13. a 14. apríla sa v Stanislavskom elektrickom divadle uskutoční premiéra hry „The Maids of Sunset Boulevard“. Popredný herec a režisér divadla Vladimir Korenev rozpráva, ako inscenácia vznikala, prečo je zaujímavá výprava a aké experimenty ho lákajú.

Vladimir Korenev je jednou z najvýznamnejších a najvýraznejších osobností ruskej kinematografie. V šesťdesiatych rokoch sa do publika zamiloval vďaka úlohe Ichthyandera vo filme „Obojživelník“. Jeho rovesníci chceli byť ako jeho hrdina a jeho rovesníci bombardovali pekného herca ľúbostnými listami.

Pred viac ako 50 rokmi prišiel Korenev do moskovského činoherného divadla pomenovaného po K.S. Stanislavského a nakoniec sa stal popredným hercom. Nový život divadlo s názvom "Elektrodivadlo Stanislavskij" začalo v roku 2015 fantastickou hrou "Modrý vták", v ktorej hlavné úlohy - chlapec Tiltil a dievča Mytil - hrali Vladimír Korenev a jeho manželka Aleftina Konstantinová. Nový výkon divadlo „The Maids of Sunset Boulevard“ je hercovo prvé režijné dielo na jeho rodnej scéne.

— Vladimir Borisovič, vaše predstavenie je založené na dvoch dielach naraz – hre Jeana Geneta „The Maids“ a filme „Sunset Boulevard“ od Billyho Wildera. Čo ste si z každého z nich zobrali do svojej zápletky? O čom je vaša produkcia?

"Budete musieť sledovať výkon a až potom bude všetko jasné." To sa nedá v skratke vysvetliť, ak niekto nepozeral Wilderov film alebo nečítal hru. Úprimne povedané, bol by som prekvapený, keby to niekto čítal - ja sám som sa s tým stretol vo veku 60 rokov. Toto je veľmi komplexná práca. Veľmi bohatá žena Madame žije v luxusnom byte so svojimi dvoma slúžkami - mladými dievčatami, sestrami Solange a Claire. Madame má milenca, ktorého posadia za mreže. Slúžkam sa páči životný štýl hostesky a sú uchvátené týmto kúzlom. Stáva sa ich posadnutosťou.

Myslel som si, že hranice tohto príbehu treba posunúť. Čo ak Hlavná postava nebude tam len bohatá žena, ktorej životný štýl mnohí závidia a obdivujú, ale naozaj talentovaný človek, hviezda, herečka? A tak sa do jej obrazov na obrazovke zamilovali dve chyžné, skončili v jej dome a snažia sa pre ňu niečo urobiť. A tlačí ich, vôbec ich nepotrebuje. A nikto ju nepotrebuje, ako sa ukázalo. Začnú ju nenávidieť a uvedomujú si tragédiu, ktorá sa im stala. To som sa snažil vniesť, zjednodušene povedané, do tohto predstavenia.

— U nás si hra „Slúžky“ získala obrovskú popularitu vďaka inscenácii Romana Viktyuka. Videli ste toto predstavenie?

- Áno a viac ako raz. Je veľmi úspešný, úžasný, krásny, obišiel celý svet.

— Pre Romana Grigorieviča je to zmes divadla kabuki, improvizácie a tanca...

- Naozaj urobil predstavenie existenciálnej formy, kde forma je obsahom. Ale čo sa stalo, čo sa stalo v tomto príbehu samotnom? Roman Grigorievich vyriešil problém nie pomocou jazyka dramatického divadla, ale pomocou jazyka plastu, takmer baletu. Táto zápletka ma veľmi zaujala, chcel som na nej pracovať. Často som si kládol otázku: prečo sa táto hra nehrá v iných divadlách? Koniec koncov, môže to byť naozaj krásne.

- Ale vizuálne nie je váš výkon horší ako produkcia Romana Grigorievicha. Máte napríklad veľmi zaujímavé dekorácie – vyrobené z čiernobielych recyklovaných plastových vrecúšok.

— Áno, navrhla to Anastasia Nefedova, hlavná umelkyňa. Nápad je nezvyčajný, hneď som ho nepodporil, pretože som pochopil, čo dostanem od svojich umelcov, keď uvidia kulisy a kostýmy. Postupne si na to všetci zvykli a začali ich mať radi.

Ale hlavná vec je hra. Som vďačný umeleckému riaditeľovi divadla Borisovi Juchananovovi, ktorý mi dal možnosť experimentovať s týmto veľmi nebezpečným materiálom, pretože pri takejto hre je ľahké zlyhať. Rozhodol som sa robiť niečo, čo je ľuďom v mojej profesii blízke. V živote hercov som videl veľa fanúšikov, fanúšikov, ktorí prenasledujú nášho brata. Čo ich motivuje? Prečo tomu podriaďujú svoj život?

— Po úlohe Ichthyandera vo filme „Obojživelník“ ste sa tiež stali neuveriteľne populárnymi. Je pravda, že ste dostávali listy od fanúšikov v takom množstve, že ste ich museli dávať do chladiacich boxov?

- Je to pravda. Ale neodpovedal som, bolo ich príliš veľa. Aby som to urobil, musel by som sa vzdať všetkých svojich ostatných záležitostí. Aj keď sa stalo, že som odpovedal na veľmi zriedkavé listy, v prípade, že to, čo bolo napísané, upútalo moju pozornosť. A tak, viete, mladých hercov nepíšu filozofi, ale mladé dievčatá, ktoré sa jednoducho zamilovali do obrazu, ktorý ste vytvorili. Ale bolo to pekné, samozrejme, že sa ku mne správali tak dobre.

— Je taká sláva ťažká skúška alebo naopak?

— Ide skôr o to, aby ste z toho neochoreli. Keď hovoria „medené rúry“, znamenajú skúšku úspechu. A môže to byť veľmi desivé. Ale nejako som sa nechal uniesť. Mal som vedľa seba múdrych rodičov a dobrých priateľov. A potom príde pochopenie, že tejto popularite musíme zodpovedať aj my. Môžete žiť celý svoj život ako narcis, keď sa pozriete do zrkadla: "Ako ma Boh odmenil, aký som pekný!" Alebo sa môžete snažiť o niečo viac. Napríklad Misha Kozakov, ktorý tiež hral vo filme „Amphibian Man“. Pekný, obľúbený, vždy mohol zostať v tejto úlohe a nič nepotrebovať. A začal režírovať a točiť filmy. „Pokrovsky Gate“ je nádherný obraz. Človeka si začnete vážiť, keď uvidíte, že využíva svoj talent, a nielen svoj vzhľad.

