasova considère l'art populaire comme un système créatif, culturel et historique qui s'affirme à travers la continuité des traditions et des fonctions comme un type particulier de créativité artistique dans les activités collectives du peuple. Et chaque nation porte sa propre culture de traditions poétiques, figuratives et artisanales. Ils ont mis des siècles à se développer et ont été peaufinés par de nombreuses générations de personnes. Avec les traditions de l'art populaire, non seulement le savoir-faire est transmis, mais aussi les images, les motifs appréciés du peuple, les principes et techniques artistiques. Les traditions constituent les principales couches de la culture artistique populaire - écoles et en même temps déterminent la vitalité particulière de l'art populaire. Il est impossible de sous-estimer le pouvoir de la tradition pour le développement de l’art populaire. M.A. Nekrasova justifie à juste titre la richesse artistique des images, des formes, des moyens et des techniques sur cette base même. Elle croit que seulement particulièrement particulier dans les systèmes nationaux, dans les systèmes régionaux, dans les systèmes d'écoles d'art populaire, seuls peuvent déterminer la vie de l'art populaire en tant que centre culturel. tradition vivante cède la place à son développement. Loi de la tradition il s'avère que la principale force du développement.

20. Caractère national. Dans l'art populaire le tempérament national et le caractère national sont exprimés. Ils déterminent en grande partie la variété des formes d'art populaire. L'intégrité de l'art populaire en tant que structure artistique est la clé de sa compréhension. Tradition dans ce cas - méthode créative. Le traditionnel apparaît dans l'art populaire sous la forme d'un système pour lequel les aspects suivants sont importants : le lien entre l'homme et la nature, l'expression du national, les écoles d'art populaire (nationales, régionales, régionales, école des métiers individuels). Dans l'art populaire, les compétences artistiques, la dextérité technique, les méthodes de travail et les motivations sont transmises de maître à élève. Le système artistique se développe collectivement. Après les avoir maîtrisés, les élèves ont la possibilité de varier leurs motifs picturaux préférés. Et ce n'est que sur la base de l'expérience acquise qu'ils passent à l'improvisation basée sur la peinture et à la composition de leurs propres compositions. Si chacun passe sans faute par l'étape de répétition et de variation, alors seuls les étudiants les plus talentueux capables de devenir de véritables maîtres dans leur métier se mettent au travail au niveau de l'improvisation.

21 . Composition comment une relation significative entre les parties d'une œuvre d'art dans les arts populaires et décoratifs peut être construite selon divers schémas. Classiquement, on distingue les éléments actifs suivants d'une composition décorative : couleur, ornement, intrigue (thème), solution plastique planaire ou volumétrique. Pour comprendre les modèles de composition, il est nécessaire de percevoir l'image d'un objet artistique ou d'une composition spatio-volumétrique dans son ensemble.

22. Couleur- l'un des moyens d'expression des arts populaires et décoratifs - est considéré comme l'élément le plus important d'une image décorative. Il n’est pas associé à des caractéristiques spécifiques de l’objet ou du phénomène représenté. Chaque centre d'art populaire crée ses propres solutions coloristiques pour les objets artistiques, associées à la technologie traditionnelle de traitement des matériaux, de préservation des archétypes et d'autres conditions de créativité collective. Atteindre l'expressivité dans le travail décoratif est associé à des contrastes de tons et de couleurs. Dans les travaux décoratifs, les artistes veillent également à la relation harmonieuse des couleurs, et les couleurs réelles des objets peuvent être remplacées par des couleurs symboliques. L'unité coloristique de tous les éléments des ornements est obtenue à l'aide de contrastes ou de nuances de couleurs. Lors du choix des relations de couleurs dans les travaux de décoration, la taille des parties du motif, leur disposition rythmique, la fonction de l'objet et le matériau à partir duquel il est fabriqué sont pris en compte.

23. Sujet. Le thème et l'intrigue peuvent être exprimés dans des sculptures décoratives ou sur des récipients en céramique différentes façons. Par exemple, dans les céramiques de Gjel, une scène de goûter est représentée sur des plats ou sculptée dans du petit plastique. Et le récipient se transforme facilement en animal ou en oiseau. Une composition décorative thématique a ses propres motifs, son propre langage artistique. Comme toute œuvre d’art, elle raconte des personnes, des choses ou des événements. Mais en même temps, l'histoire picturale est subordonnée à des fins décoratives, en règle générale, elle sert à décorer l'objet. Par conséquent, la composition décorative est également liée à l’ornement. Ses options sont innombrables en fonction de tâches spécifiques, et les possibilités artistiques peuvent être élargies en utilisant une variété de matériaux et de techniques, en modifiant le but et l'échelle de l'image. Le thème d’une composition décorative peut être exprimé d’une manière qui le distingue fondamentalement de la composition d’un tableau. Les relations spatiales de la nature réelle peuvent être complètement absentes. L'image d'un paysage peut se déployer non pas en profondeur, mais vers le haut ; dans ce cas, les plans lointains sont placés au-dessus des plans proches.