El modernismo es la segunda dirección, junto con el realismo, en la literatura y el arte del siglo pasado. El siglo XX entró en la historia cultural como edad del experimento lo que a menudo se convirtió en la norma; siglo de aparición de diversas declaraciones, manifiestos y escuelas, a menudo alzando las armas contra tradiciones arraigadas y cánones inmutables.
El término "modernismo" apareció a finales del siglo XIX. y se atrincheró en tendencias y fenómenos poco realistas en la literatura y el arte. El modernismo ha sido un sistema establecido desde la década de 1920. Sus orígenes filosóficos y psicológicos fueron las ideas de F. Nietzsche, A. Bergson, E. Husserl, los conceptos de Z. Freud, K.-G. Jung, M. Heidegger y otros. Lo principal en la literatura del modernismo (J. Joyce, F. Kafka, M. Proust, W. Wolfe, G. Stein, J.-P. Sartre, A. Camus, E. Ionesco, S. Beckett y otros) es la convicción de una profunda e irresistible la brecha entre la experiencia espiritual del individuo y las tendencias dominantes de la vida social, un sentimiento de aislamiento forzado de una persona del mundo exterior, aislamiento, alienación y el absurdo último de cada existencia individual y de toda la realidad. Centrándose constantemente en este concepto, los escritores modernistas más importantes (principalmente J. Joyce y F. Kafka) lograron, gracias a su gran talento, dar un reflejo completo, aunque desconcertante, de algunas de las características del desarrollo de la sociedad burguesa. . La literatura modernista se caracteriza por intentos de construir armonía estética empobreciendo artificialmente la imagen de la vida, distorsionando o ignorando por completo los procesos reales. Como resultado - llegando al elitismo estructuras artísticas herméticas (W. Wolf, G. Stein y otros). Asunto de la imagen en la literatura del modernismo son, en última instancia, no las verdaderas contradicciones de la sociedad, y su reflejo en la crisis, incluso la conciencia patológica de una persona, su cosmovisión inicialmente trágica asociada con incredulidad en la racionalidad de la historia, en el curso progresivo de su desarrollo y la oportunidad de influir en la realidad eligiendo una determinada posición y asumiendo la responsabilidad de ella. Para modernistas el hombre sigue siendo víctima de fuerzas hostiles incognoscibles, moldeando su destino. Polémicas con el concepto de hombre y con toda la cosmovisión del modernismo forma la esencia de obras tan importantes del realismo del siglo XX como "Doctor Fausto" de T. Mann, "El juego de cuentas de cristal" de G. Hesse, etc.
El modernismo como movimiento literario parece ser variado en su composición de aspiraciones y manifiestos ideológicos y políticos, incluye muchas escuelas y grupos diferentes, unidos por una cosmovisión pesimista, las aspiraciones de un artista. no reflejar la realidad objetiva, sino expresarse, Instalación sobre el subjetivismo, la deformación. Modernismo ayudó a llamar la atención sobre la singularidad del mundo interior de una persona, desencadenar la fantasía del creador como un fenómeno del mundo real que rodea a una persona. El artista no es menos importante, argumentó P. Picasso, que lo que representa.
El modernismo literario tiene dos variedades principales.
1. Se presenta de manera convincente el modernismo “serio” o “problemático”, que desarrolla las ideas de elitismo y aislamiento del arte. "padres de la novela modernista" J. Joyce, M. Proust, F. Kafka.
escritor angloirlandés James Joyce(1882-1941) se hizo famoso como creador de la escuela de la “corriente de conciencia”. En la famosa novela "Ulises" (1922), se propuso mostrar todas las variantes posibles de la técnica nombrada y llevó a cabo su plan con tanto talento que su nombre se hizo conocido en todo el mundo inmediatamente después de la publicación de la novela. En un principio, el libro experimental de Joyce se publicó en París (1922), donde el escritor vivía exiliado. Ulises permaneció prohibido por inmoralidad en Inglaterra y Estados Unidos hasta 1937, aunque se publicaron fragmentos de la novela en pequeñas revistas estadounidenses. Hoy en día, la experiencia de Joyce, como la escuela de la "corriente de la conciencia", es ampliamente utilizada por redactores de palabras de diferentes direcciones, escuelas y conceptos.
