Se cree que esta música es una manerano todos entienden— alguien lo encuentra aburrido, y alguien intenta sin éxito darse cuenta, pero tiene miedo de penetrar más profundo que las composiciones más populares.

¿Siempre ha sido así? ¿Cómo se originó el jazz y cómo cambió la actitud hacia él a lo largo del siglo XX? Analicemos la historia de esta asombrosa dirección musical y hablemos de sus rasgos más característicos.

Es imposible no reconocer esta música, sin importar en qué dirección, época y país se discuta. ¿Qué hace que el jazz sea tan reconocible y único? ¿Cuáles son las características de esta música?

• Ritmo sincopado complejo.
• Improvisación - especialmente en instrumentos de viento y percusión.
• El swing es un ritmo especial que marca la pulsación de la melodía, como un latido del corazón. En el futuro, el swing encontrará su propia dirección en la música.

En este estilo musical se presta especial atención a los instrumentos de viento y percusión, así como al contrabajo (y en muchos casos al piano). Son ellos quienes marcan el ambiente de “firma” y brindan a los músicos total libertad para la improvisación.

Historial de ocurrencia

El jazz nació de la música africana, entretejida con el blues, el ragtime y la tradición musical europea. Cuando se habla de esta dirección, muchas personas se refieren al jazz de Nueva Orleans, la música de principios del siglo XX (1900 - 1917). Luego aparecieron las primeras bandas de jazz:

• Banda Bolden;
• Banda de Jazz Criollo;
• Original Dixieland Jazz Band (su sencillo de 1917 "Livery Stable Blues" se convirtió en la primera grabación de jazz publicada en el mundo).

Fue el jazz de Nueva Orleans el que dio impulso a esta dirección de la música, convirtiéndola de un estilo extravagante y casi étnico en un género popular y multifacético.

La historia del desarrollo

En 1917, los músicos de Nueva Orleans traen el nuevo estilo a Chicago. Esta visita marcó el comienzo de una nueva dirección y una nueva capital del jazz. estilo Chicago liderado por músicos comoBix Beiberdeck, Carroll Dickerson y Louis Armstrong, duró exactamente hasta el inicio de la Gran Depresión (1928). El jazz tradicional de Nueva Orleans se fue con él.

En la década de 1930, aparecieron las primeras big bands en Nueva York y, con ellas, el swing, una nueva dirección basada en las tradiciones de Chicago y Nueva Orleans. Desde entonces, la música jazz se ha desarrollado y transformado activamente bajo la influencia de la moda, otras áreas del arte y una nueva ola de músicos talentosos. Veamos algunas áreas clave.

• Ritmo. Un género que se originó a partir del elemento de jazz del mismo nombre. Floreció en los años 30 y 40. Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, el swing se asoció entre la población con tiempos difíciles, por lo que las big bands de swing comenzaron a desaparecer gradualmente. El renacimiento del swing se produjo a finales de los años 50. Representantes del estilo: Duke Ellington, Benny Goodman, Glenn Miller, Louis Armstrong, Frank Sinatra, Nat King Cole.

• Golpear. Los rasgos característicos del bebop son el tempo dinámico, la improvisación compleja y la armonización. A principios de la década de 1940, cuando el bebop estaba en su infancia, se consideraba música más para los propios músicos que para los oyentes. Sus fundadores: Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Kenny Clarke, Thelonious Monk, Max Roach.

• Genial jazz.Una dirección tranquila y "fría" que surgió en los años 40 en la costa oeste y se caracteriza por un sonido sobrio, lo opuesto al hot jazz. El origen de su nombre está asociado al álbum de Miles Davis "Birth of the Cool". Representantes: Miles Davis, Dave Brubeck, Chet Baker, Paul Desmond.

• Convencional.Un estilo libre que se originó en las jams de los años 50 y se generalizó en los años 70 y 80. El mainstream ha absorbido los rasgos característicos del bebop y el cool jazz.

• Alma.Una simbiosis de improvisación jazzística y gospel surgida en los años 50. Representantes: James Brown, Aretha Franklin, Ray Charles, Joe Cocker, Marvin Gaye, Nina Simone.

• Jazz funky.Una simbiosis de jazz, funk, soul, rythm and blues y disco. Los estilos relacionados son el soul, la fusión y el free jazz. Los representantes más famosos: Jamiroquai, The Crusaders.

• ácido.Un estilo que combina jazz, funk, soul, disco y hip-hop. Se originó en los años 80 gracias a DJs que utilizaban activamente muestras del jazz-funk de los años 70.

Estilo musical en la URSS y Rusia.

Las autoridades soviéticas eran extremadamente hostiles al jazz. Después de un artículo de Maxim Gorky en 1928, la dirección comenzó a llamarse "música de la grasa". Esta música se percibía exclusivamente como manifestación de una cultura burguesa ajena a la persona soviética y corruptora de la personalidad. Sin embargo, en los años 30 la cantanteLeonid Utiosov y musico Yakov Skomorovskycrear el primer conjunto de jazz soviético. No tenía casi nada en común con el sonido occidental, y esto es lo que le permitió a Utyosov ganarse el cariño del público sin entrar en conflicto con las autoridades.

Pero la historia del surgimiento y desarrollo del jazz en la URSS no terminó ahí. Había verdaderos músicos de swing en el espacio soviético: Eddie Rozner, Alexander Tsfasman, Alexander Varlamov, Valentin Sporius, Oleg Lundstrem.

Estilo moderno

En la música moderna se pueden distinguir dos tendencias principales del jazz, que son populares tanto entre los músicos como entre el público.

• Nuevo jazz (jazztronics)- un estilo que combina la melodía del jazz con la música electrónica y otras áreas. Puede compararse con el acid jazz, pero a diferencia de este último, la jazztronica se inclina más hacia el house y la improvisación y casi nunca se vuelca hacia el hip-hop y el late r'n'b. Representantes típicos del nuevo jazz:La Orquesta Cinematográfica, Jaga Jazzist, Funki Porcini.

• Jazz oscuro (jazz noir).Este es un estilo cinematográfico oscuro, extremadamente popular entre el público joven, principalmente debido a las películas y juegos de este estilo. Los instrumentos significativos de este estilo son el bajo, el saxofón barítono y la batería. Destacados representantes de la dirección -Morphine, Bohren & der Club of Gore, The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble, Dale Cooper Quartet y The Dictaphones.

Si durante mucho tiempo has soñado con conocer mejor el jazz, utiliza nuestra guía y encuentra la dirección que conquistará tu corazón. Pero al aprender nuevos estilos, no olvide volver a la tradición.

¿Cómo se desarrolló el género musical a finales de los siglos XIX y XX? como resultado de la síntesis de elementos de dos culturas musicales - europea y africana. De los elementos africanos, se puede notar polirritmia, repetición repetida del motivo principal, expresividad vocal, improvisación, que penetró en el jazz junto con formas comunes del folclore musical negro: danzas rituales, canciones de trabajo, espirituales y blues.

Palabra jazz, originalmente "banda de jazz", comenzó a utilizarse a mediados de la 1ª década del siglo XX. en los estados del sur para referirse a la música creada por pequeños conjuntos de Nueva Orleans (que comprenden trompeta, clarinete, trombón, banjo, tuba o contrabajo, percusión y piano) en el proceso de improvisación colectiva sobre temas de blues, ragtime y canciones populares europeas y bailes

Para familiarizarse, puede escuchar y cesaria evora, y , y muchos otros.

Entonces que es Jazz ácido? Este es un estilo musical funky con elementos integrados de jazz, funk de los 70, hip-hop, soul y otros estilos. Puede ser sampleado, puede ser "en vivo", y puede ser una mezcla de los dos últimos.

Principalmente, Jazz ácido se enfoca en la música más que en el texto/las palabras. Esta es música de club que tiene como objetivo ponerte en movimiento.

Primer sencillo con estilo Jazz ácido estaba "Frederick yace quieto", autor Galliano. era una version cover Curtis Mayfield Freddie's Dead de la película "Super vuelo".

Gran contribución a la promoción y apoyo del estilo. Jazz ácido introducido gilles peterson, quien fue DJ en KISS FM. Fue uno de los primeros en establecer Jazz ácido etiqueta. A finales de los 80 - principios de los 90 hubo muchos artistas Jazz ácido, que eran como comandos "en vivo" - , Galliano, Jamiroquai, Don Cherry y proyectos de estudio - PALm Skin Productions, Mondo GroSSO, Afuera, y Organización Futuro Unido.

Por supuesto, este no es un estilo de jazz, sino un tipo de conjunto instrumental de jazz, pero aún así se incluyó en la tabla, porque cualquier jazz interpretado por una "gran banda" se destaca mucho en el contexto de los intérpretes de jazz individuales y grupos pequeños.
El número de músicos en las big bands suele oscilar entre diez y diecisiete personas.
Formado a fines de la década de 1920, consta de tres grupos orquestales: saxofones - clarinetes(Bobinas) instrumentos de latón(Latones, se destacaron otros grupos de flautas y trombones), sección de ritmo(Sección rítmica - piano, contrabajo, guitarra, instrumentos de percusión). El apogeo de la música grandes bandas, que comenzó en los Estados Unidos en la década de 1930, se asocia con un período de entusiasmo masivo por el swing.

Más tarde, hasta la actualidad, las big bands actuaron e interpretaron música de varios estilos. Sin embargo, en esencia, la era de las big bands comienza mucho antes y se remonta a los días de los teatros de juglares estadounidenses de la segunda mitad del siglo XIX, que a menudo aumentaban el personal de interpretación a varios cientos de actores y músicos. Escuchar La banda de jazz original de Dixieland, la banda de jazz criolla de King Oliver, la orquesta de Glenn Miller y su orquesta y apreciarás todo el encanto del jazz interpretado por big bands.

Estilo de jazz que se desarrolló a principios - mediados de los años 40 del siglo XX y abrió la era del jazz moderno. Se caracteriza por un tempo rápido e improvisaciones complejas basadas en cambios de armonía más que de melodía.
Parker y Gillespie introdujeron el ritmo súper rápido de la actuación para evitar que los no profesionales participaran en sus nuevas improvisaciones. Entre otras cosas, un comportamiento impactante se ha convertido en el sello distintivo de todos los bebopites. La trompeta curva de Dizzy Gillespie, el comportamiento de Parker y Gillespie, los sombreros ridículos de Monk, etc.
Habiendo surgido como reacción a la ubicuidad del swing, el bebop continuó desarrollando sus principios en el uso de los medios expresivos, pero al mismo tiempo descubrió una serie de tendencias opuestas.

A diferencia del swing, que es principalmente la música de grandes bandas comerciales de baile, el bebop es una dirección creativa experimental en el jazz, principalmente asociada con la práctica de pequeños conjuntos (combos) y anticomercial en su dirección.
La fase bebop fue un cambio significativo en el enfoque del jazz de la música de baile popular a una "música para músicos" más artística e intelectual, pero menos convencional. Los músicos de bop preferían improvisaciones complejas basadas en el rasgueo de acordes en lugar de melodías.
Los principales iniciadores del nacimiento fueron: saxofonista, trompetista, pianistas bud powell y monje thelonious, baterista cucaracha max. Si tu quieres ser bop, escuchar , Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, Modern Jazz Quartet.

Uno de los estilos del jazz moderno, formado a finales de los años 40 y 50 del siglo XX, basado en el desarrollo de los logros del swing y el bop. El origen de este estilo se asocia principalmente con el nombre del saxofonista de swing negro. L joven, quien desarrolló la forma "fría" de extracción del sonido (el llamado sonido Lester) opuesto al sonido ideal del hot jazz; también introdujo el término "genial" por primera vez. Además, los requisitos previos del cool jazz se encuentran en el trabajo de muchos músicos de bebop, como, por ejemplo, C. Parker, T. Monk, M. Davis, J. Lewis, M. Jackson y otros.