"Ukázalo sa, že je to úplne iný príbeh"

— Je „Maids of Sunset Boulevard“ vaším režisérskym debutom?

- Nie naozaj. Napríklad som inscenoval hru „Nebezpečné známosti“ podľa románu Choderlosa de Laclosa v Arkhangelskom divadle (Arkhangelské činoherné divadlo pomenované po M. V. Lomonosovovi. - Poznámkamos. ru). Toto je veľké divadlo s pätnásťsto miestami na sedenie. Diváci inscenáciu prijali a bolo vypredané. Aj ja som 12 rokov viedol fakultu divadelné umenie inštitútu slobodné umelecké vzdelanie a informačných technológií, každoročne odohral niekoľko predstavení s absolventmi. A jednoducho nedokážem spočítať, koľko úryvkov som inscenoval. Takže to vlastne nie je debut. Robím len to, čo ma baví a mám možnosť.

— Na ktorej strane sa cítite pohodlnejšie – ako režisér alebo herec?

- A toto je takmer nemožné oddeliť. Čo robia herci a režiséri? Psychologická analýza. Aká je radosť herca? Faktom je, že má možnosť plávať v oceáne navrhovaných okolností, ktoré autor vytvára. Každý deň sú iné. To isté platí pre režiséra. Režisér spravidla opúšťa herca. Možno som chcel vyskúšať niečo nové. Keď inscenujete hru, stále vnútorne prehrávate pre všetkých hercov, overujete si tento príbeh u seba. V umení všetko závisí od vašej osobnosti. Čím viac sa líšite od ostatných, tým lepšie. Čím viac sa líšite od niektorých uznávaných noriem, tým je to pre iných zaujímavejšie.

Poviem vám o tom príbeh. Jedného dňa prišiel ku Konstantinovi Stanislavskému mladý dramatik a povedal: „Daj mi trochu zaujímavá téma na hru." Odpovedá mu: "No, tu to máš: mladý muž odišiel do zahraničia, vracia sa a v tom čase sa jeho priateľka zamilovala do iného." Dramatik hovorí: "Ale toto je banálne." A Stanislavskij namieta: „Alexander Griboyedov napísal na túto tému „Beda od Wit“. Vidíte, aké dôležité je vedieť sa pozerať na svet inak? Myslím, že toto je úžasné. Tak som dostal úplne iný príbeh o slúžkach.

— Budete v blízkej budúcnosti inscenovať ešte niečo?

- Neviem, ako to dopadne. Nikdy neviete, či bude predstavenie úspešné. Dúfam, že sa ti to páči. Môžem povedať len jedno, že sme to robili s veľkým záujmom a láskou. Snažili sme sa to ozrejmiť, aby bol divák príbehom nadšený. Ak to vyjde, dúfam, že mi Boris Jurijevič dá na scénu niečo iné, čo sa mi páči. Chcem tiež povedať, že moji herci sú jednoducho fantastickí. Som hrdý na to, čo robia. Neviem, kto iný by mohol hrať tento zložitý príbeh tak ľahko a slobodne.

"Moja žena je lepšia herečka ako ja"

— Jednu z úloh hrá vaša dcéra Irina a v hre „Modrý vták“ vystupujete na javisku spolu so svojou manželkou Aleftinou Konstantinovou. Je pravda, že s rodinnými príslušníkmi sa pracuje ťažšie?

- Záleží. Moja dcéra má veľmi ťažkú ​​povahu. Keď sa s ňou hádame, iskry lietajú na všetky strany! Je to veľmi nezávislý človek. A manželka je jednoducho vynikajúca umelkyňa. Stalo sa, že ona a ja sme veľmi zriedka hrali spolu v rovnakých predstaveniach, nejako to nefungovalo. Ale je to proste úžasná herečka, oveľa lepšia ako ja.

— Hra „Modrý vtáčik“ je hitom Stanislavského elektrodivadla. Keď vás Boris Yukhananov pozval zúčastniť sa, okamžite ste súhlasili? Alebo sa vám projekt zdal príliš radikálny?

— Keď Boris Jurijevič (Yukhananov - poznámka k webovej stránke) Keď som o tom prvýkrát hovoril, bol som šokovaný. Spýtal som sa ho: Aké to je byť chlapcom v mojom veku? Hovorí: „Keď prídeš na detské divadlo, viete, že túto rolu hrá herečka.“ Hovorí detským hlasom – a po piatich minútach si divák zvykne. Toto sú podmienky hry.

Potom Yukhananov povedal: „Vy a vaša žena ste prešli tou istou cestou, ktorou prešli títo brat a sestra, tiež išli hľadať šťastie, to je celý náš život. A keď sa váš príbeh pretne s príbehom týchto chlapcov a dievčat, divák sa zamyslí a zamyslí sa nad tým, čo týchto hrdinov čaká ďalej.“

— Pre teba to nie je len rola sedemročného chlapca, ale aj tvoje spomienky, tvoje osobné príbehy.

— Áno, najmä preto, že sme s manželkou nemali veľmi jednoduchý život. Pred očami Aleftiny bola zabitá jej matka - počas vojnových rokov. A videl som vo svojom živote toľko smutného a tragického. Ale, samozrejme, nechýbalo ani šťastie. Boris Yuryevich má úplnú pravdu: „Modrý vták“ je úplne nedetské dielo. Podľa tohto diela existuje starý hollywoodsky film, hrala v ňom Elizabeth Taylor. Myslím si, že film je nepodarený, pretože nie je jasné, pre aký vek je určený. A naše predstavenie je pre dospelých divákov. A Maurice Maeterlinck je skutočne vážny filozof. Túto hru napísal na zamyslenie. A Boris Yuryevich prišiel s absolútne inovatívnym ťahom: Nezobrazujem niečo na javisku, som obyčajný človek, ktorý sa rozpráva s publikom.