Cómo es la técnica de escritura del flujo de conciencia monólogo interno ilógico, reproduciendo el caos de pensamientos y experiencias, los más mínimos movimientos de conciencia. es asociativo libre corriente de pensamientos en la secuencia en que surgen, se interrumpen entre sí y se llenan de montones ilógicos. La verdadera esencia de una persona, argumentó, no está en la vida y las acciones externas, y en la vida interior, Emocional e irracional, no obedece a las leyes de la lógica. Muchos artistas literarios, desde M. Proust hasta W. Faulkner y escritores de América Latina, intentaron revelar el secreto de la conciencia en sus obras con la ayuda de la "corriente de la conciencia".
Un género, un estilo y un sistema de símbolos completamente especiales son característicos de Ulises, que S. Zweig llamó "la obra más grande de nuestros días", y su autor, "el Homero de nuestros días".
Existen muchas versiones de la lectura de la “novela-mito”, “la novela-laberinto”. Ulises contiene 18 episodios similares a la Odisea de Homero, aunque su orden no siempre es el mismo. Su composición es de tres partes, como la epopeya homérica: parte 1 - "Telemachis", parte 2 - "Las andanzas de Odiseo", parte 3 - "Regreso a casa". El epicismo expresado en la composición de la novela se contradice en el sentido tradicional con su contenido. En el vasto espacio de la novela (1500 páginas), sólo se narra un día: 16 de junio de 1904 un día no particularmente notable para sus héroes: un profesor de historia, un intelectual Esteban Dédalus, agente de publicidad Leopoldo Bloom y su esposa cantante Marion o Molly. Varios eventos sucediendo con ocho de la mañana hasta las tres de la madrugada, recreado en diferentes episodios de la novela. Contiene 18 ángulos diferentes y la misma cantidad de estilos estilísticos diferentes, con su ayuda el autor buscó penetrar los secretos de la conciencia.
Con un excelente conocimiento de los clásicos mundiales, Joyce abandonó el conocido carácter descriptivo y se dedicó a la creación de mitos. Su "Ulises" no es sólo una cierta analogía con la "Odisea", sino también una parodia de la misma. Al explorar los laberintos de la conciencia, somete a sus héroes a un "escaneo de rayos X" utilizando diversas modificaciones de la "corriente de conciencia". Utilizando la mitología griega antigua, el propio Joyce creó un mito moderno y antiguo, estilizado y original. El principal simbolismo de la novela es el encuentro de padre e hijo, Odiseo y Telémaco, Stephen Dedalus y Leopold Bloom. Dublín está inmortalizada en Ulises como una imagen artística tan talentosa como París de E. Zola, Londres en la novela de W. Woolf, San Petersburgo de F.M. Dostoievski y A. Bely.
En la polifacética novela de Joyce los clásicos mundiales son citados y parodiados, Los tres personajes principales son desheroizados, a veces deliberadamente transferidos a un plano biológico primitivo, hay "establos de Augías" del mundo interior y la conciencia humana. Hay muchos materiales interpolados en Ulises: artículos periodísticos, datos autobiográficos, citas de tratados científicos, obras históricas y manifiestos políticos, en los que predomina la querida Irlanda, el tema de su independencia y el espinoso camino hacia ella. La novela da testimonio de La asombrosa erudición de Joyce.
1. Vanguardia (del francés - vanguardia) - el segundo tipo de modernismo. Un amplio campo semántico conduce a las esquivas líneas del vanguardismo, que históricamente une varias direcciones y tendencias: desde el simbolismo pasando por el futurismo, el expresionismo, el dadaísmo hasta el surrealismo y el arte pop. Se caracterizan por problemas psicológicos. atmósfera de rebelión, un sentimiento de vacío y soledad, orientación hacia un futuro vagamente imaginado. “La vanguardia se esfuerza por deshacerse de los sedimentos del pasado, de las tradiciones” (J. Mukarzhovsky).
