I primi ensemble che iniziarono a eseguire musica chiamata "jazz-rock" erano costituiti da giovani artisti cresciuti in un ambiente rock, ma inclini all'estetica jazz e alla musica strumentale improvvisata. Erano praticamente gruppi rock con una sezione di ottoni.

Questa direzione può essere attribuita alle origini dell'intero stile fusion

Prima di tutto, le band di questo genere usano la voce. Il tema principale di ogni pezzo è cantato come una canzone piuttosto che suonato come nella musica strumentale successiva. È vero, dopo la parte vocale, vengono spesso suonati assoli improvvisati e, ovviamente, passaggi orchestrali abilmente scritti per i fiati. E poi, come è tipico della musica pop, il cantante conclude il pezzo.

Questo schema era tipico dei gruppi americani più importanti che fecero conoscere la loro presenza nel 1968: "" e "". La sezione degli ottoni di questi gruppi comprendeva solo tre o quattro strumenti diversi, solitamente una tromba, un trombone e un sassofono, e le loro orchestrazioni erano fatte in modo tale che, in combinazione con chitarra, basso e tastiere, suonassero come un vero e proprio grande band. Ben presto il gruppo "", creato dal trombettista Bill Chase, ottenne un'enorme popolarità. La particolarità del suo suono era che la sezione degli ottoni era composta da quattro trombe che suonavano in un registro acuto. Sfortunatamente, nel 1974, Bill Chase e tre dei suoi colleghi morirono un incidente aereo e il gruppo si sciolse.

Di solito, tutti gli allori dei pionieri del jazz-rock vanno ai gruppi "Chicago" e "Blood, Sweat & Tears", anche se i tentativi di combinare due di questi movimenti sono stati fatti da altri musicisti, parallelamente, e talvolta anche prima di loro. Ad esempio, nel 1965 nacque il gruppo newyorkese "The Free Spirits" (per qualche motivo questo nome fu preso in prestito da John McLaughlin quando creò il suo trio nel 1993), già allora eseguendo quello che poteva tranquillamente essere considerato il chitarrista jazz-rock Larry Coriell, che in seguito divenne una star della musica fusion, iniziò la sua carriera.

Il bluesman bianco di Chicago Michael Bloomfield creò il gruppo “The Electric Flag” nel 1967, chiamandolo “The Orchestra of American Music”. Era un ensemble composto da un gruppo blues-rock con una sezione di fiati aggiunta, che dava al blues bianco una potenza extra.

Gruppi americani di questo tipo avevano una propria ideologia: creare qualcosa negli Stati Uniti che resistesse all'ondata della "British Invasion" che travolse gli Stati Uniti.
Nel 1969 inizia ad esibirsi e produrre musica rock strumentale con improvvisazioni. È un eterno nichilista e scioccante sperimentatore. Con il suo aiuto, abbiamo raggiunto alto livello Molti musicisti fusion sono famosi. Non si può fare a meno di ricordare il gruppo rock "The Flock", in cui suonava il violinista jazz, divenuto poi famoso per la sua partecipazione alla prima composizione della "Mahavishnu Orchestra" di John McLoughlin.

Nel 1970, il batterista jazz creò il gruppo "Dreams", che inizialmente era notevolmente simile nello stile di orchestrazione ai suoi predecessori - "Chicago" e "Blood, Sweat & Tears". "Dreams", come Michael Brecker e Randy Brecker, che suonarono nel primo disco dei Blood, Sweat & Tears, così come il chitarrista John Abercrombie, per non parlare dello stesso Billy Cabham. Tutti questi musicisti divennero famosi Ben presto divennero le star del stile fusion, partecipando agli ensemble più famosi.

E il gruppo "Dreams" non può più essere chiamato "brass rock" bianco, poiché era razzialmente misto e, nonostante la somiglianza esterna con "Chicago", era più simile al "rock-jazz", cioè al jazz che somigliava roccia. (Si ricorda al lettore che in inglese la prima delle due parole è la definizione della seconda.) Nello stesso periodo, cioè subito dopo l'immediata fama venuta ai pionieri del jazz-rock, alcuni famosi jazzisti americani cominciarono a suonano in un modo nuovo, utilizzando ritmi presi in prestito dalla musica rhythm and blues, soul e funk.
È impossibile non notare l'emergere, sull'orlo degli anni '60 e '70, di una serie di progetti volti non tanto a creare un sistema fondamentalmente nuova musica, quanto per la divulgazione del jazz eseguendo in modo nuovo opere tratte dalla cultura pop, da musica classica. Il trombonista jazz Don Sebesky ha poi realizzato una serie di interessanti registrazioni sperimentali con grandi orchestre.