"Modrý vták". Trilógia na motívy hry M. Maeterlincka a spomienok Aleftíny Konstantinovej a Vladimíra Koreneva.
Elektrodivadlo STANISLAVSKÝ (Moskva).
Režisér Boris Yukhananov, umelec Jurij Kharikov

Nikdy necestujte s mŕtvym človekom.

W. Blake a J. Jarmusch

Situácia, keď do divadla prichádza nový umelecký šéf a inscenuje hru, ktorú venuje tomuto divadlu, snaží sa načrtnúť svoj program, už v Petrohrade nastala. Toto je, samozrejme, „Alice“ od Andrei Moguchyho na BDT. Len pre Borisa Juchananova, namiesto pádu do hlbín králičej nory, za tri večery cestuje za modrým vtákom. Ako cesta do posmrtného života a späť a ako rituál prechodu. Príbeh bývalého Činoherné divadlo ich. „Číta“ K. S. Stanislavského, ako keby bol nejakou „knihou mŕtvych“.

Dirigentmi sú osobnosti divadla - manželský pár Vladimir Korenev a Aleftina Konstantinova, ktorí súčasne hrajú pre Tiltil a Mytil.

Moguchiy ponoril svoju hrdinku - Alicu, Alisu Brunovnu Freindlich - do divadelnej ríše divov, operoval výlučne s obrazmi a legendami BDT. Realita ľudskej biografie bola overená a nahradená obrazmi rolí, ktoré kedysi hrali. V jeho kompozícii bol každý obraz duálny alebo dokonca trojitý, opakovane odrážaný a lámaný „skresľujúcim zrkadlom“ divadla: cez Carrollove obrazy presvitali obrazy rolí a obrazových „masiek“ umelcov a za nimi ľudský žiara žiarila. Preto umelecký výsledok, aj keď druhoradý, nebol rozporuplný.

Boris Jukhananov nezdedil ani tak legendárne divadlo, ale divadelný súbor s legendárnou povesťou „požieračov“ hlavných režisérov.

Hneď poviem, že v „Modrom vtákovi“ je spojenie medzi osobnými a umeleckými plánmi do značnej miery mechanické. Vladimír Korenev a Aleftina Konstantinová buď vystupujú ako Tyltyl a Mytil v podmienkach Maeterlinckovej rozprávky a sú obklopení neskutočnými pop-artovými obrazmi, alebo konajú vo svojom mene a rozprávajú príbehy zo svojich osobných, resp. umelecký životopis, alebo dokonca odohrať celé scény z predstavení pred 50 rokmi v už neexistujúcom divadle. A mladí kolegovia ilustrujú tieto príbehy obrázkami rôzneho stupňa umeleckých zásluh.

Švy medzi týmito plánmi sú akosi dokonca zámerne odhalené, čo naznačuje dvojitú úlohu, ktorú si režisér stanovil.

Každý z troch večerov bol urobený s prevahou určitých žánrových úloh a istou tonalitou. Prvá, „Cesta“ je najintenzívnejšia, čistá extravagancia a ukážka úspechov „surrealistického poľnohospodárstva“. Druhý, „Noc“, je priehľadný a meditatívny rituál odohrávajúci sa na pozadí majestátnej neživej mesačnej krajiny. Tretia, „Bliss“, je najkontroverznejšia, dláždená dohromady z toho, čo nebolo zahrnuté v prvých dvoch, a smeruje k predstaveniu, varietnej šou. Peklo je prezentované vo forme cirkusu, „blaženosť“ sa rozlieva do arény v nadýchaných polyesterových oblekoch ako postavy z jednoduchého matiné.

Modernizovaný pozemok "Blue Bird" podrobne uvedené v librete. Naznačím preto len začiatok: zostarnutí Tiltilja a Mytil zaspávajú v kabíne Boeingu 777 (na javisku je predstavený strihaný model takmer v životnej veľkosti), Duša svetla - letuška im narovnáva prikrývky , všetko čo nasleduje je ich snom...

Scény z hry. Foto O. Chumachenko

Ako v každej extravagancii, aj tu víťazí umelecké bezprávie a fantázia. Obrovské vrany, nejasne podobné modrým nezbedníkom zo „Žltá ponorka“, sa pokojne prechádzajú po javisku a občas sa ozvú chrapľavým krákaním. Starí rodičia Tyltil a Mytil sú prezentovaní ako trochu zabrzdení, ale večne mladí olympskí bohovia. Každá z duší vecí má svoj plastický „výstup“, usporiadaný ako v divadle Noh a podľa toho aj hudobne ozvučený. Keď si V. Korenev spomenie na natáčanie filmu „Obojživelník“, na obrazovke sa premietajú zábery podmorský svet z filmu (ktorého exotická krása, ako viete, bola natočená v akváriu kvôli chudobe čiernomorskej flóry a fauny) a sálou nad hlavami divákov plávajú obrovské ryby a pohybujú chvostmi. Živý záber je neustále kombinovaný s vynaliezavou video grafikou a skórovaný skutočným živým orchestrom, ktorý sa nachádza ako v kostolnom „zbore“ na balkóne, za chrbtom publika, a preto hudba Dmitrija Kurlyandského zázračne obklopuje celý priestor. hala.

Ústredný duet v závislosti od situácie buď usilovne hrá deti vo flanelových pyžamách (vydaril sa najmä Korenev, šuchtal a využíval celý arzenál rečových chýb), alebo hovorí v prvej osobe, ale aj spôsobom, ktorý trochu pripomína tvorivý večer. na kanáli „Rusko“.

Dotknem sa len toho, ako sú niektoré epizódy prezentované. Tie, kde príbeh a ním vyvolaný obraz vstupujú do zaujímavej „chemickej reakcie“.

Aleftina Konstantinová v jednej z prvých snových scén spomína, ako ju, šesťročné dievčatko, a jej matku počas vojnových rokov odviezli do Nemecka. Konvoj bol zastrelený, matka zomrela a dievča potom vychovávala babička. V určitom bode príbehu je hrdinka obklopená obrovskými retro ozdobami na vianočný stromček: je tam Snehulienka, obrovský bavlnený vták a pár pozlátených vojakov v klapkách na ušiach, ktorí na ňu mieria... Obraz detstva ako niečo magické a nebezpečné (svetlé, ale neostré) preniknuté pocitom ohrozenia, daným tak v priamom zmyslovom vnímaní, ako aj v refrakcii detského vnímania príbehov starších účastníkov udalostí.