La vanguardia no simplemente tacha la realidad: avanza hacia su realidad, apoyándose en las leyes inmanentes del arte. Por ejemplo, rechazó las formas estereotipadas de conciencia de masas, no aceptó la guerra, la locura de la tecnocracia, la esclavitud del hombre; la idea de libertad acerca a la revolución a la vanguardia generalmente apolítica. La vanguardia aportó un nuevo espíritu al arte del siglo XX: introdujo temas urbanos y nuevas técnicas en la poesía, nuevos principios de composición y diversos estilos funcionales de habla, diseño gráfico, verso libre y sus variaciones.
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Introducción
1. Literatura de la primera mitad del siglo XX
2. El modernismo como dirección de la literatura.
3. Técnica del “Corriente de Conciencia”
Conclusión
Lista de literatura usada
Introducción
La principal dirección de la literatura del siglo XX es el modernismo, que abarca no sólo el ámbito de la literatura, sino también el arte y la cultura del siglo pasado. En el marco del modernismo se forman escuelas literarias como el surrealismo, el dadaísmo y el expresionismo, que tienen una influencia significativa en el novelismo, el teatro y la poesía.
La reforma innovadora del género novelesco se expresa en la formación de una literatura de “corriente de conciencia”, que cambia el concepto mismo del género, las categorías de tiempo y espacio en la novela, la interacción del héroe y el autor, y la estilo de narración.
D. Joyce, W. Wolfe y M. Proust son los creadores y teóricos de esta literatura, pero la estrategia narrativa de la "corriente de conciencia" influye en todo el proceso literario en su conjunto.
La prosa filosófica de principios del siglo XX adquirió las características de una “novela cultural”; tales novelas combinan en sus modificaciones de género el ensayismo, la historia del desarrollo de la personalidad, la confesión y el periodismo. T. Mann definirá este tipo de prosa como una “novela intelectual”.
La estetización de la conciencia artística en la novela modernista e intelectual habla de la formación de una “literatura de élite”, donde el objetivo del escritor se convierte en el problema de la búsqueda espiritual, una “supertarea”, cuya imposibilidad de solución conduce al abandono de lo molesto. Didáctica sencilla y sencilla de la novela del siglo XIX.
La literatura de la “generación perdida” y la prosa psicológica conservan temas históricos y sociales relevantes. Esta literatura se propone la tarea de explorar la sociedad moderna y el héroe moderno. En general, el proceso literario de la primera mitad del siglo XX se caracteriza por la diversidad y amplitud de fenómenos innovadores, nombres llamativos y representa un rico material de estudio.
1. Literatura de la primera mitad.XXsiglo
La llegada del siglo XXI convierte al siglo XX en el anterior, así como el siglo XIX fue el pasado en relación con el siglo XX. El cambio de siglo siempre ha provocado resúmenes y el surgimiento de supuestos predictivos sobre el futuro. La suposición de que el siglo XX sería algo diferente del XIX comenzó incluso antes de que comenzara. La crisis de la civilización, que los románticos previeron intuitivamente, se hizo plenamente realidad con el paso del siglo: comienza con la guerra anglo-bóer, luego se sumerge en dos guerras mundiales, la amenaza de la entropía atómica y una gran cantidad de conflictos militares locales.
La creencia de que el florecimiento de las ciencias naturales y los nuevos descubrimientos ciertamente mejorarán la vida de las personas es destruida por la práctica histórica. La cronología del siglo XX ha revelado una amarga verdad: en el proceso de mejora de la tecnología, se está perdiendo el contenido humanista de la existencia humana. Esta idea ya se está volviendo tautológica a finales del siglo XX. Pero los filósofos y artistas tuvieron la premonición de que el camino equivocado había sido tomado incluso antes, cuando el siglo XIX estaba terminando y el nuevo siglo comenzaba. F. Nietzsche escribió que la civilización es una fina capa de oro sobre la esencia animal del hombre, y O. Spengler en su obra "Causalidad y destino. La decadencia de Europa" (1923) habló sobre la muerte fatal e inevitable de la cultura europea.