Sin embargo, buen jazz tiene diferencias significativas con golpear. Esto se manifestó en el alejamiento de aquellas tradiciones del hot jazz que siguió el bop, en el rechazo de la excesiva expresividad rítmica y la inestabilidad entonativa, del énfasis deliberado en un color específicamente negro. Jugado en este estilo: , Stan Getz, cuarteto de jazz moderno, Dave Brubeck, Zoot Sims, Paul Desmond.

Con la desaparición gradual de la música rock a principios de los años 70, con la disminución del flujo de ideas del mundo del rock, la música fusión se ha vuelto más sencilla. Al mismo tiempo, muchos comenzaron a darse cuenta de que el jazz eléctrico podía volverse más comercial, los productores y algunos músicos comenzaron a buscar este tipo de combinaciones de estilos para aumentar las ventas. Realmente han logrado crear un tipo de jazz que es más accesible para el oyente promedio. Han surgido muchas combinaciones diferentes en las últimas dos décadas, por lo que a los promotores y publicistas les gusta usar el término "Modern Jazz" para describir las "fusiones" de jazz con elementos de pop, rythm and blues y "world music".

Sin embargo, la palabra "cruce" se refiere con mayor precisión a la esencia del asunto. El crossover y la fusión consiguieron su objetivo y aumentaron la audiencia del jazz, sobre todo gracias a aquellos que estaban hartos de otros estilos. En algunos casos, esta música merece atención, aunque en general el contenido de jazz en ella se reduce a cero. Los ejemplos de estilos cruzados van desde (Al Jarreau) y grabaciones vocales (George Benson) hasta (Kenny G), "Spiro Gyra" y " " . Hay una influencia jazzística en todo esto, pero, sin embargo, esta música encaja en el campo del arte pop, que está representado por Gerald Albright, Jorge Duque, saxofonista Bill Evans, Dave Grusin,.

Dixielandia- la designación más amplia del estilo musical de los primeros músicos de jazz de Nueva Orleans y Chicago que grabaron discos entre 1917 y 1923. Este concepto también se extiende al período del posterior desarrollo y renacimiento del jazz de Nueva Orleans: Renacimiento de Nueva Orleans continuó después de la década de 1930. Algunos historiadores atribuyen Dixielandia sólo con la música de bandas blancas tocando al estilo jazz de Nueva Orleans.

A diferencia de otras formas de jazz, el repertorio de piezas de los músicos Dixielandia permaneció bastante limitado, ofreciendo infinitas variaciones de temas dentro de las mismas melodías compuestas a lo largo de la primera década del siglo XX, e incluía ragtime, blues, one-step, two-step, marchas y melodías populares. Para el estilo de actuación Dixielandia característica fue el entretejido complejo de voces individuales en la improvisación colectiva de todo el conjunto. El solista que abría el solo y otros solistas que continuaban tocando, por así decirlo, se oponían al "riffing" del resto de los metales, hasta las frases finales, generalmente interpretadas por la batería en forma de estribillos de cuatro tiempos, que a su vez fueron contestadas por todo el conjunto.

Los principales representantes de esta época fueron La banda de jazz original de Dixieland, Joe King Oliver y su famosa orquesta, Sidney Bechet, Kid Ory, Johnny Dodds, Paul Mares, Nick LaRocca, Bix Beiderbecke y Jimmy McPartland. Los músicos de Dixieland buscaban esencialmente un renacimiento del jazz clásico de Nueva Orleans de antaño. Estos intentos tuvieron mucho éxito y, gracias a las generaciones posteriores, continúan hasta el día de hoy. El primero de los renacimientos de la tradición Dixieland tuvo lugar en la década de 1940.
Estos son solo algunos de los músicos de jazz que han tocado en Dixieland: Kenny Ball, Lu Watters Yerna Buena Jazz Band, Turk Murphys Jazz Band.

Un nicho separado en la comunidad de estilos de jazz desde principios de los años 70 fue ocupado por la compañía alemana ECM (Edición de Música Contemporánea- Editorial de Música Contemporánea), que se fue convirtiendo paulatinamente en el centro de una asociación de músicos que profesaban no tanto el apego al origen afroamericano del jazz como la capacidad para resolver una amplia variedad de tareas artísticas, sin limitarse a un cierto estilo, pero en línea con el proceso creativo de improvisación.

Con el tiempo, sin embargo, se desarrolló una cierta cara de la compañía, lo que llevó a la separación de los artistas de esta etiqueta en una dirección estilística pronunciada y a gran escala. La orientación del fundador del sello Manfred Eicher (Manfred Eicher) para combinar varios lenguajes de jazz, folclore mundial y nueva música académica en un solo sonido impresionista hizo posible reclamar una comprensión profunda y filosófica de los valores de la vida utilizando estos medios.

El principal estudio de grabación de la firma con sede en Oslo está obviamente correlacionado con el papel principal en el catálogo de músicos escandinavos. En primer lugar, los noruegos Jan Garbarek, Terje Rypdal, Nils Petter Molvaer, Arild Andersen, Jon Christensen. Sin embargo, la geografía de ECM cubre el mundo entero. Aquí están los europeos. Dave Holland, Tomasz Stanko, John Surman, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Mikhail Alperin y representantes de culturas no europeas Egberto Gismonti, Flora Purim, Zakir Hussain, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem y muchos otros. No menos representativa es la Legión Americana - Jack DeJohnette, Charles Lloyd, Ralph Towner, Redman Dewey, Bill Frisell, John Abercrombie, Leo Smith. El impulso revolucionario inicial de las publicaciones de la compañía se convirtió con el tiempo en un sonido meditativamente separado de formas abiertas con capas de sonido cuidadosamente pulidas.

Algunos adherentes de la corriente principal niegan el camino elegido por los músicos de esta dirección; sin embargo, el jazz Cultura mundial, se desarrolla a pesar de estas objeciones y da resultados muy impresionantes.

En contraste con el refinamiento y la frialdad del estilo cool, la racionalidad del progresivo en la costa este de los Estados Unidos, los jóvenes músicos de principios de los años 50 continuaron desarrollando el estilo bebop aparentemente ya agotado. El crecimiento de la autoconciencia de los afroamericanos, característico de los años 50, jugó un papel significativo en esta tendencia. Se llamó nuevamente la atención sobre el mantenimiento de la fidelidad a las tradiciones de improvisación afroamericanas. Al mismo tiempo, se conservaron todos los logros del bebop, pero se les agregaron muchos logros geniales tanto en el campo de la armonía como en el campo de las estructuras rítmicas. Los músicos de la nueva generación, por regla general, tenían una buena educación musical. Esta corriente se llama "hardbop" resultó ser bastante numeroso. Los trompetistas se sumaron Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown, Donald Byrd, pianistas Thelonious Monk, Horace Silver, baterista arte blake, saxofonistas Sonny Rollins, Hank Mobley, Cannonball Adderley, contrabajista Paul Cámaras y muchos otros.

Para el desarrollo de un nuevo estilo, fue significativa otra innovación técnica, que consistió en la aparición de discos de larga duración. Ahora puedes grabar solos largos. Para los músicos, esto se ha convertido en una tentación y una prueba difícil, ya que no todos pueden hablar de manera completa y sucinta durante mucho tiempo. Los trompetistas fueron los primeros en aprovechar estas ventajas, modificando el estilo de Dizzy Gillespie a un toque más tranquilo pero profundo. Los más influyentes fueron Grasas Navarro y clifford marrón. Estos músicos no se centraron en pasajes virtuosos de alta velocidad en el registro superior, sino en líneas melódicas reflexivas y lógicas.

Se considera que el hot jazz es la música de los pioneros de la segunda ola de Nueva Orleans, cuya mayor actividad creativa coincidió con el éxodo masivo de músicos de jazz de Nueva Orleans hacia el norte, principalmente a Chicago. Este proceso, que comenzó poco después del cierre de Storyville por la entrada de Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial y la declaración de Nueva Orleans como puerto militar por este motivo, marcó la llamada era de Chicago en la historia del jazz. . El principal representante de esta escuela fue Louis Armstrong. Mientras aún actuaba en el King Oliver Ensemble, Armstrong realizó cambios revolucionarios en el concepto de improvisación de jazz, pasando de los esquemas tradicionales de improvisación colectiva a la interpretación de partes solistas individuales.

El mismo nombre de este tipo de jazz está relacionado con la intensidad emocional característica de la forma de interpretación de estas partes solistas. El término Hot fue originalmente sinónimo de improvisación de solos de jazz para resaltar las diferencias en el enfoque de los solos que ocurrieron a principios de la década de 1920. Más tarde, con la desaparición de la improvisación colectiva, este concepto se asoció con la forma de interpretar el material de jazz, en particular con un sonido especial que determina el estilo instrumental y vocal de interpretación, el llamado hotting o entonación caliente: una combinación de sonidos especiales métodos de ritmización y características de entonación específicas.

Quizás el movimiento más controvertido en la historia del jazz surgió con el advenimiento del "free jazz". Aunque los elementos jazz libre existió mucho antes de la aparición del término mismo, en "experimentos" Coleman Hawkins, Pee Wee Russell y Lenny Tristano, pero solo a fines de la década de 1950 gracias a los esfuerzos de pioneros como un saxofonista y un pianista. cecil taylor, esta dirección tomó forma como un estilo independiente.

Lo que estos dos músicos han hecho con otros, incluso Juan Coltrane, Alberto Euler y comunidades como Orquesta Sunra y un grupo llamado The Revolutionary Ensemble consistió en varios cambios en la estructura y el sentimiento de la música.
Entre las innovaciones introducidas con imaginación y gran musicalidad estuvo el abandono de la progresión de acordes, que permitía que la música se moviera en cualquier dirección. Otro cambio fundamental se encontró en el área del ritmo, donde el "swing" se redefinió o se ignoró por completo. En otras palabras, la pulsación, la métrica y el groove ya no eran un elemento esencial en esta lectura del jazz. Otro componente clave estaba asociado con la atonalidad. Ahora el dicho musical ya no se basaba en el sistema tonal habitual.

Notas estridentes, ladrando, convulsivas llenaron por completo este nuevo mundo sonoro. El free jazz sigue existiendo hoy en día como una forma viable de expresión y, de hecho, ya no es un estilo tan controvertido como lo fue en los albores de su creación.

Quizás el movimiento más controvertido en la historia del jazz surgió con el advenimiento del "free jazz".

Una dirección de estilo moderno que surgió en la década de 1970 sobre la base del jazz-rock, una síntesis de elementos de la música académica europea y el folclore no europeo.
Las composiciones más interesantes de jazz-rock se caracterizan por la improvisación, combinada con soluciones compositivas, el uso de principios armónicos y rítmicos de la música rock, la incorporación activa de la melodía y el ritmo de Oriente, la introducción de medios electrónicos de procesamiento y síntesis. sonido en música.

En este estilo, se ha ampliado el rango de aplicación de los principios modales, se ha ampliado el conjunto de varios modos, incluidos los exóticos. En los años 70, el jazz-rock se hizo increíblemente popular, las fuerzas musicales más activas entraron en él. Más desarrollado en relación con la síntesis de diversos medios musicales, el jazz-rock se denominó "fusión" (aleación, fusión). Un impulso adicional para la "fusión" fue otro guiño (no el primero en la historia del jazz) hacia la música académica europea.