I critici, che non avevano ancora capito cosa stava succedendo, soprannominarono questa musica “pop-jazz”, nonostante il fatto che la sua struttura fosse incommensurabilmente più complessa di ciò che si adatta al termine “pop”. Un certo numero di eccezionali musicisti jazz che suonava "soul-jazz" e "hard bop" negli anni '60, nella prima metà degli anni '70 sotto la produzione di Grid Taylor, realizzò una serie di registrazioni che possono essere tranquillamente classificate come forme di jazz-rock. Questi sono, prima di tutto, George Benson, Freddie Hubbard, Stanley Turrentine, Hubert Laws. Ma questa linea del primo jazz-rock non ha ricevuto ulteriori sviluppi.
Nel corso del tempo, quando la cultura rock fu spazzata via dall'era della discoteca, i classici del jazz rock furono inclusi nella storia del jazz, i loro nomi iniziarono a essere inclusi nelle enciclopedie jazz, nei libri di consultazione e nei dizionari. La sostituzione del termine “Jazz-rock” con “Fusion” fu in gran parte dovuta all’arrivo nel jazz-rock di musicisti neri che non volevano essere associati alla cultura rock bianca, e diedero all’intero movimento il carattere di “funk”. musica.

Il termine “fusione” non ha solo connotazioni musicali, ma anche sociali, indicando che la “fusione” è avvenuta non solo a livello culture musicali, ma anche tra diverse etnie di ascoltatori ed esecutori.
Ciò è stato particolarmente chiaramente dimostrato da Miles Davis, che si è esibito ai concerti al Fillmor West di fronte a un pubblico di hippy bianchi con musica funky d'avanguardia, con artisti bianchi.

In Gran Bretagna

In Inghilterra, il quadro dell'emergere di quello che convenzionalmente chiameremmo jazz-rock era in qualche modo diverso, principalmente perché non c'erano contraddizioni razziali, non c'erano due culture parallele: bianca e nera. Quando i bluesmen neri provenienti dagli Stati Uniti - Big Bill Broonzie e Muddy Waters - visitarono l'Inghilterra nel 1957, nacque il cosiddetto "British blues". I suoi pionieri furono i jazzisti londinesi Chris Barber, Cyril Davis, Alexis Corner e altri.

Sconvolti dal loro stretto contatto con il vero blues, questi jazzisti iniziarono a creare la propria versione del blues bianco.
Nei club londinesi emersero numerosi gruppi, i più famosi dei quali furono "Blues Incorporated", "Graham Bond Organization" e "Blue Flames". buona scuola future stelle di più direzioni diverse, - Mick Jagger, Brian Jones, Dick Heckstal-Smith, John McLoughlin, Jack Bruce e molti altri.

In Gran Bretagna nella seconda metà degli anni '60 sorsero molti gruppi rock con estetiche diverse, utilizzando strumenti a fiato ed elementi di improvvisazione. Tradizionalmente sono classificati come movimenti come "rock progressivo" o "art rock", ma in sostanza lo sono rappresentanti tipici il primo jazz-rock. Questi sono i gruppi "Soft Machine", "Colosseum", "If", "Jethro Tull", "Emerson, Lake & Palmer", "Air Force", "The Third Ear Band" e molti altri.