La Primera Guerra Mundial, después de haber destruido relaciones sociales y estatales bastante estables del siglo XIX, enfrentó a la gente con la inexorable urgencia de revisar los valores anteriores, buscar su propio lugar en una realidad cambiada y comprender que el mundo exterior es hostil y agresivo. El resultado de repensar el fenómeno de la vida moderna fue que la mayoría de los escritores europeos, especialmente la generación más joven que llegó a la literatura después de la Primera Guerra Mundial, se mostraron escépticos sobre la primacía de la práctica social sobre el microcosmos espiritual del hombre. Habiendo perdido las ilusiones en la evaluación del mundo que los crió y retrocediendo ante el filisteísmo bien alimentado, la intelectualidad percibió el estado de crisis de la sociedad como el colapso de la civilización europea en general. Esto generó pesimismo y desconfianza hacia los autores jóvenes (O. Huxley, D. Lawrence, A. Barbusse, E. Hemingway). La misma pérdida de pautas estables sacudió la percepción optimista de los escritores de la generación anterior (H. Wells, D. Galsworthy, A. France).
La Primera Guerra Mundial, que atravesó la joven generación de escritores, se convirtió para ellos en una prueba difícil y en una revelación de la falsedad de las falsas consignas patrióticas, lo que reforzó aún más la necesidad de buscar nuevas autoridades y valores morales y llevó a muchos de huir al mundo de las experiencias íntimas. Esta fue una especie de escape de la influencia de las realidades externas. Al mismo tiempo, los escritores que conocían el miedo y el dolor, el horror de una muerte cercana y violenta, no podían seguir siendo los mismos estetas que despreciaban los aspectos repulsivos de la vida. Los autores fallecidos y regresados (R. Aldington, A. Barbusse, E. Hemingway, Z. Sassoon, F.S. Fitzgerald) fueron clasificados por los críticos como la llamada “generación perdida”. Aunque el término no hace justicia a la importante huella que estos artistas dejaron en las literaturas nacionales, los estudiosos de la literatura continúan enfatizando su mayor comprensión del hombre durante y después de la guerra. Se puede decir que los escritores de “El culto perdido” fueron los primeros autores que llamaron la atención de los lectores sobre ese fenómeno, que en la segunda mitad del siglo XX se denominó “síndrome de guerra”.
El sistema estético más poderoso que surgió en la primera mitad del siglo fue el modernismo, que analizó la vida privada de una persona, el valor intrínseco de su destino individual en el proceso de los “momentos del ser” (W. Wolfe, M. Proust, T. S. Eliot, D. Joyce, F. Kafka).
Desde el punto de vista de los modernistas, la realidad externa es hostil al individuo; produce la tragedia de su existencia. Los escritores creían que el estudio de la espiritualidad es una especie de regreso a los orígenes y el descubrimiento del verdadero "yo", porque una persona primero se reconoce a sí misma como sujeto y luego crea relaciones sujeto-objeto con el mundo.
La novela psicológica de M. Proust, centrada en el análisis de diferentes estados de la personalidad en diferentes etapas de la vida, tuvo una indudable influencia en el desarrollo de la prosa del siglo XX. El experimento de D. Joyce en el campo de la novela, su intento de crear una odisea moderna, dio lugar a muchas discusiones e imitaciones. En la poesía de la primera mitad del siglo XX se produjeron los mismos procesos que en la prosa. Al igual que la prosa, la poesía se caracteriza por una actitud crítica hacia la civilización tecnogénica y sus resultados.
Experimentos poéticos de T. Tzar, A. Breton, G. Lorca, P. Eluard, T.S. Eliot contribuyó a la transformación del lenguaje poético. Los cambios afectaron tanto a la forma artística, que se volvió más sofisticada (evidentemente se evidenciaba una síntesis de diferentes tipos de arte) como al aspecto esencial, cuando los poetas buscaban penetrar en el subconsciente. La poesía, más que antes, gravita hacia el subjetivismo, el simbolismo y la naturaleza encriptada; se utiliza activamente la forma libre del verso (verso libre).