En muchos casos, la fusión en realidad se convierte en una combinación de jazz con pop regular y ritmo y blues ligero; Transversal. Las ambiciones de profundidad musical y empoderamiento de la música fusión siguen sin cumplirse, aunque la búsqueda continúa en raras ocasiones, como en bandas como "Tribal Tech" y los conjuntos de Chick Corea. Escuchar: Weather Report, Brand X, Mahavishnu Orchestra, Miles Davis, Spyro Gyra, Tom Coster, Frank Zappa, Urban Knights, Bill Evans, de New Niacin, Tunnels, CAB.

Moderno canguelo se refiere a los estilos populares de jazz de los años 70 y 80, en los que los acompañantes tocan al estilo del soul pop negro, mientras que las improvisaciones en solitario son más creativas y de naturaleza jazzística. La mayoría de los saxofonistas de este estilo usan su propio conjunto de frases simples, que consisten en gritos y gemidos de blues. Se basan en una tradición adoptada de los solos de saxofón en grabaciones vocales de ritmo y blues, como King Curtis en "Coasters". Caminante júnior con los grupos vocales del sello Motown, David Sanborn con "Blues Band" de Paul Butterfield. Figura destacada en este género, que a menudo tocaba solo en el estilo Hank Crawford con acompañamiento funky. Gran parte de la música , y sus estudiantes utilizan este enfoque. , también trabajan al estilo del "funk moderno".

El término tiene dos significados. Primero, es un medio expresivo en el jazz. Un tipo característico de pulsación basado en desviaciones constantes del ritmo de las acciones de referencia. Esto crea la impresión de una gran energía interna en un estado de equilibrio inestable. En segundo lugar, el estilo de jazz orquestal que tomó forma a finales de los años 20 y 30 como resultado de la síntesis de las formas estilísticas negras y europeas de la música jazz.

definicion original "rock de jazz" fue la más clara: una combinación de improvisación jazzística con la energía y los ritmos de la música rock. Hasta 1967, los mundos del jazz y el rock existían casi por separado. Pero en este momento, el rock se vuelve más creativo y más complejo, aparece el rock psicodélico, la música soul. Al mismo tiempo, algunos músicos de jazz se aburrieron del hardbop puro, pero tampoco querían tocar música de vanguardia que fuera difícil de percibir. Como resultado, los dos idiomas diferentes comenzaron a intercambiar ideas y unir fuerzas.

Desde 1967, guitarrista larry coryell, vibrafonista gary burton, en 1969 baterista billy cobham con el grupo "Dreams", en el que tocaban los hermanos Brecker, comenzaron a explorar nuevas extensiones de estilo.
A fines de los años 60, Miles Davis tenía el potencial para hacer la transición al jazz-rock. Fue uno de los creadores del modal jazz, a partir del cual, utilizando ritmos 8/8 e instrumentos electrónicos, da un nuevo paso grabando los discos "Bitches Brew", "In a Silent Way". Junto a él en este momento hay una brillante galaxia de músicos, muchos de los cuales luego se convierten en figuras fundamentales de esta dirección - (John McLaughlin), joe zawinul(Joe Zawinul) Herbie Hancock. El ascetismo, la concisión y la contemplación filosófica características de Davis resultaron ser muy bienvenidos en el nuevo estilo.

A principios de la década de 1970 rock-jazz tenía su propia identidad distintiva como un estilo de jazz creativo, aunque muchos puristas del jazz lo ridiculizaron. Los principales grupos de la nueva dirección eran "Regreso para siempre", "Informe meteorológico", "La orquesta de Mahavishnu", varios conjuntos Miles Davis. Tocaron jazz-rock de alta calidad, que combinaba un gran conjunto de técnicas tanto del jazz como del rock. Asian Kung-Fu Generation, Ska - Jazz Foundation, John Scofield Uberjam, Gordian Knot, Miriodor, Trey Gunn, trío, Andy Summers, Erik Truffaz- Definitivamente deberías escuchar para entender cuán diversa es la música progresiva y jazz-rock.

Estilo rap de jazz fue un intento de unir la música afroamericana de décadas pasadas con una nueva forma dominante del presente, lo que permitiría rendir homenaje e infundir nueva vida al primer elemento de esta, la fusión, y también expandir los horizontes del segundo. . Los ritmos del jazz-rap se tomaron prestados por completo del hip-hop, mientras que las muestras y las texturas sonoras procedían principalmente del cool jazz, el soul-jazz y el hard bop.

Este estilo fue el más genial y famoso del hip-hop, y muchos artistas mostraron una conciencia política afrocéntrica, agregando autenticidad histórica a este estilo. Dada la inclinación intelectual de esta música, no sorprende que el jazz-rap nunca se haya convertido en un favorito de las fiestas callejeras; pero luego nadie pensó en ello.

Los propios representantes del jazz-rap se autodenominaron partidarios de una alternativa más positiva al movimiento hardcore/gangsta, que desplazó al rap de los puestos de liderazgo a principios de los 90. Buscaron difundir el hip-hop a oyentes que no pueden aceptar o comprender la creciente agresión de la cultura musical urbana. Por lo tanto, el jazz-rap encontró la mayor parte de sus fanáticos en los dormitorios de estudiantes y también fue apoyado por varios críticos y fanáticos blancos del rock alternativo.

Equipo Lenguas Nativas (Afrika Bambaataa)- este colectivo neoyorquino de grupos afroamericanos de rap - se ha convertido en una fuerza poderosa que representa el estilo rap de jazz e incluye grupos como Una tribu llamada Quest, De La Soul y The Jungle Brothers. Comenzó su trabajo pronto planetas digitales y pandilla estrella también ganó notoriedad. A mediados de los 90, el rap alternativo comenzó a dividirse en una gran cantidad de subestilos, y el jazz-rap se convirtió en un elemento del nuevo sonido con poca frecuencia.

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JAZZ(jazz inglés), un concepto genérico que define varios tipos de arte musical, que difieren entre sí en estilo, tareas artísticas y papel en la vida pública. El término jazz (originalmente jass) no apareció hasta finales de los siglos XIX y XX, también puede provenir del francés jaser (con el significado de "charlar", que se conserva en la jerga estadounidense: jazz - "moscas", "tonterías"), y de la cual, o una palabra en uno de los idiomas africanos que tenía un cierto significado erótico, especialmente porque en la frase natural jazz dance ("jazz dance"), la palabra dance tenía el mismo significado de Shakespeare. tiempo. En los círculos más altos del Nuevo y Viejo Mundo, la palabra, que luego se convirtió en un término puramente musical, se asoció con algo ruidoso, grosero, sucio. El escritor inglés Richard Aldington en el prefacio de la novela. muerte de un heroe, en el que describe la "verdad de trinchera" y la pérdida moral del individuo después de la Primera Guerra Mundial, llama a su novela "jazz".

Orígenes.

El jazz apareció como resultado de una larga interacción de varias capas de cultura musical en toda América del Norte, donde los esclavos negros de África (principalmente occidentales) tenían que dominar la cultura de sus amos blancos. Estos son himnos religiosos: espirituales y la forma más común de música cotidiana (banda de música) y folclore rural (los negros tienen skiffle) y, lo que es más importante, ragtime de música de piano de salón - ragtime (literalmente "ritmo irregular").

Espectáculo de juglares.

Esta música fue distribuida por "teatros de trovadores" errantes (que no debe confundirse con el término europeo medieval) - espectáculos de trovadores, coloridos descritos por Mark Twain en Las aventuras de Huckleberry Finn y musical de Jerome Kern Barco con teatro a bordo. Las compañías de espectáculos de juglares, en las que se representaba la vida de los negros en forma de caricatura, estaban formadas por blancos (la primera película sonora también pertenece a este género). cantante de jazz, en el que el papel de un negro era interpretado por el judío lituano Al Jolson, y la película en sí no tenía nada que ver con el jazz como arte), y de músicos negros, en este caso obligados a parodiarse a sí mismos.

Rag-time.

Gracias al espectáculo de juglares, el público de origen europeo conoció lo que sería el jazz, y ella adoptó el ragtime de piano como arte propio. No es casualidad que el escritor E.Doctorow y el director de cine M.Foreman convirtieran el concepto musical actual de "ritmo desgarrado" en "tiempo desgarrado", un símbolo de esos cambios que en el Viejo Mundo se denominaban "el fin". del siglo". Por cierto, el carácter de batería del ragtime (proveniente del típico pianismo romántico tardío europeo) está muy exagerado debido al hecho de que el piano mecánico se convirtió en el principal medio de su distribución, que no transmitía las sutilezas de la técnica pianística. Entre los compositores negros de ragtime se encontraban compositores serios como Scott Joplin. Pero se interesaron solo setenta años después, después del éxito de la película de acción. Picadura(1973), cuya banda sonora se basó en las composiciones de Joplin.

Blues.

Finalmente, no habría jazz sin blues (blues es originalmente un plural colectivo, que denota un estado de tristeza, melancolía, abatimiento; el concepto de “sufrimiento” adquiere el mismo doble significado para nosotros, sin embargo, denota un carácter completamente diferente Genero musical). El blues es una canción solista (rara vez a dúo), cuya peculiaridad no radica solo en una forma musical específica, sino también en un carácter vocal-instrumental. El principio formador heredado de África - una breve pregunta del solista y la misma breve respuesta del coro (llamada y respuesta, en forma coral aparece en los himnos espirituales: la “pregunta” del predicador - la “respuesta” del los feligreses) - en el blues convertido en un principio vocal-instrumental: el autor - el intérprete hace una pregunta (y la repite en la segunda línea) y se responde a sí mismo, la mayoría de las veces con la guitarra (con menos frecuencia con el banjo o el piano) . El blues es la piedra angular de la música pop moderna, desde el rythm and blues negro hasta la música rock.

jazz arcaico.

En el jazz, sus orígenes se fusionaron en un solo canal, lo que sucedió en la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX. A menudo, las corrientes separadas se conectan arbitrariamente entre sí: por ejemplo, según una de las tradiciones africanas, las bandas de música tocaban marchas fúnebres en el camino al cementerio y bailes alegres en el camino de regreso. En pequeños pubs, los escritores de blues errantes cantaban con el acompañamiento del piano (la forma de tocar el blues en el piano a fines de la década de 1920 se convertiría en un género musical independiente de boogie-woogie), las orquestas de salón típicamente europeas incluían canciones y bailes de sus espectáculos de juglares en su repertorio, cakewalks (o cakewalks, cake-walk - baile al ritmo de la música ragtime). Europa reconoció el ragtime precisamente como un acompañamiento de este último (el famoso paseo de títeres Claude Debussy). Y plásticos característicamente afroamericanos producidos a finales del siglo XIX y XX. no menos, si no más, impresionante que la música de salón sincopada). Por cierto, se han conservado los registros de la banda de música de uno de los regimientos imperiales rusos con un tecleo. el sueño de los negros. Todas estas combinaciones se denominan condicionalmente jazz arcaico.

Si era necesario, pianistas de ragtime, junto con bandas de música, acompañaban a vocalistas de blues y vocalistas femeninas, quienes, a su vez, incluían entretenimiento y repertorio de salón en sus programas. Tal música ya puede considerarse jazz, incluso si los primeros grupos se autodenominaron, como en la famosa canción, y luego en la película musical de Irving Berlin, "orquestas de ragtime".

Nueva Orleans.

Se cree que las circunstancias más favorables acompañaron la formación del jazz en la ciudad portuaria de Nueva Orleans. Pero hay que tener en cuenta que el jazz nació allí donde hubo una interpenetración de las culturas afroamericana y europea.