Korenevov príbeh o jeho otcovi, peknom admirálovi, vojnovom hrdinovi a obľúbencovi žien, ktorý poznal „Onegina“ naspamäť a za mesiac a pol sa naučil konverzačnú čínštinu, prechádza nemenej úžasnou metamorfózou. „Tatyanin sen“, štylizovaný v duchu čínskej opery a v podaní ruského čitateľa – Tatiany s pleteným obočím a čínskym prekladateľom-medveďom (alias Onegin), znie vzrušene a vášnivo a je usporiadaný ako „bežiaca línia“ komiksu pás pod starou čiernobielou miniatúrou.

Husté kultúrne sústo animovaných citátov nenechá divákov nudiť. Jednoduchá (na rovinu povedané) úvaha Vladimíra Koreneva o výhodách Felliniho kreatívnej metódy („to dáva nádej!“) oproti metóde Tarkovského oživuje dve – doslova – „svetlá“ svetovej kinematografie so žiarovkami v mieste, kde je hlava má byť. Animovaný Dostojevskij hádže z očí blesky ako pohanský Perún, farebný čert s jarnými nohami a huňatým strapcom útočí bičom na Napoleona, a čo sa deje, komentujú hrobári v prešívaných bundách citátmi z Hamleta. Nehovoriac o tom, že smrť a posmrtný život sú počas troch večerov prezentované v najrôznejších podobách - od už spomínaných hrobárov až po egyptský panteón bohov na pozadí hračkárskeho kremeľského mauzólea.

Scény z hry. Foto V. Lupovský

A teraz poviem veľmi nebezpečnú a možno nespravodlivú vec. Bez ohľadu na to, aké veľkolepé „šaty“ šije Boris Yukhananov, faktom zostáva: králi sú nahí. Ako vo výtvarnom „rámci“ obrazu, tak aj vtedy, keď sa z javiska snažia sprostredkovať príbehy zo svojho života. Príbehy Konstantinovej znejú úprimnejšie, zatiaľ čo príbehy Koreneva sú zabalené do hrubej vrstvy divadelných rozprávok a anekdot, ale tento rozdiel nehrá žiadnu rolu.

Čokoľvek sa dá povedať, ukázalo sa, že v živote Vladimíra Koreneva nie je živšia pamäť ako natáčanie „Obojživelníka“ a ich ozvena trvá celý život. Najpikantnejším „románom“ sa ukázali byť listy od fanúšičky, v každom z nich poslala kúsok fotografie svojho nahého tela... V istom momente sa na javisku objaví kolážistka v obtiahnutých pančucháčoch, ktorá sa priam plazí obrie obálky a tancovať zvodný tanec. A keď do tej istej obálky vezme Vladimíra Koreneva, starého muža s nejasnou dikciou, je v tom niečo pálčivé...

Ukazuje sa, že Aleftina Konstantinová mala vo svojom živote veľké úlohy, ale, žiaľ, „rekonštrukcia“ „Čajky“ v podobe, v akej sa nám ukazuje - s patetickými výkrikmi a žmýkaním rúk - nevydrží žiadnu kritiku. . A o starých predstaveniach sa v podstate nedá povedať nič okrem toho, že boli „úžasné“.

Scény z hry. Foto V. Lupovský

O auguste 1991 tiež nie je čo povedať. Priemerný súbor emócií ľudí, ktorí strávili 19. august pred televíznou obrazovkou a báli sa o svoju dcéru, ktorá odišla do Moskvy, musí byť zafarbený tancom obrnených transportérov k „Labutiemu jazeru“.

Žiadny z týchto príbehov nemôže byť mytologizovaný alebo poskytnúť dôverné znalosti o osobe.

Zdá sa, že všetko úsilie je venované prezentácii ich života - na javisku i mimo neho - v tej najmeštiackej-slušnej forme. Život, v ktorom nikto nikdy nezradil „ani manželku, ani svoju vlasť“, so cťou prekonal všetky pokušenia a pokušenia, od A. Vertinskej až po plné kasárne zanietených ivanovských tkáčov, kde náš hrdina vo veku dvadsať rokov musel stráviť noc počas koncertného „šachu“

Najväčší šok: keď Korenev vášnivo hovorí, že „v našom divadle neboli žiadne intrigy, žiadne triky, o to sme sa postarali my, herci“, hovorí so všetkou úprimnosťou a vierou, akej je schopný.

Scény z hry. Foto V. Lupovský

Ukazuje sa teda: ten život, tie roly, že história divadla je úplná faloš, odchýlky a zámeny krehkej ľudskej pamäte. A niekedy ľudský život oveľa dlhšie ako v divadle...

Čo nám ostáva?

"Životné prostredie" porazilo kráľov. „Modrý vták“ sa stal prehliadkou bojovej sily „Elektroteátra“, jeho celej materiálnej, technickej a umeleckej základne. A to nie ironicky, ale úprimne hovorím o súbore, muzikálnosti, speve, tanci a hlavne o mnohostrannosti mladej časti súboru, ktorá za krátky čas zvládla čínštinu a Japonské jazyky, šamanský hrdelný spev a - pod vedením predstaviteľa veľkého rodu Kawamura - základy divadla Nó nie formálne, ale so všetkou jeho rituálnou prísnosťou a vnútornou koncentráciou.

V. Afanasjev (Rudakov), A. Konstantinová (Alla).
Foto V. Lupovský

Ambície starších, vyhrievajúcich sa v pozornosti tri večery, sú uspokojené.

Je ťažké podceniť mieru režisérskej prefíkanosti Borisa Yukhananova, ktorý rovnako uspokojil chúťky veteránov súboru a usporiadal veľkolepú rozlúčku s bývalým divadlom. Stanislavského. Vykúzlenie duchov starého divadla, ich uzmierenie a následné vyhnanie možno považovať za ukončené.

Len mi povedzte: som jediný, kto si myslel, že keď sú v scéne so starými rodičmi Tyltilom a Mytilom hrdinovia položení na drevený stôl, aby skontrolovali, ako „deti“ vyrástli, vezmú sa z nich miery do rakvy?