La tendencia realista en la literatura amplió los límites de la experiencia tradicional de exploración artística del mundo, establecida en el siglo XIX. B. Brecht cuestionó la tesis sobre la “realidad”, es decir, la imitación del arte realista como su propiedad indispensable e inmutable. La experiencia de Balzac y Tolstoi fue importante desde el punto de vista de la preservación de la tradición y la comprensión de las conexiones intertextuales. Pero el escritor creía que cualquier fenómeno estético, incluso el pináculo, no puede ser "enlatado" artificialmente, de lo contrario se convierte en un dogma que interfiere con el desarrollo orgánico de la literatura.
Cabe destacar especialmente que el realismo utilizó con bastante libertad los principios de la estética no realista. El arte realista del siglo XX es tan diferente de las versiones clásicas del siglo anterior que la mayoría de las veces es necesario estudiar la obra de cada escritor individualmente.
Los problemas del desarrollo humanista del hombre y la sociedad, la búsqueda de la verdad, que, en palabras del autor británico de la segunda mitad del siglo, W. Golding, es "siempre la misma", preocupaban tanto a los modernistas como a los no modernistas. igualmente. El siglo XX fue tan complejo y contradictorio, tan multidimensional, que los escritores modernistas y no modernistas, al comprender la naturaleza global de los procesos que tienen lugar en el mundo y, a menudo, resolver los mismos problemas, sacaron conclusiones directamente opuestas. La fragmentación analítica de los fenómenos emprendida por los modernistas en busca de significados ocultos se combina en el flujo general de la literatura de la primera mitad del siglo con la búsqueda de los realistas que buscan sintetizar los esfuerzos por comprender los principios generales de la reflexión artística del mundo para detener la decadencia de los valores y la destrucción de la tradición, para no interrumpir la conexión de los tiempos.
2. El modernismo como dirección en la literatura.
Modernismo es un término general aplicado en retrospectiva a una amplia área de movimientos experimentales y de vanguardia en la literatura y otras artes a principios del siglo XX. Esto incluye movimientos como el simbolismo, el futurismo, el expresionismo, el imagismo, el vorticismo, el dadaísmo y el surrealismo, así como otras innovaciones de los maestros de su oficio.
El modernismo (modernismo italiano - "movimiento moderno"; del latín modernus - "moderno, reciente") es una dirección en el arte y la literatura del siglo XX, caracterizada por una ruptura con la experiencia histórica anterior de la creatividad artística, el deseo de establecer nuevos principios no tradicionales en el arte, renovación continua de las formas artísticas, así como la convencionalidad (esquematización, abstracción) del estilo.
Si abordamos la descripción del modernismo con seriedad y consideración, quedará claro que los autores clasificados como modernistas en realidad se propusieron metas y objetivos completamente diferentes, escribieron de diferentes maneras, vieron a las personas de manera diferente y, a menudo, lo que los unía era que simplemente vivían y escribió al mismo tiempo. Por ejemplo, el modernismo incluye a Joseph Conrad y David Gerberg Lawrence, Virginia Woolf y Thomas Stearns Eliot, Guillaume Apollinaire y Marcel Proust, James Joyce y Paul Eluard, futuristas y dadaístas, surrealistas y simbolistas, sin pensar si hay algo entre ellos. en común, excepto la época en la que vivieron. Los críticos literarios más honestos consigo mismos y con sus lectores admiten el hecho de que el propio término "modernismo" es vago. modernismo literatura consciente inconsciente
La literatura modernista se caracteriza, ante todo, por el rechazo de las tradiciones del siglo XIX, su consenso entre el autor y el lector. Las convenciones del realismo, por ejemplo, fueron rechazadas por Franz Kafka y otros novelistas, incluido el drama expresionista, y los poetas abandonaron el sistema métrico tradicional en favor del verso libre.
Los escritores modernistas se veían a sí mismos como una vanguardia que desafiaba los valores burgueses y desafiaba al lector a pensar en nuevas formas y estilos literarios desafiantes. En la ficción, Joseph Conrad, Marcel Proust y William Faulkner dieron la vuelta al flujo convencional de acontecimientos cronológicos, mientras que James Joyce y Virginia Woolf introdujeron nuevas formas de seguir el flujo de pensamientos de sus personajes utilizando el estilo de flujo de conciencia. .