La scuola britannica del primo art rock (progressive o jazz rock) della fine degli anni '60 è caratterizzata da una notevole influenza del rhythm and blues, da un lato, e dall'altro, al contrario, per la speciale profondità e contenuto inerenti nella secolare cultura europea.
La musica di questo tipo, creata in quel breve periodo in Inghilterra, è per molti versi unica e sottovalutata dal pubblico di massa.
Il periodo iniziale della formazione del jazz rock è caratterizzato dalla ricerca di qualcosa di nuovo, sia da parte di un piccolo numero di jazzisti, sia da parte di evidenti interpreti rock. Allora sorsero combinazioni di musicisti piuttosto insolite. Un rappresentante di spicco dell'hard rock, il chitarrista dei Deep Purple Tommy Bolin è alla ricerca di contatti con i jazzisti, registrando sul disco Spectrum con Billy Kobham. Il chitarrista rock Jeff Beck registra con il tastierista Ian Hammer, che divenne una figura di spicco del jazz rock dopo la sua partecipazione al bassista Jack Bruce, noto per la sua partecipazione all'orchestra Mahavishnu Rock vita breve il supergruppo "Cream", suona per qualche tempo in "Soft Machine", e poi registra nel progetto del batterista jazz americano Tony Williams (Tony Williams) "Lifetime Drummer del gruppo "Genesis" Phil Collins collabora con il chitarrista Al Dee Meola (Al Di Meola), suona nel gruppo "Brand X". E ci sono molti di questi esempi.

Ma già in questo periodo si notava una notevole tendenza alla graduale trasformazione del jazz-rock in musica puramente strumentale. Il cantante è sostituito da un virtuoso improvvisatore. La sezione in ottone diventa opzionale. La composizione degli ensemble jazz-rock è formata secondo il principio dei combo jazz: un gruppo ritmico più solisti. Gli strumenti acustici vengono sostituiti da quelli elettronici. Invece del contrabbasso, viene utilizzato un basso e invece del pianoforte vengono utilizzate le tastiere (pianoforte Wutlitzer, piano Rhodes e successivamente sintetizzatori). La chitarra elettrica con campanelli e fischietti sta sostituendo la chitarra acustica jazz.

Nel primo periodo del jazz-rock, il concetto ritmico dominante proveniva dalla cultura rock, cioè basato sul rhythm and blues, sulla musica soul. L'ulteriore destino del jazz-rock nel processo della sua graduale trasformazione in musica “fusion” è associato al passaggio a un senso del ritmo completamente diverso, al concetto di stile “funk”. Il jazz-rock diventa la musica degli improvvisatori mentre il suo destino passa nelle mani di figure di spicco del jazz come Miles Davis, Pulcino Corea Chick Corea, Joe Zavinul, John McLoughlin, Herbie Hancock, Wayne Shorter.

Aleksej Kozlov.

La storia conosce molti esempi di quando le idee degli innovatori non furono accettate dal pubblico, a volte addirittura perseguitate, ma alla fine questi pionieri furono riconosciuti come geni e i loro risultati furono utilizzati dal mondo intero. Questo è successo anche nel jazz: i musicisti sono andati oltre lo stile tradizionale e spesso non sono stati fraintesi. Rappresentanti delle nuove tendenze, ad esempio Miles Davis, Tony Williams o i gruppi Weather Report e Return to Forever, hanno creato i loro migliori album jazz-rock senza pensare che sarebbero diventati successi mondiali. Ma ciò nonostante, questo è esattamente quello che è successo...

I migliori album jazz rock

Miles Davis – album Bitches Brew

Il doppio album del trombettista jazz americano fu pubblicato all'inizio del 1970 dalla Columbia Records. Questo album riflette gli esperimenti con l'uso di strumenti elettronici: chitarra e sintetizzatore.

Questo album è considerato il capostipite della direzione jazz-rock. Gli standard jazz tradizionali sono sostituiti da un'improvvisazione viscosa e inaspettatamente esplosiva. I musicisti hanno provato immediatamente prima della registrazione, il che li ha costretti a immergersi maggiormente nella musica che stavano eseguendo. Dalle istruzioni hanno ricevuto solo l'indicazione del tempo, gli accordi di base e un piccolo segmento della melodia, da cui in seguito è nata l'improvvisazione. A proposito, le composizioni “Pharaoh’s Dance” e la ballata “Sanctuary” non sono scritte da Davis.

Dopo l'uscita dell'album, le opinioni al riguardo erano divise. Il fatto stesso che la Columbia Records abbia pubblicato un album chiamato Bitch Brew è stato scandaloso.