En Nueva Orleans, dos culturas afroamericanas coexistieron una al lado de la otra: los criollos relativamente libres (negros de habla francesa, generalmente católicos) y los esclavos protestantes anglosajones liberados después de la Guerra Civil estadounidense. Aunque las libertades civiles de los criollos de habla francesa también eran relativas, todavía tenían acceso a la cultura clásica de origen europeo, de la que, digamos, incluso los inmigrantes de Europa se vieron privados en la puritana Nueva Inglaterra. El teatro de la ópera, por ejemplo, abrió en Nueva Orleans mucho antes que en las ciudades puritanas del norte de los Estados Unidos. En Nueva Orleans, se permitió el entretenimiento público en días festivos: bailes, carnavales. No fue el último papel jugado por la presencia en Nueva Orleans del barrio obligatorio de "luces rojas" para la ciudad portuaria: Storyville.

Las bandas de música en Nueva Orleans, como en Europa, eran una parte integral de la vida urbana. Pero en el ambiente afroamericano, la charanga ha cambiado radicalmente. Desde un punto de vista rítmico, su música era tan primitiva como las danzas y marchas europeas, y no tenía nada que ver con el futuro jazz. El material melódico principal se distribuyó de manera racional y compacta entre los tres instrumentos: los tres tocaron el mismo tema: la corneta (trompeta) lo condujo más o menos cerca del original, el clarinete móvil parecía serpentear alrededor del principal línea melódica, y el trombón ocasionalmente insertaba pistas raras pero poderosas. Los líderes de los conjuntos más famosos no solo en Nueva Orleans, sino en todo el estado de Luisiana fueron Bank Johnson, Freddie Keppard y Charles "Buddy" Bolden. Sin embargo, los registros originales de esa época no se han conservado y ya no es posible verificar la autenticidad de los recuerdos nostálgicos de los veteranos de Nueva Orleans (incluido Louis Armstrong).

Incluso antes del estallido de la Primera Guerra Mundial, aparecieron conjuntos de músicos "blancos" que llamaron a su música "jass" ("ss" pronto fue reemplazada por "zz", ya que la palabra "jass" fácilmente se convirtió en poco decente, bastó con borrar la primera letra "j"). El hecho de que Nueva Orleans era famosa como centro de entretenimiento "resort" se prueba al menos por el hecho de que el conjunto New Orleans Rhythm Kings con el popular pianista y compositor Elmer Shebel era popular en Chicago, pero no había ni una sola ciudad de Nueva Orleans. en eso. Con el tiempo, las "orquestas blancas" comenzaron a llamarse, en contraste con el negro, Dixieland, es decir, simplemente "sur". Uno de esos conjuntos, la Original Dixieland Jass Band, terminó en Nueva York a principios de 1917 e hizo las primeras grabaciones de lo que definitivamente puede considerarse jazz, no solo de nombre. El disco fue lanzado con dos cosas: Blues estable de librea y Un paso de Dixieland Jass Band.

chicago

Paralelamente, un ambiente de jazz estaba tomando forma en Chicago, donde muchos de Nueva Orleans se establecieron después de que Estados Unidos entrara en la Primera Guerra Mundial en 1917 y se introdujera la ley marcial en Nueva Orleans. La "Creole Jazz Band" del trompetista Joe "King" Oliver fue especialmente famosa (aunque solo había un criollo real entre sus miembros). Fame "Creole Jazz Band" trajo una actuación coordinada de dos cornetas a la vez: el propio Oliver y su joven alumno Louis Armstrong. Los primeros discos de Oliver-Armstrong, grabados en 1923 con los famosos "breaks" de dos cornetas, se convirtieron en clásicos del jazz.

"Era del Jazz".

La década de 1920 vio el comienzo de la Era del Jazz. Louis Armstrong afirma la prioridad del solista de improvisación con sus conjuntos Hot Five y Hot Seven; la pianista y compositora Jelly Roll Morton gana fama en Nueva Orleans; otro clarinetista y saxofonista criollo de Nueva Orleans, Sidney Bechet, difunde la gloria del jazz en el Viejo Mundo (estuvo de gira incluso en la Rusia soviética en 1926). El célebre director de orquesta suizo Ernest Ansermet Bechet quedó impresionado precisamente por esa vibración característicamente "francesa", que el mundo entero reconocería más tarde en la voz de Edith Piaf. Quizás no sea casualidad que el primer jazzman del Viejo Mundo que influenció a los estadounidenses fue el gitano belga Django Reinhardt, un guitarrista que vivía en Francia.

Nueva York está comenzando a enorgullecerse de sus propias fuerzas de jazz: las orquestas de Harlem de Fletcher Henderson, Louis Russell (el propio Armstrong trabajó con ambas) y Duke Ellington, quien se mudó aquí en 1926 desde Washington y rápidamente ganó una posición de liderazgo en el famoso Cotton. Club.

Improvisación.

Fue en la década de 1920 cuando se formó gradualmente el principio fundamental del jazz: no un dogma, no una forma, sino improvisación. Se cree que en New Orleans Jazz/Dixieland es de carácter colectivo, aunque esto no es del todo exacto, ya que en realidad el material de origen (tema) aún no está separado de su desarrollo. En esencia, los músicos de Nueva Orleans repetían de oído las formas más simples de las canciones, los bailes y el blues negro europeos.

En los conjuntos de Armstrong, con la participación, en primer lugar, del destacado pianista Earl Hines, se inició la formación de la forma de jazz del tema con variaciones (tema - improvisaciones en solitario - tema), donde la "unidad de improvisación" es el coro (en terminología rusa, "cuadrado"), como si fuera una variante de los temas originales de exactamente la misma (o en el futuro, relacionada) construcción armónica. Escuelas enteras de músicos blancos y negros aprovecharon los descubrimientos de Armstrong en el período de Chicago; White Bix Beiderbeck compuso composiciones en el espíritu de Armstrong, pero resultaron ser sorprendentemente cercanas al impresionismo musical (y tenían nombres característicos como en una niebla – En una neblina brumosa). El virtuoso pianista Art Tatum se basó más en el esquema armónico del cuadrado que en la melodía del tema original. Los saxofonistas Column Hawkins, Lester Young, Benny Carter trasladaron sus logros a los instrumentos de viento monofónicos.

En la orquesta de Fletcher Henderson, por primera vez, se desarrolló un sistema de "apoyo" para un improvisador solista: la orquesta se dividió en tres secciones: rítmica (piano, guitarra, contrabajo y batería), saxofón y metales (trompetas, trombones). ). En el contexto de la pulsación constante de la sección rítmica, los saxofones y las trompetas con los trombones intercambiaron breves "fórmulas" repetitivas: riffs desarrollados en la práctica del folk blues. El riff era tanto armónico como rítmico.

1930

Esta fórmula fue adoptada por prácticamente todas las big bands que ya se habían formado en los años 30, tras la crisis económica de 1929. En realidad, la carrera del "rey del swing" -Benny Goodman- comenzó con varios arreglos de Fletcher Henderson. Pero incluso los historiadores negros del jazz admiten que la orquesta de Goodman, originalmente compuesta por músicos blancos, tocaba mejor que la propia orquesta de Henderson. De una forma u otra, pero la interacción entre las orquestas negras de swing de Andy Kirk, Jimmy Lunsford, Count Basie, Duke Ellington y las orquestas blancas estaba mejorando: Goodman tocaba el repertorio de Count Basie, Charlie Barnet copiaba a Ellington y el grupo del clarinetista Woody Herman incluso fue llamado la "orquesta de blues". También hubo orquestas muy populares de los hermanos Dorsey (el negro Cy Oliver trabajó allí), Artie Shaw (presentó por primera vez al cuarto grupo - cuerdas), Glenn Miller (con el famoso "acorde de cristal" - coro de cristal, cuando toca un clarinete junto con saxofones; por ejemplo, en el famoso serenata a la luz de la luna- el discurso de apertura de la segunda película con Miller, amas de banda). primera pelicula - Serenata del valle del sol- fue filmada antes de que Estados Unidos entrara en la Segunda Guerra Mundial y estuvo entre los botines de guerra obtenidos por el Ejército Rojo en Alemania. Por lo tanto, fue esta comedia musical la que estaba destinada a personificar casi todo el arte del jazz para dos o tres generaciones de jóvenes soviéticos de la posguerra. El hecho de que la combinación perfectamente natural de clarinetes y saxofones sonara revolucionaria muestra cuán estandarizada era la producción de los arreglistas de la era del swing. No es casualidad que a fines de la década anterior a la guerra, incluso el "rey del swing" Goodman, se hizo evidente que la creatividad en las grandes orquestas, las grandes bandas, está dando paso a una rutina estandarizada. Goodman redujo el número de sus músicos a seis y comenzó a invitar regularmente a músicos negros a su sexteto: el trompetista Cootie Williams de la Orquesta de Ellington y el joven guitarrista eléctrico Charlie Christian, lo que en aquellos días era un paso muy audaz. Baste decir que el colega de Goodman, el pianista y compositor Raymond Scott, incluso compuso una pieza llamada Cuando Kuti se fue de Duke.

Formalmente, incluso Duke Ellington estuvo de acuerdo con la división generalmente aceptada de la orquesta en tres grupos, sin embargo, en su instrumentación, partió no tanto del esquema como de las capacidades de los propios músicos (se decía de él: en un jazz partitura, en lugar de nombres de instrumentos, hay nombres de músicos; incluso sus piezas virtuosas de Ellington de tres minutos llamadas Concierto para Cootie mencionado por Cootie Williams). Fue en el trabajo de Ellington donde quedó claro que la improvisación es un principio artístico.

La década de 1930 fue también el apogeo del musical de Broadway, que suministró el jazz con el llamado. evergreens (literalmente "evergreen") - números separados que se convirtieron en un repertorio de jazz estándar. Por cierto, el concepto de "estándar" en el jazz no contiene nada reprobable, es el nombre de una melodía popular o un tema especialmente escrito para la improvisación. El estándar es, por así decirlo, un análogo del concepto filarmónico de "clásicos de repertorio".

Además, la década de 1930 es el único período en el que la mayor parte de la música popular, si no el jazz (o el swing, como se decía entonces), al menos se creó bajo su influencia.

Naturalmente, el potencial creativo que se formó dentro de las orquestas de swing de músicos improvisadores, por definición, no podía realizarse en orquestas de swing recreativas, como la orquesta de Cab Calloway. No es casualidad que las sesiones improvisadas desempeñen un papel tan importante en el jazz: reuniones de músicos en un círculo estrecho, por regla general, a altas horas de la noche, después del trabajo, especialmente con motivo de giras de colegas de otros lugares.

Bebop - bop.

En tales reuniones, jóvenes solistas de varias bandas, incluido Charlie Christian, guitarrista del Benny Goodman Sextet, el baterista Kenny Clarke, el pianista Thelonious Monk, el trompetista Dizzy Gillespie, se reunieron en un club de Harlem a principios de la década de 1940. Al final de la Segunda Guerra Mundial, quedó claro que había nacido un nuevo estilo de jazz. Desde un punto de vista puramente musical, no era diferente de lo que se tocaba en las big bands de swing. La forma externa era completamente nueva: era "música para músicos", no había "instrucciones" para bailar en forma de un ritmo claro, acordes fuertes al principio y al final, no había melodías simples y reconocibles en la nueva música. . Los músicos tocaron canciones populares de Broadway y blues, pero en lugar de las melodías familiares de estas canciones, deliberadamente usaron improvisaciones. Se dice que el trompetista Gillespie fue el primero en llamar a lo que hizo con sus colegas "ribop" o "bebop" o "bop" para abreviar. Al mismo tiempo, el jazzman comenzó a pasar de ser un animador a una figura de trascendencia social, lo que coincidió con el nacimiento del movimiento beatnik. Gillespie introdujo anteojos en un marco masivo (al principio incluso con anteojos sin dioptrías), en lugar de un sombrero, toma una jerga especial, en particular, la palabra genial en lugar de caliente, que todavía está de moda. Pero el principal impulso para los jóvenes neoyorquinos llegó cuando el saxofonista alto Charlie Parker de Kansas City (tocaba en la big band de Jay McShann) se unió a la compañía de boper. Parker, brillantemente dotado, fue mucho más allá que sus colegas y contemporáneos. A fines de la década de 1950, incluso innovadores como Monk y Gillespie regresaron a sus raíces, a la música negra, mientras que los descubrimientos de Parker y algunos de sus asociados (el baterista Max Roach, el pianista Bud Powell, el trompetista Fats Navarro) aún atraen la atención. de músicos

Enfriar.