El comienzo del siglo XX estuvo acompañado tanto de cambios sociales como del desarrollo del pensamiento científico; el viejo mundo estaba cambiando ante nuestros ojos y los cambios a menudo superaron la posibilidad de su explicación racional, lo que llevó a la decepción del racionalismo. Para comprenderlos, se necesitaban nuevas técnicas y principios para generalizar la percepción de la realidad, una nueva comprensión del lugar del hombre en el universo (o "Cosmos"). No es casualidad que la mayoría de los representantes del modernismo buscaran un sustrato ideológico en conceptos filosóficos y psicológicos populares que prestaban atención a los problemas de la individualidad: en el freudismo y el nietzscheanismo. La variedad de conceptos iniciales de cosmovisión, por cierto, determinó en gran medida la diversidad de movimientos y manifiestos literarios: del surrealismo al dadaísmo, del simbolismo al futurismo, etc. Pero la glorificación del arte como una especie de conocimiento místico secreto, que se opone al absurdo del mundo, y la cuestión del lugar del individuo con su conciencia individual en el Cosmos, la tendencia a crear sus propios nuevos mitos nos permiten considerar el modernismo como un movimiento literario único.
El personaje favorito de los prosistas modernos es el “hombrecito”, la imagen más frecuente de un empleado medio (típicos son el corredor Bloom en el Ulises de Joyce o Gregor en La reencarnación de Kafka), ya que quien sufre es una persona desprotegida, un juguete. de poderes superiores. El camino de la vida de los personajes es una serie de situaciones, el comportamiento personal es una serie de actos de elección, y la elección real se realiza en situaciones “límites”, a menudo poco realistas. Los héroes modernistas viven como si estuvieran fuera del tiempo real; La sociedad, el gobierno o el Estado son para ellos una especie de fenómeno enemigo de naturaleza irracional, si no francamente mística. Camus equipara, por ejemplo, entre vida y peste. En general, en la descripción de los prosistas modernistas, el mal, como de costumbre, rodea a los héroes por todos lados. Pero a pesar de la irrealidad externa de las tramas y circunstancias representadas, a través de la autenticidad de los detalles se crea un sentimiento de realidad o incluso de cotidianidad de estas situaciones míticas. Los autores suelen vivir como propia la soledad de estos héroes frente a la luz enemiga. El rechazo de la posición de “omnisciencia” permite a los escritores acercarse a los personajes que representan y, en ocasiones, identificarse con ellos. Se debe prestar especial atención al descubrimiento de un método tan nuevo para presentar un monólogo interno como una "corriente de conciencia", en la que tanto el sentimiento del héroe como lo que ve, y los pensamientos con asociaciones causadas por las imágenes que surgen. , junto con el proceso mismo de su aparición, se mezclan, como si estuvieran en forma "inédita".
3. Técnica del “flujo de conciencia”
La corriente de conciencia es una técnica en la literatura del siglo XX, predominantemente de dirección modernista, que reproduce directamente la vida mental, experiencias, asociaciones, pretendiendo reproducir directamente la vida mental de la conciencia a través de la cohesión de todo lo anterior, así como a menudo no linealidad y falta de sintaxis.
El término "corriente de conciencia" pertenece al filósofo idealista estadounidense William James: la conciencia es una corriente, un río en el que pensamientos, sensaciones, recuerdos, asociaciones repentinas se interrumpen constantemente y se entrelazan de una manera extraña e "ilógica" ("Fundamentos de Psicología”, 1890). El "flujo de conciencia" representa a menudo un grado extremo, una forma extrema de "monólogo interior"; en él, las conexiones objetivas con el entorno real suelen ser difíciles de restablecer.
Flujo de conciencia crea la impresión de que el lector está escuchando a escondidas su experiencia en la mente de los personajes, lo que le da acceso íntimo directo a sus pensamientos. Incluye también la representación en texto escrito de aquello que no es puramente verbal ni puramente textual.