Il contenuto non è rimasto indietro rispetto al nome - una direzione stilistica vicina al jazz fusion o al jazz rock, esperimenti con suoni ed effetti speciali, strumenti elettronici - tutto ciò ha permesso non solo di dividere la società in due parti - a favore e contro, ma anche per portare l'album ad una popolarità sfrenata. L'album divenne rapidamente il primo disco d'oro nella carriera di Davis e poco dopo vinse un Grammy.

Ritorno per sempre – album Guerriero romantico

I Return to Forever erano un gruppo jazz fusion americano degli anni '70. L'album "Romantic Warrior", pubblicato nel 1976, divenne il sesto e il più famoso nella storia del gruppo. La musica dell'album, stilizzata nel Medioevo, è varia, a partire dalla copertina. L'album si apre con "Medieval Overture", interamente acustica.

“The Sorceress”, da un lato, sembra preparato da un'ouverture, dall'altro ha uno stile opposto e tra la composizione strumentale compare un sintetizzatore. La composizione "Majestic Dance" si basa interamente su riff rock e suoni distorti di chitarra "solista", supportati da passaggi veloci simili a quelli di un clavicembalo.

Alcuni critici confermarono che il disco meritava di essere incluso tra i migliori album jazz-rock della storia, mentre altri sostenevano che tutte le composizioni fossero troppo classiche e pompose, e che l'album stesso fosse quasi il peggiore della storia.

Herbie Hancock – Album dei cacciatori di teste

Head Hunters è il dodicesimo album in studio, pubblicato nel 1973 dalla stessa Columbia Records. L'album è stato aggiunto al registro nazionale della Biblioteca del Congresso.

È abbastanza difficile classificare inequivocabilmente l'album "Headhunters" come jazz-rock. Questo disco è piuttosto un chiaro indicatore di come i ritmi RNB, accentuati dagli strumenti a percussione afroamericani, possano essere combinati con grande successo con ritmi funk rilassati.

Il suono eclettico dell'album non solo ha continuato ad aprire la strada alla musica tutta elettronica, ma ha anche influenzato in modo significativo gli altri. generi musicali, diventando l'ennesimo vincitore nella battaglia per il titolo di miglior album jazz-rock di tutti i tempi.

Weather Report – album Heavy Weather

Ancora una volta un album californiano pubblicato dalla Columbia Records nel 1977, questa volta dalla band Weather Report.

Abbiamo di nuovo a che fare con uno dei migliori album in Jazz History, che fu pubblicato quando il fenomeno jazz-rock "cominciò a perdere controllo", come commentò il critico Richard Ginell.

Una delle composizioni più sorprendenti dell'album è Birdland. È assolutamente fantastico perché è interamente strumentale. Diventato immediatamente uno standard del jazz e contribuendo notevolmente alla popolarità dell'album, Birdland rappresenta l'apice della creatività del gruppo.

È curioso che, sebbene la composizione stessa non abbia ricevuto un Grammy, successivamente la canzone non solo è entrata nel repertorio di molti artisti famosi, ma le sue versioni hanno vinto tre Grammy.

Tony Williams – album Credeteci

L'album jazz-rock Believe It (1975) di Tony Williams e la sua band The Tony Williams Lifetime viene nuovamente registrato dalla Columbia Records. Questo è il primo album del gruppo. Il primo, non il più famoso, ma allo stesso tempo estremamente interessante.

Vale la pena notare: il primo solo nella nuova fase della Williams, il primo per la nuova formazione del gruppo. Fino a quel momento, nel 1974, erano già stati pubblicati ben quattro album del trio Williams in continua disintegrazione.

John Swanson scrive che l'album Believe it è come "una degustazione di fusione pazzesca". Il nuovo chitarrista britannico Allan Holdsworth divenne quasi una sensazione, memorabile per la sua espressività linguaggio musicale– morbido, armonico e molto lirico, oltre all'uso magistrale dello strumento. Dobbiamo però la fusione tra jazz e rock, e loro lo devono anche a Williams, con il suo concetto di libertà ritmica e di incredibile ingegnosità.

La seconda metà degli anni '60 del secolo scorso fu segnata dal periodo di massimo splendore della cultura rock in Occidente, associato all'incredibile ascesa del movimento hippie.