Ak to nie som len ja, potom je tu viac etických otázok o predstavení ako estetických.

Predstavenie pre všetky časy - dnes Moskovské umelecké divadlo Gorkého oslavuje sté výročie legendárneho „Modrého vtáka“. Ide o jedinú Stanislavského inscenáciu, ktorá sa dodnes zachovala v pôvodnej podobe. Kulisy, kostýmy, hudba sú rovnaké ako v minulom storočí. A sála je stále vždy vypredaná.

Správa Márie Torlopovej.

Spomienka na najlepšie výkony Moskovské umelecké divadlo je starostlivo uložené v múzeu na Kamergersky Lane. Nechýbajú kostýmy, rekvizity a dokonca aj fragmenty kulís. Iba malá časť výstavy je venovaná legendárnemu „Modrému vtákovi“, ale nie preto, že by tam nebolo čo ukázať. Faktom je, že všetky pôvodné kostýmy, kulisy a rekvizity sú teraz na scéne, v aktuálnom predstavení Moskovského umeleckého divadla Gorkého.

Konstantin Stanislavsky si dlho lámal hlavu nad tým, ako urobiť predstavenie čarovným. Jedného dňa vošiel v noci do spálne svojich detí a uvidel kočiar jazdiaci uličkou. Svetlo z lampáša dopadalo na stenu a osvetľovalo tieň. Takto vyzerala celá „nočná“ scéna. A skladateľ Ilya Sats, aby napísal hudbu Water, strávil celý deň na streche v daždi.

Margarita Yuryeva, ľudová umelkyňa Ruska: "Vo vnútri človeka by mala byť vždy rozprávka, najmä herec Toto je nejaký druh mágie, fantázie, niečo, čo je v deťoch."

Modrého vtáka, ako najvzácnejší poklad, odovzdáva jedna generácia študentov Moskovského umeleckého divadla druhej. Alexej Batalov, Nikolai Ozerov a Evgenia Dobrovolskaya vyrastali na tomto predstavení. „Modrý vtáčik“ bol pre nich šťastnou vstupenkou do divadelného života.

Evgenia Dobrovolskaya, ľudová umelkyňa Ruska: „Mala som stretnutie s úžasnými umelcami Moskovského umeleckého divadla tej generácie, Konstantinom Gradopolovom, naším úžasným cukrom.

Predstavenie sa nikdy nevytratilo z repertoáru. Ale potom, čo bolo Moskovské umelecké divadlo prevedené na samonosné, hrali dva „Blue Birds“ denne, aby ušetrili peniaze. Potom boli z výroby odstránené dva obrázky - skrátili sa. Ale zostalo to rovnako magické.

Maria Pavlova, Natalya Medvedeva, herečky Moskovského umeleckého divadla. Gorky, účinkujúci v úlohách Mytyla a Tiltilu: „Mali sme veľa prekryvov všetkého druhu, klietka sa nepresadila, diamant sa nerozsvietil, ale toto všetko už bolo upravené Pretože keď sa hráte a počujete, ako sa hlasy detí strácajú - toto stojí za veľa!"

Táto filozofická rozprávka bola napísaná a inscenovaná pre dospelých. Nad čím plače psia duša, prečo si mŕtvi žiadajú častejšiu spomienku a kde sa skrýva tajomný Modrý vtáčik, možno deti úplne nepochopia. Ale každý z nich sníva o tom, že opäť uvidí Modrého vtáka.

Larisa Zhukovskaya, herečka Moskovského umeleckého divadla. Gorkij: „Toto je nezvyčajné predstavenie, je to nesmrteľné, inscenoval ho nesmrteľný režisér Konstantin Stanislavsky.

V priebehu sto rokov bola hra uvedená na javisku viac ako päťtisíckrát. V divadle hovoria, že Modrý vták je vhodný na to, aby sa stal symbolom Moskovského umeleckého divadla na rovnakej úrovni ako slávna čajka.

Svet si Maeterlincka pamätá predovšetkým ako autora detskej rozprávkovej extravagancie „Modrý vtáčik“, ktorá sa už viac ako sto rokov víťazne hrá na pódiách po celom svete. Hru prvýkrát naštudovalo Moskovské umelecké divadlo; táto produkcia sa stala jednou z prelomových udalostí storočia. Príbeh jeho vzniku je úžasný a neuveriteľný...

Divadlo a dramatik

Volali ma;
Išiel som von. Muž oblečený v čiernom
Zdvorilo sa uklonil a prikázal
I Requiem a zmizol.
A.S. Puškin. "Mozart a Salieri"

Maeterlinckovu prácu prerušil zvonček. Odišiel. Cudzinec povedal po francúzsky s ruským prízvukom: „Tu je šek pre vás...“ a pomenoval sumu niekoľko tisíc frankov.

Maeterlinck spomínal: „...Moja hra „Modrý vták“ bola uvedená na špeciálnu objednávku Moskovského umeleckého divadla a predstavuje skutočný príbeh slávne divadlo. Prišiel ku mne cudzinec a povedal: „Napíš údajne fantastickú hru k desiatemu výročiu Moskovského umeleckého divadla. To znamená, že dostanete materiál o histórii nášho divadla, použijete ho bez toho, aby ste sa vzdialili od skutočnosti reality, ale samotné fakty umiestnite do fantastických foriem.“ ...Tyltyla a Mytyla som vytvoril z inšpirátorov divadla: pánov Nemiroviča-Stanislavského. Obraz prostoduchého suseda Berlenga, ktorý sa potom zmení na čarodejnicu, som prerobil od istého pána Morozova (filantrop Savva Morozov), ktorý celý čas hral vo vzťahu k Divadlu umenia rolu dobrého génia. ... Takto ho zobrazujem, mením len pohlavie. ...Názov vznikol takto. Očarujúci spisovateľ Čechov dal svoju hru „Čajka“ umeleckému divadlu. Táto hra sa stala dušou Umeleckého divadla... Slovom, svedomito som sa snažil vykresliť históriu Umeleckého divadla a nech posúdia iní, ako sa mi to podarilo“ („Ruské slovo“, 1908, 14. október, utorok) .