Esto se logra principalmente a través de dos formas de narración y citación y del monólogo interno. Al mismo tiempo, las sensaciones, experiencias y asociaciones a menudo se interrumpen y se entrelazan entre sí, como ocurre en un sueño, que a menudo es lo que es nuestra vida, según el autor: después de despertarnos, todavía estamos durmiendo.
Las posibilidades de esta técnica quedaron verdaderamente reveladas en las novelas de M. Proust, W. Woolf y J. Joyce. Fue con su mano ligera que el concepto de "imagen central" desapareció en la novela y fue reemplazado por el concepto de "conciencia central".
J. Joyce fue el primero en utilizar la "corriente de conciencia" total. Se considera con razón que la obra central de la "corriente de la conciencia" es "Ulises", que demostró tanto el apogeo como el agotamiento de las posibilidades de este método: el estudio de la vida interior de una persona se combina con la difuminación de los límites del carácter. .
Stephen Dedalus es un intelectual frío cuya mente está constantemente ocupada con pensamientos inusuales:
...La modalidad irrevocable de lo visible. Al menos esto, si no más, es lo que mis ojos dicen a mis pensamientos. Estoy aquí para leer las marcas de la esencia de las cosas: todas estas algas, los alevines, la marea alta, esa bota oxidada de allí. Mocos verdes, azul plateado, oxidados: marcas de colores. Límites de la transparencia. Pero añade: en los cuerpos. Esto significa que aprendió que los cuerpos eran anteriores a que fueran coloreados. ¿Cómo? Y golpearlos en la cabeza, ¿de qué otra manera? Con cuidado. Era calvo y millonario, maestro di color che sanno [maestro de los que saben (italiano Dante. Inferno, IV, 131)].
Límite de transparencia... ¿Por qué...? Transparente, opaco. Donde caben los cinco dedos, es una puerta, donde no, es una puerta. Cierra los ojos y mira.
Leopold Bloom es un hombre común y corriente, una persona promedio cuyas ideas sobre el mundo son limitadas:
El señor Bloom miró con afable interés a la flexible criatura negra.
Se ve bien: el pelaje es liso y brillante, hay un botón blanco debajo de la cola, los ojos son verdes y brillantes. Se inclinó hacia ella y apoyó las palmas de las manos en las rodillas. "¡Leche para el coño!"
¡Mrrau! - maulló fuerte.
Dicen que son estúpidos. Entienden lo que decimos mejor que nosotros los entendemos. Éste entenderá todo lo que quiera. Y vengativo. Me pregunto cómo le parezco a ella. ¿Tan alto como una torre? No, ella puede saltar sobre mí". "Pero le tienen miedo a las gallinas", bromeó él.
Miedo a los pollitos. Nunca había visto un coño tan estúpido en mi vida. Cruel. Está en su naturaleza. Es extraño que los ratones no chillen. Es como si les gustara.
¡Mgrrau! - maulló más fuerte. Sus ojos, codiciosos, entrecerrados por la vergüenza, parpadearon y, maullando lastimera y prolongadamente, dejó al descubierto sus dientes blancos como la leche. Vio cómo las rendijas negras de sus pupilas se estrechaban con avidez, convirtiendo sus ojos en guijarros verdes. Fue al armario, tomó la jarra recién llenada por el repartidor de Hanlon, vertió la leche tibia y burbujeante en el platillo y lo colocó con cuidado en el suelo.
¡Maullar! - chilló, corriendo hacia la comida.
Observó cómo su bigote brillaba metálico en la penumbra y cómo, después de probárselo tres veces, comenzaba a lamer fácilmente. ¿Es cierto o no que si te cortas el bigote no podrás cazar? ¿Por qué? Quizás las puntas brillen en la oscuridad. O quizá sirvan de palpos.