In quegli anni apparvero molte cose nuove. E non solo nella musica, ma nell’arte in generale e nell’estetica della vita dei giovani. C'erano regolarmente gruppi rock e jazz rock che suonavano qui. I nuovi gruppi emersi durante questo periodo possono essere tranquillamente paragonati al numero di funghi che crescono dopo la pioggia.

L'emergere del jazz rock

In quegli anni apparvero molte nuove tendenze, gruppi e nomi musicali. I Beatles hanno aperto la strada dal Mersbeat a una varietà di composizioni complesse. Seguendoli, iniziarono ad apparire tendenze come Acid-Rock, Psi-rock, Folk-rock, Classic-Rock, Country rock, Rock Opera, Blues-rock e, ovviamente, Jazz-rock.

Basato sulla grammatica in inglese, il termine jazz-rock può essere tradotto come “jazz rock”, poiché in grammatica la prima parola determina il rapporto con la seconda. Pertanto, i primi ensemble jazz-rock divennero un trampolino di lancio per l'avvento della cultura rock, non del jazz.

Il jazz-rock è diventato una parte essenziale della musica non convenzionale. Le sue stelle finirono in enciclopedie rock, libri di consultazione e dizionari.

I primi gruppi jazz-rock

A quel tempo, i critici giunsero alla conclusione che il gruppo di Chicago era composto da musicisti rock che cercavano di suonare jazz. E il gruppo "Blood of Tiars", secondo loro, al contrario, era composto da jazzisti che si univano alla musica rock. È anche importante ricordare che negli Stati Uniti il ​​rock era originariamente considerato musica bianca.

Per questo motivo l’immagine del genere jazz-rock è stata descritta come: “un gruppo rock bianco che comprende una sezione di ottoni”. Non solo questi due gruppi si fecero conoscere in quel periodo. Hanno eseguito nuove armonie e ritmi, improvvisato e suonato strumenti elettronici. Si noti che l'America è stata soggetta a pressioni senza precedenti da parte dei gruppi rock con sede in Inghilterra.

Mike Bloomfield è un giovane bluesman di Chicago. Ha creato il gruppo blues-rock Electric Flag. C'era una sezione di ottoni. Ma allo stesso tempo si diceva che il gruppo avrebbe suonato la vera musica americana. Pertanto, possiamo concludere che nelle prime fasi il jazz-rock aveva un background ideologico. Uno degli ensemble più sorprendenti dell'epoca fu il gruppo Chase, creato dal trombettista Bill Chase. Morì tragicamente nel 1974.

Jazz rock nelle attività di famosi musicisti rock

Le prime manifestazioni del jazz rock includono un numero enorme di gruppi in cui suonavano musicisti che in precedenza non avevano nulla a che fare con un movimento come il jazz. Ginger Baker - batterista dei "The Cream" - dopo che il gruppo si sciolse, creò nuovo gruppo- "Banda dell'Aeronautica Militare". Cominciarono ad apparire gruppi in cui giovani jazzisti lavoravano insieme a musicisti rock.

Famosi musicisti rock hanno preso parte attivamente alla registrazione di nuovi tipi di musica. Alcuni musicisti famosi iniziano a registrare in studio con altri. Ad esempio, Jeff Beck ha registrato con Jan Hammer e Stanley Clarke. Jack Bruce si è unito a The Tony Williams Lifetime. Qualche tempo dopo, il batterista del gruppo Genesis divenne membro del gruppo Brand X.

Ha accompagnato anche Al Di Meola. Tommy Bolin, chitarrista dei Deep Purple, ha registrato con il famoso batterista jazz Billy Cubham. Inoltre, lui stesso ha attratto artisti jazz-rock per registrare insieme i suoi dischi da solista. Tutti i musicisti uniti per trovare e inventare qualcosa di nuovo. Tutti quelli che non si sono fissati sullo stesso modo di suonare, su uno stile monotono.

Se consideriamo i primi tempi nel loro insieme, possiamo affermare inequivocabilmente che nell'ambiente del jazz a metà degli anni '60 si formò quella che viene chiamata la “soglia” del jazz rock. Questi sono l'Adderley Brothers Quintet, i Messengers Jazz, Horace Silver e il batterista Art Blakey. La musica di questo quintetto è classificata come soul jazz o funky jazz.