Vedel Stanislavskij o tomto tajnom rozkaze? Spomenul si: „Maeterlinck nám zveril svoju hru na odporúčanie Francúzov, mne neznámych. Dva roky bol nepublikovaný rukopis „Modrého vtáka“ „k dispozícii umeleckému divadlu, ale predstavenie bolo uvedené až na jeseň roku 1908, počas osláv desiateho výročia Moskovského umeleckého divadla“. Navyše, Stanislavskij, obdivujúci Maeterlinckovu rozprávku, opustil štýl detských extravagancií, ignoroval všetky autorské scénické réžie a vytvoril na javisku niečo „tajomné, strašné, krásne, nepochopiteľné“, čím život človeka obklopuje a čo režiséra v hre zaujalo. . Maeterlinck bol prekvapivo potešený a v liste Stanislavskému v novembri 1910 napísal: „Vedel som, že som ti veľa dlžný, ale nepredstavoval som si, že ti dlhujem všetko.“ Je pravda, že hru nevidel, ale manželka dramatika áno.

Osud

Maurice Polydor Marie Bernard Maeterlinck sa narodila v roku 1862, presne pred jeden a pol storočím. Spisovateľ, dramatik a filozof, stal sa laureátom nobelová cena podľa literatúry za rok 1911 - „pre mnohostranné literárna činnosť a najmä dramatické diela, vyznačujúce sa bohatou imagináciou a poetickou fantáziou.“ Od narodenia sa ocitol na hranici dvoch svetov a kultúr: v prosperujúcej, prosperujúcej rodine, vo flámskej provincii - v belgickom meste Gent, v podmienkach naivne útulného, ​​staromódneho, cudného života, no v tesnej blízkosti blízkosť Francúzska a Paríža. Rodným jazykom je francúzština.

Na naliehanie svojho otca študoval právo v Paríži a tam sa začal zaujímať o prácu symbolistických básnikov. Stať sa priekopníkom v oblasti „novej drámy“, vynikajúci teoretik a dramatik európskeho symbolistického divadla vytvoril estetickú teóriu a publikoval ju v knihe „Poklady pokorných“. Vo svojej tvorbe sa často obracal k biblickým, rozprávkovým a historickým témam. Preslávil sa svojou hranou rozprávkou „Princezná Malene“; jednoaktovky „Nepozvaní“, „Slepí“; dráma „Peléas a Melisande“ je „dramaturgiou ticha, náznakov a vynechaní“, ako ju nazvali kritici.

V roku 1940 Maeterlinck utiekol pred nemeckou okupáciou do Spojených štátov a po vojne v roku 1947 sa vrátil do Francúzska; zomrel v Nice v roku 1949. Dožil sa 87 rokov! To je to, čo znamenajú dobré gény, detstvo a mladosť medzi poliami, lesmi a záhradami v pokojnom Flámsku.

Včela nesúca med

Prekvitajúci, plnokrvný, pravý Fleming, vzhľadovo pripomínal obrazy veľkého syna Flandersa Rubensa a charakterom - horlivý, vtipný a život milujúci hrdina legiend o svojej vlasti Till Eulenspiegel, víťaz v mnohých dobrodružstvá „vtipné, odvážne a slávne vo Flámsku a iných krajinách“. Svet mu pripadal ako rozkvitnutá záhrada, o ktorej Maeterlinck rozprával v knihách o včelách, mravcoch, termitoch a inteligencii kvetov. V tejto planetárnej záhrade žil sám Maeterlinck ako včela, ktorú spieval: dostal príležitosť zbierať voňavý med nádejí a ospravedlnení a svoj účel splnil až do konca. Včela, ktorá nosí med, nemôže uvoľniť žihadlo. Spisovateľ s vedomím šťastia nemôže obviňovať a rúhať sa. Jeho životopisec Nikolai Minsky poznamenal: „Maeterlinckove oči, zaslepené jasnými víziami budúcnosti, si nevšímajú prchavé oblaky súčasnosti. Ale možno má básnik pravdu: jeho vízie sa v budúcnosti budú zdať ako realita a pravda.“

Mnohých prekvapuje vystúpenie zakomplexovaného mysliteľa Maeterlincka vo Flámsku, pretože belgický ľud podľa názoru v Európe vždy údajne vždy pozostával z pracovitých a poctivých materialistov bez vyšších duchovných potrieb. Maeterlinck však porovnávajúc obeť Belgicka na záchranu civilizácie s najväčšími skutkami staroveku dokazuje, že Belgičania prekonali všetkých známych hrdinov: „Belgičania vedeli, že blokovaním cesty k invázii barbarov (vojna s germánskymi kmeňmi Frankov v 5. storočí - Autor), nevyhnutne by obetovali svoje ohniská, manželky a deti. Tým, že odmietli bojovať, mohli vyhrať všetko a nestratiť nič – okrem cti. História pozná jednotlivých ľudí, ktorí pre česť obetovali svoje životy a životy blízkych. Ale aby sa celý národ vedome obetoval pre neviditeľné dobro – to sa ešte nikde nestalo.“ Svet videl, ako sa duša Belgicka vynorila z ohňa skúšok nesebecká a nebojácna. Duša belgického ľudu sa odrazila v genialite Maeterlincka. Čo má ľud na mysli, to má básnik na jazyku.

Čarovná čiapka

Už viac ako storočie zostáva „Modrý vták“ jedinou hrou na svete, ktorá svojou hĺbkou konceptu vychováva deti k pochopeniu najzložitejších právd a vďaka jasu svojej formy umožňuje dospelým pozerať sa na svet. detskými očami. Koľko generácií detí spievalo: „Ideme za Modrým vtáčikom v priateľskej línii“?... Rozprávka nepozná vek. Žije vo večnosti. Možno však Maeterlinckova hra bola pôvodne napísaná pre dospelých? Deti ju odchytili neskôr a dodnes ju nepustili.

Tento príbeh obsahuje múdrosť apoštola Pavla: „Lebo múdrosť tohto sveta je bláznovstvom v Božích očiach. Pyšná múdrosť, ktorá pochádza z ľudskej mysle, je bezvýznamná. Pravá „múdrosť, ktorá prichádza zhora, je najprv čistá, potom pokojná, pokorná, poslušná, plná milosrdenstva a dobrého ovocia, nestranná a bez pokrytectva“. Možno detinské... Ale je to tak.