En la década de 1940 en los Estados Unidos, debido a un litigio de derechos de autor, el sindicato de músicos prohibió a los instrumentistas grabar discos; en realidad, solo salieron grabaciones de vocalistas acompañados por un piano o un conjunto vocal. Cuando se levantó la prohibición (1944), quedó claro que el cantante de "micrófono" (por ejemplo, Frank Sinatra) se estaba convirtiendo en la figura central de la música pop. Bebop atrajo la atención como música de "club", pero pronto perdió audiencia. Pero en una forma suavizada y ya bajo el nombre de "cool", la nueva música se ha arraigado en los clubes de élite. Los boppers de ayer, como el joven trompetista negro Miles Davis, estuvieron asistidos por sólidos músicos, en particular Gil Evans, pianista y arreglista de la orquesta de swing de Claude Thornhill. En Capitol-Nonet de Miles Davis (llamado así por la compañía Capitol que grabó este nonet, luego reeditado bajo el título Nacimiento de lo genial) músicos blancos y negros "entrenaron" juntos: los saxofonistas Lee Konitz y Gerry Mulligan, así como el pianista y compositor negro John Lewis, quien tocó con Charlie Parker y luego fundó el Modern Jazz Quartet.

Otro pianista cuyo nombre se asocia con lo cool, el ciego Lenny Tristano, fue el primero en utilizar las posibilidades del estudio de grabación (acelerar la cinta, superponer un disco sobre otro). Tristano fue el primero en registrar sus improvisaciones espontáneas y no cuadradas. Las obras de concierto para big bands (de varios estilos, desde el neoclasicismo hasta el serialismo) bajo el nombre general de "progresivo" no pudieron prolongar la agonía del swing y no tuvieron resonancia pública (aunque entre los autores se encontraban los jóvenes compositores estadounidenses Milton Babbitt, Pete Rugolo , Bob Grettinger). Al menos una de las orquestas progresivas, dirigida por el pianista Stan Kenton, ciertamente sobrevivió a su tiempo y disfrutó de cierta popularidad.

Costa oeste.

Muchos miembros de la orquesta de Kenton sirvieron a Hollywood, por lo que el estilo más europeizado de "cool" (con instrumentos académicos: trompa, oboe, fagot y la forma correspondiente de producción de sonido, y hasta cierto punto el uso de formas polifónicas de imitación) se llamó " costa oeste" (costa oeste). ). The Shorty Rogers Octet (del que Igor Stravinsky habló muy bien), Shelley Mann y Bud Shank Ensembles, Dave Brubeck Quartets (con el saxofonista Paul Desmond) y Gerry Mulligan (con el trompetista blanco Chet Baker y Negro Art Farmer).

Allá por la década de 1920, los lazos históricos entre la población afroamericana de los Estados Unidos y la población negra de América Latina afectaron, pero solo después de la Segunda Guerra Mundial los jazzistas (principalmente Dizzy Gillespie) comenzaron a usar conscientemente los ritmos latinoamericanos, incluso habló de una dirección independiente: el jazz afrocubano.

A fines de la década de 1930, se hizo un intento de restaurar el viejo jazz de Nueva Orleans bajo los nombres de New Orleans Renaissance y Dixieland Revival. El jazz tradicional, como se llamó más tarde a todas las variedades del estilo de Nueva Orleans y Dixieland (e incluso el swing), se generalizó en Europa y casi se fusionó con la música doméstica urbana del Viejo Mundo, las famosas tres "B" en el Reino Unido. Acker Bilk, Chris Barber y Kenny Ball (este último se hizo famoso por la versión de Dixieland tardes de moscú a principios de la década de 1960). A raíz del renacimiento de Dixieland en el Reino Unido, también hubo una moda de conjuntos arcaicos de instrumentos caseros: el skiffle, con el que los miembros del cuarteto de los Beatles comenzaron sus carreras.

En los Estados Unidos, los empresarios George Wayne (organizador del famoso festival de jazz de la década de 1950 en Newport, Rhode Island) y Norman Grantz apoyaron (y de hecho dieron forma) a la idea de la corriente principal: el jazz clásico, construido de acuerdo con un patrón probado ( tema interpretado colectivamente - improvisaciones en solitario - repetición del tema) y basado en los medios expresivos de la década de 1930 con técnicas separadas y cuidadosamente seleccionadas de estilos posteriores. La corriente principal en este sentido incluye, por ejemplo, a los músicos de la empresa de Granz "Jazz at the Philharmonic". En un sentido más amplio, la corriente principal es prácticamente todo jazz hasta principios de la década de 1960, incluido el bebop y sus variedades posteriores.

Finales de la década de 1950 - principios de la de 1960

- uno de los períodos más fructíferos en la historia del jazz. Con la llegada del rock and roll, la improvisación instrumental finalmente quedó relegada al margen de la música pop, y el jazz en su conjunto comenzó a darse cuenta de su lugar en la cultura: había clubs en los que se acostumbraba escuchar más que bailar (uno de ellos incluso fue llamado "Birdland", apodado Charlie Parker), festivales (a menudo al aire libre), compañías discográficas crearon sucursales especiales para el jazz - "sellos", y surgió una industria discográfica independiente (por ejemplo, Riverside, que comenzó con una antología compilada brillantemente sobre la historia del jazz). Incluso antes, en la década de 1930, comenzaron a aparecer revistas especializadas (“Down Beat” en EE. UU., varias revistas mensuales ilustradas en Suecia, Francia y en la década de 1950 en Polonia). El jazz, por así decirlo, se divide en ligero, de club, y serio, de concierto. La continuación del "progresivo" fue la "tercera tendencia", un intento de combinar la improvisación del jazz con las formas y recursos interpretativos de la música sinfónica y de cámara. Todas las corrientes convergieron en el "Modern Jazz Quartet", el principal laboratorio experimental para la síntesis del jazz y los "clásicos". Sin embargo, los entusiastas de la "tercera corriente" se dieron prisa; deseaban la realidad, creyendo que ya había una generación de músicos de orquestas sinfónicas que estaban suficientemente familiarizados con la práctica del jazz. La "tercera corriente", así como cualquier otra tendencia en el jazz, todavía tiene sus adeptos, y en algunas escuelas de música de los EE. UU. y Europa, se crean grupos de interpretación de vez en cuando ("Orquesta de EE. Elliot) e incluso se imparten cursos relevantes (en particular, del pianista Ran Blake). La "Tercera Corriente" encontró apologistas en Europa, especialmente después de la actuación del "Modern Jazz Quartet" en el centro de la vanguardia musical mundial Donaueschingen (FRG) en 1954.

Por otro lado, las mejores big bands de swing competían con la música pop en el terreno de la música dance. También hubo nuevas direcciones en la música jazz ligera. Así, el guitarrista brasileño Lorindo Almeida, que se mudó a los Estados Unidos a principios de la década de 1950, trató de convencer a sus colegas de que era posible improvisar a partir del ritmo de la samba brasileña. Sin embargo, recién después de la gira del cuarteto Sten Getz en Brasil aparece la “jazz samba”, que en Brasil recibe el nombre de “bossa nova”. Bossa nova en realidad se convirtió en los primeros signos de la futura música del Nuevo Mundo.

La corriente principal en el jazz de las décadas de 1950 y 1960 sigue siendo bebop, ya llamado hard bop (bop pesado y enérgico; en un momento intentaron introducir el concepto de "neo-bop"), actualizado con geniales hallazgos de improvisación y compositores. En el mismo período, ocurrió un evento que tuvo consecuencias estéticas muy graves, incluso para el jazz. El cantante, organista y saxofonista Ray Charles fue el primero en combinar lo incompatible: las estructuras (en la música vocal también de contenido lírico) del blues y la microestructura de pregunta-respuesta asociada únicamente con el patetismo de los cánticos espirituales. Esta dirección recibe el nombre de “Alma” en la cultura negra (el concepto, en la década radical de 1960, se convirtió en sinónimo de las palabras “negro”, “negro”, “afroamericano”, etc.); el contenido concentrado de todas las características afroamericanas en el jazz y la música pop negra se ha llamado "funky".

En ese momento, el hard bop y el jazz soul se oponían (a veces incluso dentro del mismo grupo, por ejemplo, los hermanos Adderley; uno, el saxofonista Julian "Cannonball", se consideraba seguidor del hard bop, el otro - el cornetista Nat - seguidor del soul jazz). La pieza central del hard bop, esta academia convencional moderna, fue (hasta la muerte en 1990 de su baterista líder Art Blakey) el quinteto Jazz Messengers.

Una serie de discos de la Orquesta Gil Evans, una especie de conciertos para trompeta de Miles Davis con orquesta, publicados a fines de la década de 1950 y principios de la de 1960, correspondían completamente a la estética del cool de la década de 1940, y las grabaciones de Miles Davis de mediados de la década de 1960 (en particular, el álbum Millas Sonrisas), es decir. la apoteosis del bebop actualizado - hard bop, apareció cuando ya estaba de moda la vanguardia del jazz - los llamados. jazz libre.

Jazz libre.

Ya en los trabajos de uno de los álbumes orquestales del trompetista Davis ( Porgy & Bess, 1960), el arreglista Evans sugirió que el trompetista improvise en base no a una secuencia armónica de cierta duración - un cuadrado, sino a una cierta escala - un modo (mode), tampoco aleatorio, sino extraído del mismo tema, pero no el acompañamiento de acordes, sino la melodía misma. El principio de modalidad, perdido por la música europea ya en el Renacimiento, pero aún subyacente a toda la música profesional de Asia (mugham, raga, dastan, etc.), abrió posibilidades verdaderamente ilimitadas para enriquecer el jazz con la experiencia de la cultura musical mundial. . Y Davis y Evans no dejaron de utilizarlo, y sobre el material del flamenco español (es decir, esencialmente euroasiático), que era ideal para este propósito.

El saxofonista colega de Davies, John Coltrane, se volvió hacia la India, el colega de Coltrane, Eric Dolphy, quien murió temprano y brillantemente dotado saxofonista y flautista, se volvió hacia la vanguardia musical europea (el título de su obra es digno de mención). Gazzeloni- en honor al flautista italiano, intérprete de música Luigi Nono y Pierre Boulez).