Elementi di tale musica vengono utilizzati attivamente da Quincy Jones, un arrangiatore eccezionale. La musica soul funky è stata promossa in ogni modo possibile dal produttore Grid Taylor. Ha lavorato con Jimmy Smith, Wes Montgomery e altri jazzisti.

Erano anche degli innovatori a pieno titolo, poiché offrivano una nuova estetica che differiva significativamente dagli standard funky e hard bop. Già nel 1965 Larry Coryell fu uno dei primi a riconsiderare l'approccio al suono del proprio strumento, modificò il fraseggio e cercò di avvicinarsi alla chitarra rock.

Ma la vera rivoluzione fu portata avanti da John McLoughin. Pertanto, diverse forze hanno lavorato contemporaneamente nella direzione del jazz-rock. Se parliamo di jazz tradizionale, allora, in linea di principio, qui è apparsa e cresciuta un'intera generazione di ascoltatori.

D’altra parte, il jazz è cambiato molto in questo periodo. Ha smesso di muoversi in una direzione commerciale. L'era della danza swing finì nel dopoguerra. Il bebop si è rapidamente evoluto in hard bop. Alla fine degli anni '60 tocca il jazz d'avanguardia, uscendo dal grande pubblico e cominciando a svilupparsi in profondità.

Nel corso del tempo, il jazz divenne un movimento molto complesso; cessò di essere un'arte alla moda. Perché tali circostanze hanno costretto il mondo della musica a cambiare. Anche i famosi jazzisti rimasero senza lavoro. Così, sorse l'antagonismo nella sfera della musica rock e nell'ambiente jazz.

Per la maggior parte dei jazzisti che hanno continuato il loro sviluppo, i gusti della gioventù hanno fatto sorridere. A loro sembrava tutto troppo semplice e primitivo. I musicisti che suonavano rock trattavano i jazzisti con rispetto. Ma c’era anche una certa ostilità da parte loro, dovuta all’avversione di questi ultimi per tutto ciò che è nuovo.

Se ne parliamo in generale, entrambe queste direzioni erano in una certa misura rivali in termini di gelosia per il successo. Fu per questi motivi che il jazz rock non suscitò molto entusiasmo tra il grande pubblico. La critica jazz ha affermato che questa direzione non ha valore futuro e artistico.

Video: Funk-Jazz-Rock-Groove-Musica

Miles Davis “In modo silenzioso” (1969)

Gli intenditori possono ancora discutere sulle radici e le origini del jazz-rock (fusion). Tuttavia, il momento in cui il jazz rock è diventato famoso non è in discussione. Genio musicale Mile Davis è stato il primo a modificare complesse tracce strumentali da varie sessioni. E, cosa più importante, ha incoraggiato i suoi colleghi a esplorare una nuova strada nella musica. Questo e il prossimo album di Davis, "Bitches Brew", sono dei classici assoluti del genere.

Orchestra Mahavishnu “La Fiamma Montante Interiore” (1971)

Il chitarrista John McLaughlin, che ha preso parte alla registrazione dei due album di Miles Davis sopra menzionati, ha riunito un gruppo di strumentisti eccezionali: il batterista Billy Cobham e il violinista Jean-Luc Ponty. L'album Inner Mounting Flame ha insegnato una lezione di performance magistrale a molte rock star, dai Deep Purple ai Metallica e ai Dream Theater. Ascolta cosa fa McLaughlin con la sua chitarra.

Herbie Hancock “Mwandishi” (1971)

Anche il famoso tastierista e compositore Herbie Hancock è stato fortemente influenzato dalla sua collaborazione con Miles Davis. All'inizio degli anni '70, il musicista lasciò l'etichetta Blue Note e iniziò a collezionare nuovi strumenti elettronici. Mwandishi era il nome di Hancock in swahili e fu il pioniere dell'integrazione dei sintetizzatori nel tessuto jazz. Coloro che trovano il suono di "Mwandishi" troppo avanguardistico e improvvisato dovrebbero rivolgersi al progetto funk di Hancock "Head Hunters" (1973), che ha ricevuto un'ampia risposta da parte del pubblico.