„Modrý vták“ je v skutočnosti symbolom šťastia, ktoré hrdinovia hľadajú všade, v minulosti i budúcnosti, v kráľovstve dňa a noci, bez toho, aby si všimli, že toto šťastie je v ich dome.

V noci na Vianoce navštívi brata a sestru Tiltil a Mytil víla Berylyuna. Vnučka víly je chorá, zachrániť ju môže len tajomný Modrý vták. Čo je s dievčaťom? "Chce byť šťastná." Víla posiela deti hľadať Modrého vtáčika - vtáčika šťastia. Na pomoc Tiltilovi dáva víla magickú čiapku, ktorá mu umožňuje vidieť neviditeľné, to, čo je bežným očiam skryté a je prístupné iba očiam srdca: duše mlieka, chleba, cukru, ohňa, vody a Svetlo, rovnako ako Pes a Mačka. Duše oslobodené deťmi - symboly dobra a zla, odvahy a zbabelosti, lásky a klamstva - idú s hrdinami rozprávky. Niektorí s radosťou prichádzajú deťom na pomoc, iní (Mačka a Noc) sa snažia prekážať...

Pri hľadaní šťastia

Deti sa ocitnú v Krajine spomienok, kde sa stretávajú s tými, ktorí už tento svet opustili. Potom sa ocitnú v paláci Kráľovnej noci, strážkyne všetkých tajomstiev Prírody; v Kráľovstve budúcnosti, kde žijú duše tých, ktorí sa ešte len majú narodiť; v Záhradách blahoslavenstiev je útočiskom ľudských túžob, od tých najzákladnejších až po najvznešenejšie, a ukazuje sa, že okrem Blaženosti spokojnej márnivosti je tu aj Veľká radosť zo spravodlivého a Veľká radosť z rozjímania. krásna.

V krajine spomienok sa deti učia: „Mŕtvi, na ktorých sa spomína, žijú tak šťastne, ako keby nezomreli. A v Paláci noci sa deťom odhaľujú nevyriešené tajomstvá prírody. Ale oni chcú Šťastie, Blaženosť! Len... koho by to napadlo?! V čarovných záhradách blaženosti sú škodlivé blaženosti, pred ktorými sa treba zachrániť: blaženosť náhleho bytia, nič nevedieť, spať viac, ako je potrebné... Deti sa učia vidieť a cítiť iné, krásne a láskavé blahoslavenstvá: blaženosť bytia dieťa, Blaženosť byť zdravý, Dýchať vzduch, Milujúci rodičia, Blaženosť slnečných dní, Dážď... A sú tu aj Veľké radosti: Byť spravodlivý, láskavý, Radosť myslieť, Radosť zo zajtrajšej práce a Matkina láska...

Keď sa na konci scény Azúrového kráľovstva Moskovského umeleckého divadla zrazu z neznámej hĺbky ozval smerom k nenarodeným dušiam „radostný zbor matiek“, „slzy im zatisli srdcia“.

Kráľovstvo budúcnosti v hre je hymnus na človeka a čas, na budúcich vynálezcov, vedcov, filozofov, ktorí urobia ľudstvo šťastným, ktorí sa ešte len nenarodili. Kde je teda Bluebird v ďalekej budúcnosti?

Po návrate domov na konci hry ju Tyltil nájde... vo svojej izbe: je to jednoduchá hrdlička v klietke. „Ale toto je moja korytnačka! – kričí nadšene Tyltil. "Ale keď som odišiel, nebola taká modrá!... Ale toto je ten Modrý vták, ktorého sme hľadali!... Sledovali sme ju až do takej vzdialenosti a ukázalo sa, že je tu!..." Tyltil dá korytnačku susedke a tá sa uzdraví. A samotná suseda je prekvapivo podobná víle Berylyune! Takto brat a sestra nachádzajú skutočné šťastie - v dobré skutky, jednoduchá blaženosť a radosti. Takto detsky vynaliezavá „múdrosť prichádza zhora“.

V mnohých starovekých kultúrach malo šťastie podobu vtáka. Ťažko sa chytá a ešte ťažšie drží. Všetky modré vtáky, ktoré Tiltil nájde, strácajú na dennom svetle svoju magickú modrú farbu a on je nútený pokračovať v hľadaní. "Farba neba, Modrá farba“ vyzýva hrdinov na ťažkú ​​cestu. "Ešte ste nechytili jediného modrého vtáka, ktorý vydrží denné svetlo... Odletela niekam inam... Ale nájdeme ju," hovorí Duša svetla Tiltil po ďalšom neúspechu. Kampaň Tiltila a jeho sestry Mytil za Modrého vtáčika sa ukazuje ako hľadanie cesty k sebe samému, k tomu, čím by sa mal človek stať. A toto hľadanie je nekonečné. Lebo ako povedal Pytagoras: „Nenaháňaj sa za šťastím: je vždy v tebe.

"...ako detský sen"

Je úžasné, koľko udalostí sa stalo po premiére „Modrého vtáka“ v Moskovskom umeleckom divadle: predstavenie prežilo prvý svetová vojna, revolúcia, Občianska vojna, kolektivizácia, industrializácia, 1937. Prekvapivo to Stalin videl a nezložil. A potom ju marxisti nezastrelili. „Blue Bird“ prežil druhú svetovú vojnu, perestrojku, prelomové deväťdesiate roky a zostal nažive.

O slávu prvého predstavenia sa spravodlivo podelili režisér Konstantin Stanislavskij, skladateľ Iľja Sats a výtvarník Vladimir Egorov, ktorých scénografia sa do veľkej miery preniesla aj do filmu z roku 1976. Stanislavsky udával tón po mnoho rokov: „Modrý vták by mal byť naivný, jednoduchý, ľahký, veselý, veselý a iluzórny, ako detský sen a zároveň majestátny. Keď sa rozhodol ukázať duše a božstvá druhého sveta na javisku Moskovského umeleckého divadla, naplnil predstavenie na tú dobu neuveriteľnými kúskami: hrdinovia si zlomili prsty, ktoré im narástli; Činely tancovali pod rúškom tmy; mlieko, chlieb, oheň, voda ožili.