Paralelamente, en el mismo 1960, dos cuartetos -Eric Dolphy y el saxofonista alto Ornette Coleman (con los trompetistas Don Cherry y Freddie Hubbard, los contrabajistas Charlie Hayden y Scott La Faro)- están grabando un disco jazz libre (jazz libre), desafiantemente decorado con una reproducción del cuadro luz blanca famoso artista abstracto Jackson Pollock. La corriente de conciencia colectiva, que duró aproximadamente 40 minutos, fue una improvisación espontánea, desafiantemente no ensayada (aunque se grabaron dos versiones) de ocho músicos, y solo en el medio todos convergieron por un corto tiempo en un unísono escrito previamente por Coleman. Después de "resumir" modal soul jazz y hard bop en un álbum muy exitoso en todos los aspectos Un amor supremo(incluso comercialmente: se vendieron 250 mil discos), John Coltrane, sin embargo, siguió los pasos de Coleman, grabando el programa Ascensión (Ascensión) con el equipo de vanguardia negro (incluido, por cierto, el saxofonista negro de Copenhague, John Chikai). En el Reino Unido, el saxofonista alto negro de las Indias Occidentales Joe Harriot también promovió el free jazz. Además de Gran Bretaña, se ha desarrollado una escuela independiente de free jazz en los Países Bajos, Alemania e Italia. En otros países, la improvisación colectiva espontánea resultó ser una moda pasajera, una moda de vanguardia (la década de 1960 fue el último período de la vanguardia experimental también en la música académica); al mismo tiempo, se pasó de la estética de la innovación a toda costa a un diálogo posmoderno con el pasado. Se puede decir que el free jazz (junto con otras corrientes de la vanguardia jazzística) es el primer fenómeno del world jazz en el que el Viejo Mundo no era en modo alguno inferior al Nuevo. No es casualidad que muchos artistas de vanguardia estadounidenses, en particular San Ra con su big band, se “escondieran” en Europa durante mucho tiempo (casi hasta finales de los años 60). Un equipo combinado de artistas europeos de vanguardia grabó en 1968 un proyecto muy adelantado a su tiempo. Ametralladora, en el Reino Unido, surgió el "Conjunto de Música Espontánea" y los principios de la improvisación espontánea fueron formulados teóricamente por primera vez (por el guitarrista y líder del proyecto en curso Compañía Derek Bailey). En los Países Bajos había una asociación "Instant Composers Pool", en Alemania: la orquesta de Alexander von Schlippenbach "Globe Unity", la primera ópera de jazz fue grabada por esfuerzos internacionales. Escalera mecánica sobre la colina Carla Blay.

Pero solo unos pocos, entre ellos el pianista Cecil Taylor, el saxofonista y compositor Anthony Braxton, se mantuvieron fieles a los principios de "tormenta y estrés" de finales de los años cincuenta y sesenta.

Al mismo tiempo, los vanguardistas negros -políticos radicales y seguidores de John Coltrane (de hecho, el propio Coltrane, que murió en 1967) -Archie Schepp, los hermanos Aylers, Pharoah Sanders- volvieron a formas modales moderadas de improvisación, a menudo de origen oriental (por ejemplo, Jozef Lateef, Don Cherry). Les siguieron los radicales de ayer como Carla Blay, Don Ellis, Chick Corea, que se pasaron fácilmente al jazz-rock electrificado.

jazz-rock.

La simbiosis de "primos" del jazz y la música rock tuvo que esperar mucho tiempo. Los primeros intentos de acercamiento no fueron hechos ni siquiera por jazzistas, sino por rockeros, músicos de los llamados. rock de metales "y - grupos estadounidenses de Chicago, bluesmen británicos dirigidos por el guitarrista John McLaughlin. El jazz-rock se abordó de forma independiente fuera de los países de habla inglesa, por ejemplo, Zbigniew Namyslovsky en Polonia.

Todos los ojos estaban puestos en el trompetista Miles Davis, una vez más llevando el jazz por un camino peligroso. Durante la segunda mitad de la década de 1960, Davis se acercó gradualmente a la guitarra eléctrica, los sintetizadores de teclado y los ritmos de rock. En 1970 lanzó un álbum cerveza de perras con varios teclistas y McLaughlin a la guitarra eléctrica. A lo largo de la década de 1970, el desarrollo del jazz-rock (también conocido como fusión) estuvo determinado por los músicos que participaron en la grabación de este álbum: el teclista Joe Zawinul y Wayne Shorter crearon el grupo Weather Report, John McLaughlin: el quinteto de la Orquesta Mahavishnu, el pianista Chick Corea - Return to Forever Ensemble, el baterista Tony Williams y el organista Larry Young - Lifetime Quartet, el pianista y teclista Herbie Hancock participó en varios proyectos a la vez. De nuevo el jazz, pero a un nuevo nivel, se acerca al soul y al funk (Hancock y Corea, por ejemplo, participan en las grabaciones del cantante Stevie Wonder). Incluso el destacado pionero del saxofonista tenor de la década de 1950, Sonny Rollins, cambia a la música pop funky por un tiempo.

Sin embargo, a fines de la década de 1970, también hubo un movimiento "contra" hacia la restauración del jazz "acústico" -tanto de vanguardia (el famoso festival "Attic" de Sam Rivers en 1977) como de hard bop- en el mismo año, los músicos del Miles Davis Ensemble de la muestra The 1960s se reencuentran, pero sin el propio Davis, el trompetista Freddie Hubbard toma su lugar.

Con el surgimiento de una figura tan influyente como Wynton Marsalis a principios de la década de 1980, el neo-mainstream o, como también se le llama, el neoclasicismo, toma una posición dominante en el jazz.

Esto no quiere decir que todo se remonte a la primera mitad de la década de 1960. Por el contrario, a mediados de la década de 1980, los intentos de sintetizar tendencias aparentemente mutuamente excluyentes se hicieron cada vez más evidentes; por ejemplo, el hard bop y el funk eléctrico en la asociación de Nueva York "M-base", que incluía a la cantante Cassandra Wilson, la saxofonista Steve Coleman, el pianista Jerry Ellen, o la fusión eléctrica ligera ante el guitarrista Pat Metheny, que colabora tanto con Ornette Coleman como con su colega británico Derek Bailey. El propio Coleman forma inesperadamente un conjunto "eléctrico" con dos guitarristas (incluidos destacados músicos de funk: el guitarrista Vernon Reid y el bajista Jamaladeen Takuma). Sin embargo, al mismo tiempo, no abandona su principio de improvisación colectiva según el método de la “armología” formulado por él.

El principio de la poliestilística se encuentra en el corazón de la escuela de Nueva York "Downtown", encabezada por el saxofonista John Zorn.

finales del siglo XX

El americanocentrismo está dando paso a un nuevo espacio informativo, condicionado, entre otras cosas, por los nuevos medios de comunicación de masas (incluido Internet). En el jazz, como en la nueva música pop, el conocimiento de lenguajes musicales"tercer mundo" y la búsqueda de un "denominador común". Esto es folklore indoeuropeo con Ned Rothenberg en el cuarteto Sync o una mezcla ruso-cárpato en el Moscow Art Trio.

El interés por las culturas musicales tradicionales lleva a los artistas de vanguardia de Nueva York a dominar la música cotidiana diáspora judía, y el saxofonista francés Louis Sklavis - música folclórica búlgara.

Si antes era posible hacerse famoso en el jazz solo "a través de América" ​​(como se supo, por ejemplo, el austriaco Joe Zawinul, los checos Miroslav Vitoush y Jan Gammer, el polaco Michal Urbanyak, el sueco Sven Asmussen, el danés Nils Hennig Oersted-Pedersen, quien emigró de la URSS a 1973 Valery Ponomarev), ahora las principales tendencias del jazz están tomando forma en el Viejo Mundo e incluso subyugando a los líderes del jazz estadounidense, como, por ejemplo, los principios artísticos de la compañía ECM. (folklore, compositor pulido y típicamente europeo en términos de corriente de conciencia "sonora"), formulado por el productor alemán Manfred Eicher sobre el ejemplo de la música del noruego Jan Garbarek, Chick Corea, el pianista Keith Jarrett y el saxofonista Charles Lloyd son ahora confiesa, aún sin estar asociado a esta empresa por contratos de exclusividad. Las escuelas independientes de folklore jazz (world jazz) y jazz de vanguardia también están tomando forma en la URSS (la famosa escuela de Vilnius, entre cuyos fundadores, sin embargo, no había un solo lituano: Vyacheslav Ganelin, de la región de Moscú, Vladimir Chekasin - de Sverdlovsk, Vladimir Tarasov - de Arkhangelsk, pero entre sus estudiantes estaba, en particular, Petras Vishnyauskas). La naturaleza internacional de la corriente principal y el free jazz, la apertura del mundo civilizado conducen al hecho de que "por encima de las barreras" del estado y la nacionalidad, por ejemplo, el influyente grupo polaco-finlandés de Tomasz Stanko -Edvard Vesal o el fuerte estonio- Surge el dúo ruso de Lembit Saarsalu - Leonid Vintskevich. Los límites del jazz se expanden aún más con la participación de la música cotidiana. pueblos diferentes- del país a la chanson en el llamado. bandas de jam.

Literatura:

sargento w. Jazz. M., 1987
Jazz soviético. M., 1987
« Escucha lo que te diré» . Jazzmen sobre la historia del jazz. M, 2000



Como una de las formas de arte musical más veneradas en Estados Unidos, el jazz sentó las bases para toda una industria, presentando al mundo numerosos nombres de brillantes compositores, instrumentistas y vocalistas y generando una amplia gama de géneros. Los 15 músicos de jazz más influyentes son los responsables de un fenómeno global que se ha producido a lo largo del último siglo en la historia del género.

Jazz desarrollado en Años despues XIX y principios del XX como una dirección que combina el sonido clásico europeo y americano con motivos folklóricos africanos. Los cantos se interpretaban con un ritmo sincopado, dando impulso al desarrollo, y posterior formación de grandes orquestas para interpretarlo. La música ha dado un gran paso adelante desde el ragtime hasta el jazz moderno.

La influencia de la cultura musical de África Occidental es evidente en la forma en que se escribe la música y cómo se interpreta. La polirritmia, la improvisación y la síncopa son lo que caracteriza al jazz. Durante el siglo pasado, este estilo ha cambiado bajo la influencia de los contemporáneos del género, quienes aportaron su propia idea a la esencia de la improvisación. Empezaron a aparecer nuevas direcciones: bebop, fusión, jazz latinoamericano, free jazz, funk, acid jazz, hard bop, smooth jazz, etc.

15 arte tatum

Art Tatum es un pianista y virtuoso del jazz que era prácticamente ciego. Es conocido como uno de los más grandes pianistas de todos los tiempos que cambió el papel del piano en el conjunto de jazz. Tatum recurrió al estilo de zancada para crear su propio estilo único de tocar, agregando ritmos de swing e improvisaciones fantásticas al ritmo. Su actitud hacia la música jazz cambió fundamentalmente la importancia del piano en el jazz como instrumento musical de sus características anteriores.

Tatum experimentó con las armonías de la melodía, influyendo en la estructura del acorde y ampliándolo. Todo ello caracterizó el estilo del bebop que, como sabéis, se popularizaría diez años después, cuando aparecieron los primeros discos de este género. Los críticos también notaron su impecable técnica de interpretación: Art Tatum pudo tocar los pasajes más difíciles con tanta facilidad y velocidad que parecía que sus dedos apenas tocaban las teclas blancas y negras.

14 monje thelonious

Algunos de los sonidos más complejos y variados se pueden encontrar en el repertorio del pianista y compositor, uno de los representantes más importantes de la era del bebop y su desarrollo posterior. Su propia personalidad de músico excéntrico contribuyó a la popularización del jazz. Monk, siempre vestido con traje, sombrero y gafas de sol, expresó abiertamente su actitud libre hacia la música de improvisación. No aceptó reglas estrictas y formó su propio enfoque para crear composiciones. Algunas de sus obras más brillantes y famosas son Epistrophy, Blue Monk, Straight, No Chaser, I Mean You y Well, You Needn't.