Ritorno per sempre: Inno della settima galassia (1973)

Un altro pianista, Chick Corea, dopo aver collaborato con Miles negli anni '70, ha cambiato il suo focus di interesse dall'avanguardia al jazz-rock. L'album Return To Forever del progetto presenta Corea al chitarrista Bill Conors, Stanley Clarke al basso e Lenny White alla batteria. Hymn of the Seventh Galaxy non è più jazz-rock, ma rock-jazz. Gli artisti virtuosi creano un vero mix hard rock. Una fusione finora inaudita di electro, jazz, funk e hard rock, cioè. fusione vera e propria (fusione - lega).

Roccia jazz(Inglese) jazz-rock) - una direzione musicale il cui nome parla da solo. Questa miscela unica di jazz e rock è apparsa relativamente di recente - negli anni '60 del XX secolo, quando alcuni jazzisti dalla mentalità progressiva trovarono troppo ristretta la portata del loro ampio stile. Tradizionalmente, l'emergere del jazz rock è geograficamente attribuito agli Stati Uniti, ma anche nel Vecchio Mondo c'erano abbastanza pepite che, indipendentemente dai loro colleghi d'oltremare, padroneggiavano il nuovo suono.

Già all'inizio degli anni '60 nel Regno Unito c'erano gruppi come Georgie Fame and the Blue Flames e Graham Bond Organization, i cui musicisti cercavano di combinare jazz e rhythm and blues nel loro lavoro. Echi di jazz rock si possono sentire anche nell'album del 1964 “The Five Faces of Manfred Mann” di Manfred Mann. Tuttavia, i venerabili critici musicali sono propensi a considerare il primo lavoro nel jazz rock il disco del vibrafonista jazz americano Gary Burton (Gary Burton) "Duster", che fu messo in vendita nel 1967. Questo disco presentava il giovane musicista texano Larry Coryell come chitarrista. È lui all'origine dello stile comunemente chiamato jazz-rock.

Un anno prima di lavorare con il grande Gary Burton, Larry riuscì ad apparire Il gruppo Free Spirits, che nei suoi esperimenti ha cercato di mescolare anche il jazz con il rock. Quando divenne chiaro che i due generi musicali indipendenti erano abbastanza compatibili, "Miles in the Sky" di Miles Davis apparve nelle classifiche. Da quel momento in poi, il jazz-rock cominciò a prendere slancio. I gruppi che suonavano in una nuova vena sono nati indipendentemente l'uno dall'altro su entrambe le sponde dell'oceano e suonavano molto diversi. E questa diversità è stata determinata dall’ampio quadro di entrambi i generi. Confrontare, ad esempio, gli americani Blood, Sweat and Tears con gli inglesi The Soft Machine è un approccio completamente diverso alla musica, ma entrambi i gruppi in certi momenti della loro creatività possono essere completamente attribuiti a questa direzione.

Il jazz-rock è caratterizzato da una durata significativa di composizioni, improvvisazione, dalla sua base jazz con tutte le conseguenze che ne conseguono e dall'uso di strumenti rock. Durante il periodo di massimo splendore di questo movimento negli anni '70, apparvero gruppi come The Mahavishnu Orchestra, Weather Report, Brand X, Chicago, Return to Forever - gruppi che sono ancora considerati classici del genere. Gli anni successivi ampliarono in qualche modo i confini del jazz rock, aggiungendo world, funk ed elementi di musica pop, compresa l'elettronica. Sono apparsi molti sottogeneri, ma la loro base è lo stesso jazz immutato.

Il jazz rock è talvolta indicato anche con il termine "fusion" ( Inglese fusion), la cui comparsa è associata all'arrivo nel jazz-rock di musicisti neri che non volevano associarsi alla cultura rock bianca. Caratteristica caratteristica la fusion è una tendenza al funk. Ma, in misura maggiore, il termine “fusione” non contiene una connotazione musicale, ma sociale, che segna l’attuazione della “fusione” non solo a livello delle culture musicali, ma anche tra diversi gruppi etnici di artisti e ascoltatori. Un esempio lampante di tale fusione sociale fu l'esibizione del nero Miles Davis ai concerti al Fillmore West nel 1970 davanti a un pubblico di hippy bianchi in una scaletta con artisti bianchi e neri.