Režisér venoval osobitnú pozornosť kostýmom a make-upu, ktoré zohrali zásadnú úlohu pri vytváraní rozprávkových obrazov a zostali takmer nezmenené dodnes. Ľudia v akomkoľvek veku, ktorí mali to šťastie vidieť toto predstavenie, naň vďačne spomínajú po celý život. Umelec Alexej Batalov hovorí: „Nikdy som v živote nevidel nič detinské okrem „Modrého vtáka“. Anonymný divák raz do knihy návštev Moskovského umeleckého divadla napísal: „Keď všetci naokolo hovoria o výhodách, Maurice Maeterlinck sa odváži hovoriť o tom, čo je dôležité. Inak sa nedá dýchať."

Mimochodom

Maeterlinck raz poznamenal: „To, čo nám zvyčajne chýba, nie je šťastie samotné, ale schopnosť byť šťastnými. A ešte niečo: „Ľudstvo bolo stvorené, aby bolo šťastné. Dúfam, že príde deň, keď budú všetci šťastní a múdri.“ Sám Maeterlinck bol šťastný.

S potešením som prijal pozvanie pozrieť si prvú časť (celkom sú tri) „Modrého vtáka“ od Borisa Jukhanova.

Hoci som nebol veľkým fanúšikom Yukhananovových predstavení, z času na čas som ich sledoval: taká nepredstaviteľná fantázia sa v divadlách vyskytuje len zriedka. Už od začiatku Elektrodivadla som chcel vidieť, čo robí riaditeľ teraz, keď je zodpovedný nielen za svoju osobnú prácu, ale ako vedúci aj za celý tvorivý proces.

Elektroteáter je navyše celosvetovo prestavané Stanislavské divadlo, ktoré som v minulosti často navštevoval, keďže som poznal nielen tamojšie hľadisko a foyer, ale aj zákulisie. Chcel som vidieť, čo vyšlo z divadla po jeho globálnej rekonštrukcii.
Vo všeobecnosti to dopadlo dobre. Na eklekticizmus, spojenie hlbokej antiky a avantgardy si, samozrejme, budete musieť zvyknúť, no je tu oveľa viac priestoru pre verejnosť a keďže lístky sa kontrolujú priamo pri vstupe do sály, máte tzv. príležitosť padnúť do šatne, pozrieť si divadelnú literatúru v kiosku, zjesť koláč a navštíviť toaletu (veľmi útulné!).
Hala teraz kombinuje bývalý (zvonku, tam som nešiel) balkón a stupňovitý amfiteáter so stoličkami. To posledné nie je veľmi elegantné... Divadlo to však zrejme v tejto podobe potrebuje.

Čo sa týka výkonu...
Uvádza sa, že trvanie 1. časti „Modrého vtáka“, ktorú sme sledovali, je 3 hodiny 30 minút. V skutočnosti to trvá dlhšie – možno aj vďaka tomu, že prestávky nie sú krátke. Počas druhej prestávky boli všetci vyzvaní, aby opustili sálu; možno to bolo potrebné na to, aby sme chytili kŕdeľ roztomilých... lietajúcich žralokov uhniezdených pod stropom.

Inscenácia kombinuje text klasická práca Maurice Maeterlinck, spomienky herca Vladimira Koreneva (Ichthyander!) a jeho manželky Aleftiny Konstantinovej, ako aj mnoho, mnoho ďalších vecí, ktoré vymyslel Boris Jukhananov – napríklad tie isté lietajúce žraloky; tanec veselých tučniakov; vzhľad Tarkovského a Felliniho, ako aj démona na vysokých „kopytách“; zrodenie Duší predmetov, odohrávajúce sa v tradíciách divadla Noh; čítanie kapitol od "Eugena Onegina" ďalej čínsky... no a vo všeobecnosti veľa iných vecí.

Vo všeobecnosti sa mi to veľmi páčilo a veľa hodín akcie preletelo bez povšimnutia, aj keď pre mňa to nebolo všetko celkom jednotné... Buď to bolo jednoducho úchvatné a chcel som predĺžiť to čaro, potom som ako Gorkého barón zvolal : "Ďalšie!"

Napríklad zrod Souls ma dokonca unavoval... Ale veľké pódium predtým, keď sa minúty objavujúce sa jedna za druhou sčítali až do hodín - aj do hodín, ako meradlo času, aj do mechanizmu, ktorý ukazuje tento čas... vo všeobecnosti to bola krásna scéna.

Väčšina obrazov, ktoré sa nám zrodili pred očami, boli nádherné. Potom sa objavil nekonečný kruhový tanec obrích ozdôb na vianočný stromček (a nádherné: „Zmrzli ste, chudáci? Choďte tam...“, po ktorom hračky zmizli). To je otec hrdinu, pekný muž v bielom admirálskom kabáte, ktorý tancuje na pieseň kvarteta „Accord“. To je starý otec a stará mama, krásni ako grécki bohovia, mladšie a krajšie, ale tak nesmierne túžiace vo večnom spánku.
A aké nádherné vrany sa túlali po pódiu!...

Rozprávka. A zrazu - úplne každodenný príbeh, anekdota, interakcia s publikom...
Zo zabudnutia vstali nielen Maeterlinckov starý otec a stará mama, ale aj herci, ktorí kedysi vystupovali na javisku Stanislavského divadla...

No ak zafilozofujeme, včera sme videli príbeh o tom, ako sa „na okraji temnej priepasti“, na okraji život spaľujúceho ohňa, môžete na chvíľu zastaviť... zachytiť okraj svojej pamäti na nejaká maličkosť - miska, ktorú ste naplnili, pár slov vyslovených pri tanci, stará kniha vytiahnutá z police, „bradatý“ vtip... a nielen aby sme sa zachovali v radoch živých, ale aj aby sme priblížte k nám tých drahých, ktorí nás kedysi opustili a „išli ďalej ako do zámoria“...

Pôjdem si pozrieť zvyšné dva diely trilógie? Pôjdem (hlavne ak ma znova pozvú).
Najlepšie o niečo neskôr, aby som mohol absorbovať to, čo sa mi nepochybne páčilo, a premýšľať o tom, čo spôsobilo zmätok.

Oheň, chlieb, čas a démon.
Kostýmy od Anastasie Nefedovej -