El estilo de juego de Monk se basó en un enfoque innovador de la improvisación. Sus obras se distinguen por pasajes percusivos y pausas agudas. Muy a menudo, justo durante sus actuaciones, saltaba del piano y bailaba mientras los otros miembros de la banda seguían tocando la melodía. Thelonious Monk sigue siendo uno de los músicos de jazz más influyentes en la historia del género.

13 Carlos Mingus

Reconocido virtuoso del contrabajo, compositor y director de orquesta, fue uno de los músicos más extraordinarios de la escena jazzística. Desarrolló un nuevo estilo musical, combinando gospel, hard bop, free jazz y música clásica. Los contemporáneos llamaron a Mingus "el heredero de Duke Ellington" por su fantástica habilidad para escribir obras para pequeños conjuntos de jazz. En sus composiciones, todos los miembros de la banda demostraron sus habilidades para tocar, cada uno de los cuales no solo tenía talento, sino que se caracterizaba por un estilo de tocar único.

Mingus seleccionó cuidadosamente a los músicos que componían su banda. El legendario contrabajista era conocido por su temperamento, y una vez incluso le dio un puñetazo en la cara al trombonista Jimmy Knepper y le rompió un diente. Mingus sufría de un trastorno depresivo, pero no estaba dispuesto a soportar el hecho de que esto afectara de alguna manera su actividad creativa. A pesar de esta aflicción, Charles Mingus es una de las figuras más influyentes en la historia del jazz.

12 arte blakey

Art Blakey fue un famoso baterista y director de orquesta estadounidense que causó sensación en el estilo y la técnica de tocar la batería. Combinó swing, blues, funk y hard bop, un estilo que se escucha hoy en día en todas las composiciones de jazz moderno. Junto con Max Roach y Kenny Clarke, inventó una nueva forma de tocar el bebop en la batería. Durante más de 30 años, su banda, The Jazz Messengers, ha brindado jazz a muchos artistas de jazz: Benny Golson, Wayne Shorter, Clifford Brown, Curtis Fuller, Horace Silver, Freddie Hubbard, Keith Jarrett y más.

Los Jazz Messengers no solo crearon música fenomenal, sino que fueron una especie de "campo de pruebas musicales" para jóvenes músicos talentosos, como la banda de Miles Davis. El estilo de Art Blakey cambió el sonido mismo del jazz, convirtiéndose en un nuevo hito musical.

11 Mareado Gillespie (Mareado Gillespie)

El trompetista, cantante, compositor y director de orquesta de jazz se convirtió en una figura destacada en la época del bebop y el jazz moderno. Su estilo de trompeta influenció a Miles Davis, Clifford Brown y Fats Navarro. Después de su paso por Cuba, a su regreso a Estados Unidos, Gillespie fue uno de esos músicos que promovieron activamente el jazz afrocubano. Además de su interpretación inimitable en la trompeta característicamente curvada, Gillespie era reconocible por sus anteojos con montura de carey y sus mejillas imposiblemente grandes mientras tocaba.

El gran improvisador de jazz Dizzy Gillespie, así como Art Tatum, innovaron en la armonía. Las composiciones de Salt Peanuts y Goovin' High eran rítmicamente completamente diferentes a los trabajos anteriores. Fiel al bebop a lo largo de su carrera, Gillespie es recordado como uno de los trompetistas de jazz más influyentes.

10 cucaracha max

Los 15 músicos de jazz más influyentes en la historia del género incluyen a Max Roach, un baterista conocido como uno de los pioneros del bebop. Él, como pocos, ha influido en el estilo moderno de tocar la batería. Roach fue un activista de los derechos civiles y colaboró ​​con Oscar Brown Jr. y Coleman Hawkins en el álbum We Insist! - Freedom Now ("¡Insistimos! - Freedom now"), dedicada al centenario de la firma de la Proclama de Emancipación. Max Roach es un representante de un estilo de interpretación impecable, capaz de realizar un largo solo durante todo el concierto. Absolutamente cualquier audiencia estaba encantada con su habilidad sin igual.

9 vacaciones billie

Lady Day es la favorita de millones. Billie Holiday escribió solo unas pocas canciones, pero cuando cantaba, desviaba su voz desde las primeras notas. Su interpretación es profunda, personal e incluso íntima. Su estilo y entonación están inspirados en el sonido de los instrumentos musicales que ha escuchado. Como casi todos los músicos descritos anteriormente, se convirtió en la creadora de un estilo nuevo, pero ya vocal, basado en largas frases musicales y el tempo de cantarlas.

El famoso Strange Fruit es el mejor no solo en la carrera de Billie Holiday, sino en toda la historia del jazz por la conmovedora interpretación de la cantante. Fue galardonada póstumamente con prestigiosos premios e incluida en el Salón de la Fama de los Grammy.

8 Juan Coltrane

El nombre de John Coltrane está asociado con una técnica de interpretación virtuosa, un excelente talento para componer música y una pasión por aprender nuevas facetas del género. En el umbral de los orígenes del hard bop, el saxofonista alcanzó un tremendo éxito y se convirtió en uno de los músicos más influyentes de la historia del género. La música de Coltrane tenía un sonido nítido y él la tocaba con gran intensidad y dedicación. Pudo tocar solo e improvisar en conjunto, creando partes solistas de una duración impensable. Tocando el saxofón tenor y soprano, Coltrane también fue capaz de crear composiciones melódicas de jazz suave.

John Coltrane es el autor de una especie de "reboot bebop", incorporando armonías modales en él. Siendo la principal figura activa de las vanguardias, fue un compositor muy prolífico y no paró de editar discos, grabando unos 50 discos como líder de la banda a lo largo de su carrera.

7 conde base

El revolucionario pianista, organista, compositor y director de orquesta Count Basie dirigió una de las bandas más exitosas de la historia del jazz. En el transcurso de 50 años, Count Basie Orchestra, que incluye a músicos increíblemente populares como Sweets Edison, Buck Clayton y Joe Williams, se ha ganado la reputación de ser una de las grandes bandas más solicitadas de Estados Unidos. Count Basie, nueve veces ganador del premio Grammy, ha inculcado el amor por el sonido orquestal en generaciones de oyentes.

Basie escribió muchas canciones que se han convertido en estándares del jazz, como April in Paris y One O'Clock Jump. Los colegas hablaban de él como una persona discreta, modesta y entusiasta. Si no hubiera sido por la Orquesta Count Basie en la historia del jazz, la era de las grandes bandas habría sonado diferente y ciertamente no tan influyente como lo fue con este destacado líder de banda.

6 coleman hawkins

El saxofón tenor es el símbolo del bebop y de toda la música jazz en general. Y por eso podemos estar agradecidos de ser Coleman Hawkins. Las innovaciones que trajo Hawkins fueron vitales para el desarrollo del bebop a mediados de los años cuarenta. Su contribución a la popularidad de este instrumento puede haber determinado las futuras carreras de John Coltrane y Dexter Gordon.

La composición Body and Soul (1939) se convirtió en el punto de referencia para tocar el saxofón tenor para muchos saxofonistas. Otros instrumentistas también fueron influenciados por Hawkins: el pianista Thelonious Monk, el trompetista Miles Davis, el baterista Max Roach. Su habilidad para improvisaciones extraordinarias lo llevó al descubrimiento de nuevos lados del jazz del género que no fueron tocados por sus contemporáneos. Esto explica en parte por qué el saxofón tenor se ha convertido en una parte integral del conjunto de jazz moderno.

5 Benny Goodman

Se abre el top cinco de los 15 músicos de jazz más influyentes en la historia del género. El famoso Rey del Swing dirigió casi la orquesta más popular de principios del siglo XX. Su concierto en el Carnegie Hall en 1938 es reconocido como uno de los conciertos en vivo más importantes de la historia de la música estadounidense. Este espectáculo demuestra el advenimiento de la era del jazz, el reconocimiento de este género como una forma de arte independiente.

A pesar de que Benny Goodman era el cantante principal de una importante orquesta de swing, también participó en el desarrollo del bebop. Su orquesta se convirtió en una de las primeras, que reunió a músicos de diferentes razas en su composición. Goodman fue un opositor vocal de la Ley Jim Crow. Incluso rechazó una gira por los estados del sur en apoyo de la igualdad racial. Benny Goodman fue una figura activa y reformadora no solo del jazz, sino también de la música popular.

4 Miles Davis

Una de las figuras centrales del jazz del siglo XX, Miles Davis, estuvo en los orígenes de muchos eventos musicales y los vio desarrollarse. Se le atribuye ser pionero en los géneros bebop, hard bop, cool jazz, free jazz, fusión, funk y techno. En su búsqueda constante de un nuevo estilo musical, siempre tuvo éxito y estuvo rodeado de músicos brillantes como John Coltrane, Cannoball Adderley, Keith Jarrett, JJ Johnson, Wayne Shorter y Chick Corea. Durante su vida, Davis recibió 8 premios Grammy y fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Miles Davis fue uno de los músicos de jazz más activos e influyentes del siglo pasado.

3 charlie parker

Cuando piensas en jazz, recuerdas el nombre. También conocido como Bird Parker, fue un pionero del saxofón alto de jazz, músico de bebop y compositor. Su ejecución rápida, sonido claro y talento como improvisador tuvieron un impacto significativo en los músicos de esa época y nuestros contemporáneos. Como compositor, cambió los estándares de la escritura musical de jazz. Charlie Parker fue el músico que cultivó la idea de que los jazzmen son artistas e intelectuales, no solo showman. Muchos artistas han tratado de copiar el estilo de Parker. Sus famosas técnicas de interpretación también se pueden rastrear a la manera de muchos músicos novatos actuales, que toman como base la composición Bird, en consonancia con el apodo de alto-sakosophist.

2 duque ellington

Fue un grandioso pianista, compositor y uno de los más destacados directores de orquesta. Aunque es conocido como un pionero del jazz, también se destacó en otros géneros, como gospel, blues, música clásica y popular. Es a Ellington a quien se le atribuye el establecimiento del jazz como una forma de arte distinta. Con innumerables reconocimientos y premios, la primera gran compositor El jazz nunca ha dejado de mejorar. Fue la inspiración para la próxima generación de músicos, incluidos Sonny Stitt, Oscar Peterson, Earl Hines, Joe Pass. Duke Ellington sigue siendo un genio del piano de jazz reconocido: instrumentista y compositor.

1 Louis ArmstrongLouis Armstrong

Posiblemente el músico de jazz más influyente en la historia del género, también conocido como Satchmo, es un trompetista y cantante de Nueva Orleans. Es conocido como el creador del jazz, quien desempeñó un papel clave en su desarrollo. Las asombrosas habilidades de este intérprete hicieron posible convertir una trompeta en un instrumento de jazz solista. Es el primer músico en cantar y popularizar el estilo scat. Era imposible no reconocer su bajo timbre de voz "tronante".

El compromiso de Armstrong con sus propios ideales influyó en el trabajo de Frank Sinatra y Bing Crosby, Miles Davis y Dizzy Gillespie. Louis Armstrong influyó no solo en el jazz, sino en toda la cultura musical, dando al mundo un nuevo género, una manera única de cantar y tocar la trompeta.

El jazz es una forma de arte musical que surge a principios del siglo XX en Estados Unidos como resultado de la síntesis de las culturas africana y europea y que posteriormente se generalizó.

El jazz es una música asombrosa, viva, en constante desarrollo, que absorbe el genio rítmico de África, los tesoros del arte milenario de los tambores, los cantos rituales y rituales. Agregue el canto coral y solista de iglesias bautistas y protestantes: ¡cosas opuestas se han fusionado, dando al mundo un arte increíble! La historia del jazz es inusual, dinámica, llena de eventos sorprendentes que influyeron en el proceso musical mundial.

¿Qué es Jazz?

Rasgos de personaje:

• polirritmia basada en ritmos sincopados,
• bit - pulsación regular,
• swing: desviación del ritmo, un conjunto de técnicas para realizar textura rítmica,
• improvisación,
• Serie colorida de armónicos y timbres.

Esta rama de la música surgió a principios del siglo XX como una síntesis de las culturas africana y europea como un arte basado en la improvisación combinada con una forma de composición premeditada, pero no necesariamente escrita. Varios intérpretes pueden improvisar al mismo tiempo, incluso si la voz solista es claramente audible en el conjunto. La imagen artística final de una obra depende de la interacción de los miembros del conjunto entre sí y con el público.

El mayor desarrollo de la nueva dirección musical se debió al desarrollo de nuevos modelos rítmicos y armónicos por parte de los compositores.

Además del papel expresivo especial del ritmo, se heredaron otras características de la música africana: la interpretación de todos los instrumentos como percusión, rítmica; el predominio de las entonaciones coloquiales en el canto, la imitación del habla coloquial al tocar la guitarra, el piano, los instrumentos de percusión.

Historia del Jazz

Los orígenes del jazz se encuentran en las tradiciones de la música africana. Sus fundadores pueden considerarse los pueblos del continente africano. Los esclavos traídos al Nuevo Mundo desde África no provenían de la misma familia y, a menudo, no se entendían entre sí. La necesidad de interacción y comunicación condujo a la unificación, a la creación de una sola cultura, incluida la música. Se caracteriza por ritmos complejos, bailes con pisotones, palmas. Junto con motivos de blues, dieron una nueva dirección musical.

Los procesos de mezcla de la cultura musical africana y europea, que ha sufrido grandes cambios, se vienen produciendo desde el siglo XVIII, y en el XIX dieron lugar al surgimiento de una nueva dirección musical. Por lo tanto, la historia mundial del jazz es inseparable de la historia del jazz estadounidense.

Historia del desarrollo del jazz.

Los orígenes del jazz se originan en Nueva Orleans, en el sur de Estados Unidos. Esta etapa se caracteriza por la improvisación colectiva de varias variantes de la misma melodía por parte de un trompetista (voz principal), un clarinetista y un trombonista sobre el fondo de un acompañamiento de marcha de un contrabajo y batería. Un día significativo, el 26 de febrero de 1917, en el estudio de Nueva York de la compañía Victor, cinco músicos blancos de Nueva Orleans grabaron el primer disco de gramófono. Previo al lanzamiento de este disco, el jazz seguía siendo un fenómeno marginal, el folklore musical, y después de eso, en pocas semanas, asombró y estremeció a toda América. La grabación perteneció a la legendaria "Original Dixieland Jazz Band". Así comenzó el jazz americano su orgullosa marcha por el mundo.

En la década de 1920, se encontraron las características principales de los estilos futuros: la pulsación uniforme del contrabajo y la batería, que contribuyó al swing, los solos virtuosos, la forma de improvisación vocal sin palabras usando sílabas separadas ("skat"). El blues ocupó un lugar significativo. Posteriormente, ambos escenarios -Nueva Orleans, Chicago- quedan unidos por el término "Dixieland".

En el jazz americano de los años 20 surgió un sistema armonioso, llamado "swing". El swing se caracteriza por la aparición de un nuevo tipo de orquesta: la big band. Con el aumento del tamaño de la orquesta, fue necesario abandonar la improvisación colectiva y pasar a la interpretación de arreglos grabados en partituras. El arreglo fue una de las primeras manifestaciones del comienzo del compositor.

La big band consta de tres grupos de instrumentos: secciones, cada una puede sonar como un instrumento polifónico: secciones de saxofón (más tarde con clarinetes), sección de "metales" (gaitas y trombones), sección rítmica (piano, guitarra, contrabajo, batería) .

Hubo una improvisación en solitario basada en el "cuadrado" ("coro"). "Square" es una variación, igual en duración (número de compases) al tema, interpretada sobre el fondo del mismo acompañamiento de acordes que el tema principal, al que el improvisador ajusta nuevos giros melódicos.

En la década de 1930, el blues estadounidense se hizo popular y la forma de canción de 32 compases se generalizó. En el swing, el "riff" comenzó a usarse ampliamente: una señal rítmicamente flexible de dos o cuatro compases. Es interpretado por la orquesta mientras el solista improvisa.

Entre las primeras grandes bandas se encontraban orquestas dirigidas por famosos músicos de jazz: Fletcher Henderson, Count Basie, Benny Goodman, Glenn Miller, Duke Ellington. Este último, ya en la década de 1940, recurrió a grandes formas cíclicas basadas en el folclore negro latinoamericano.

Se comercializó el jazz estadounidense en la década de 1930. Por lo tanto, entre los amantes y conocedores de la historia del origen del jazz, surgió un movimiento para revivir estilos genuinos anteriores. El papel decisivo lo jugaron los pequeños conjuntos negros de la década de 1940, que rechazaron todo lo calculado para un efecto externo: la variedad, la danza, el canto. El tema se tocaba al unísono y casi no sonaba en su forma original, el acompañamiento ya no requería regularidad bailable.

Este estilo, que abrió la era moderna, se denominó "bop" o "bebop". Los experimentos de talentosos músicos e intérpretes de jazz estadounidenses (Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y otros) sentaron las bases para el desarrollo de una forma de arte independiente, solo conectada externamente con el género pop y dance.

Desde finales de la década de 1940 hasta mediados de la de 1960, el desarrollo tuvo lugar en dos direcciones. El primero incluía los estilos "cool" - "cool" y "west coast" - "west coast". Se caracterizan por un amplio uso de la experiencia de la música seria clásica y moderna: formas de concierto desarrolladas, polifonía. La segunda dirección incluyó los estilos de "hardbop" - "caliente", "energético" y cercano a él "soul-jazz" (traducido del inglés "soul" - "soul"), combinando los principios del antiguo bebop con las tradiciones. del folklore negro, ritmos temperamentales y entonaciones espirituales.

Ambas direcciones tienen mucho en común en su deseo de deshacerse de la división de la improvisación en cuadrados separados, así como de swing vals y metros más complejos.

Se hicieron intentos para crear obras de gran formato: symphojazz. Por ejemplo, "Rhapsody in Blues" de J. Gershwin, varias obras de I.F. Stravinsky. Desde mediados de los años 50. los experimentos para combinar los principios del jazz y la música moderna se han generalizado nuevamente, ya bajo el nombre de "tercera tendencia", también entre los intérpretes rusos ("Concierto para orquesta" de A.Ya. Eshpay, obras de M.M. Kazhlaev, 2.º concierto para piano con la orquesta de R. K. Shchedrin, la 1ra sinfonía de A. G. Schnittke). En general, la historia de la aparición del jazz es rica en experimentos, estrechamente entrelazados con el desarrollo de la música clásica y sus tendencias innovadoras.

Desde principios de los años 60. Comienzan experimentos activos con improvisación espontánea, no limitados ni siquiera por un tema musical específico: Freejazz. Sin embargo, el principio modal es aún más importante: cada vez que se vuelve a seleccionar una serie de sonidos, un traste y cuadrados no claramente distinguibles. En busca de tales modos, los músicos recurren a las culturas de Asia, África, Europa, etc. En los años 70. Llegan los instrumentos eléctricos y los ritmos de la música rock juvenil, basados ​​en los más finos que antes, aplastando el compás. Este estilo primero se llama "fusión", es decir. "aleación".

En resumen, la historia del jazz es una historia de búsqueda, unidad, experimentos audaces, amor apasionado por la música.

Los músicos y amantes de la música rusos sin duda sienten curiosidad por la historia del surgimiento del jazz en la Unión Soviética.

En el período de preguerra, el jazz en nuestro país se desarrolló dentro de las orquestas de variedades. En 1929, Leonid Utyosov organizó una orquesta pop y llamó a su equipo "Tea-Jazz". El estilo Dixieland y Swing se practicaba en las orquestas de A.V. Varlamova, N. G. Minha, A. N. Tsfasman y otros. Desde mediados de los años 50. comienzan a desarrollarse pequeños grupos de aficionados ("Ocho de la Casa Central de las Artes", "Leningrad Dixieland"). Muchos artistas destacados recibieron un comienzo en la vida en ellos.

En la década de 1970, comenzó la capacitación en los departamentos de música pop de las escuelas de música y se publicaron libros de texto, notas y discos.

Desde 1973 el pianista L.A. Chizhik comenzó a actuar con "noches de improvisación de jazz". Conjuntos dirigidos por I. Bril, "Arsenal", "Allegro", "Kadans" (Moscú), el quinteto D.S. Goloshchekin (Leningrado), equipos de V. Ganelin y V. Chekasin (Vilnius), R. Raubishko (Riga), L. Vintskevich (Kursk), L. Saarsalu (Tallin), A. Lyubchenko (Dnepropetrovsk), M. Yuldybaeva ( Ufa ), la orquesta de O.L. Lundstrem, K. A. Orbelyan, A.A. Kroll ("Contemporáneo").

Jazz en el mundo moderno

El mundo actual de la música es diverso, se desarrolla dinámicamente y están surgiendo nuevos estilos. Para navegar libremente, comprender los procesos en curso, ¡necesita saber al menos una breve historia del jazz! Hoy asistimos a una mezcla de cada vez más culturas del mundo, acercándonos cada vez más a lo que en esencia ya se está convirtiendo en “world music” (músicas del mundo). El jazz de hoy incorpora sonidos y tradiciones de casi todos los rincones del mundo. Incluyendo repensar la cultura africana con la que empezó todo. El experimentalismo europeo con tintes clásicos sigue influyendo en la música de jóvenes pioneros como Ken Vandermark, un saxofonista de vanguardia conocido por su trabajo con contemporáneos de renombre como los saxofonistas Mats Gustafsson, Evan Parker y Peter Brotzmann. Otros músicos jóvenes más tradicionales que continúan buscando sus propias identidades incluyen a los pianistas Jackie Terrasson, Benny Green y Braid Meldoa, los saxofonistas Joshua Redman y David Sanchez, y los bateristas Jeff Watts y Billy Stewart. La antigua tradición sonora continúa y es mantenida activamente por artistas como el trompetista Wynton Marsalis, quien trabaja con un equipo completo de asistentes, toca en sus propias bandas pequeñas y dirige la Orquesta del Lincoln Center. Bajo su patrocinio, los pianistas Marcus Roberts y Eric Reed, el saxofonista Wes "Warmdaddy" Anderson, el trompetista Markus Printup y el vibrafonista Stefan Harris se han convertido en grandes maestros.

El bajista Dave Holland es también un gran descubridor de jóvenes talentos. Entre sus muchos descubrimientos se encuentran los saxofonistas Steve Coleman, Steve Wilson, el vibrafonista Steve Nelson y el baterista Billy Kilson.

Otros grandes mentores de jóvenes talentos incluyen al legendario pianista Chick Corea y al difunto baterista Elvin Jones y la cantante Betty Carter. El potencial para un mayor desarrollo de esta música es actualmente grande y variado. Por ejemplo, el saxofonista Chris Potter lanza un lanzamiento comercial bajo su propio nombre y simultáneamente participa en grabaciones con otro gran baterista de vanguardia, Paul Motian.

Todavía tenemos que disfrutar de cientos de conciertos maravillosos y experimentos audaces, para presenciar el surgimiento de nuevas tendencias y estilos: ¡esta historia aún no ha terminado!

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