Ahora disfrutemos de la “corriente de conciencia” femenina de Molly Bloom, en la que Joyce, según muchos, reveló la verdadera esencia del alma femenina:
... es para ti que el sol brilla”, dijo aquel día mientras estábamos tumbados entre los rododendros en el cabo Howth; él está con un traje de tweed gris y un sombrero de paja, el día en que conseguí que me propusiera matrimonio, y primero dejé que me mordiera un trozo de galleta de comino de los labios; era un año bisiesto como ahora y hace 16 años. . Dios mío, después de ese largo beso casi me asfixio, sí dijo - Soy una flor de montaña, sí es verdad, somos flores, todo el cuerpo femenino, sí esta es la única verdad que dijo en toda su vida y la Hoy brilla el sol para ti, y por eso me gustó, porque vi que entendía o sentía lo que era una mujer, y sabía que siempre podía hacer con él lo que quisiera, y le daba tanto placer como yo. podía, y siguió empezando lo excitó hasta que me pidió que dijera que sí, y yo no respondí primero, solo miré el mar y el cielo y recordé todo lo que él no sabía: Mulvey, y el Sr. Stanhope, y Hester, y su padre, y el viejo capitán Grove, y los marineros en el muelle jugando a los pájaros en vuelo, y permaneciendo quietos y lavando platos, como lo llamaban, y un centinela frente a la casa del gobernador con un casco blanco y una banda: el el pobre casi se derrite, y las risueñas muchachas españolas con chales y peinetas altas en el pelo, y el mercado matutino de griegos, judíos, árabes y el mismo diablo no sabe quién más de toda Europa, y Duke Street, y los cloqueantes mercado de pájaros no lejos del Larbi de Sharon, y pobres burros caminaban medio dormidos, y vagabundos desconocidos con impermeables, dormitando en las escaleras a la sombra, y las enormes ruedas de carretas de bueyes, y el antiguo castillo milenario, y el hermoso Moros con túnicas blancas y turbantes, como reyes que invitan a sentarse en sus tiendecitas, y Ronda donde las posadas con ventanas antiguas donde el abanico ocultaba la mirada centelleante, y el señor besa los barrotes, y bodegas entreabiertas por la noche y castañuelas y la noche en que perdimos el barco en Algeciras, y el sereno caminaba tranquilamente con su linterna, y... ¡Oh, aquel terrible arroyo que hervía abajo, Ah, y el mar, el mar como escarlata! fuego, y suntuosos atardeceres, y higueras en los jardines de la Alameda, y todas las calles pintorescas, y casas de color azul amarillo rosado, callejones de rosas, y jazmines, geranios, cactus y Gibraltar, donde yo era una niña, y la Flor de la Montaña. , y cuando me prendía una rosa en el pelo, como hacen las andaluzas, o me prendía una escarlata..., sí..., y cómo me besaba bajo la muralla morisca, y yo me preguntaba si le importaba a él o a otro, y entonces le dije con la mirada que volviera a preguntar... y entonces me preguntó: - ¿Me gustaría... sí... decir que sí, mi flor de montaña... y primero lo rodeé con mis brazos, sí… y lo atraí hacia mí para que sintiera mis pechos, su olor… sí, y su corazón latía locamente y… sí… dije sí… quiero… Sí.
Como puede ver, aprendimos la esencia de los personajes no porque el autor nos lo contó (el autor está muerto), lo aprendimos porque nosotros mismos penetramos en sus pensamientos.
Por supuesto, la “corriente de conciencia” es el método más conocido de transmitir psicologismo, pero de ninguna manera es ideal, como señala Vladimir Nabokov:
“La técnica del “flujo de conciencia” sacude inmerecidamente la imaginación de los lectores. Me gustaría presentar las siguientes reflexiones. En primer lugar, esta técnica no es más “realista” ni más “científica” que cualquier otra. El hecho es que la "corriente de conciencia" es una convención estilística, ya que, obviamente, no pensamos solo en palabras, también pensamos en imágenes, pero la transición de palabras a imágenes se puede registrar directamente en palabras solo si hay Sin descripción. En segundo lugar, algunos de nuestros pensamientos van y vienen, otros permanecen; en cierto modo se asientan, descuidados y lentos, y los pensamientos y pensamientos actuales necesitan algún tiempo para rodear estos arrecifes. La desventaja de la reproducción escrita de pensamientos es la confusión del elemento temporal y el papel demasiado importante asignado al signo tipográfico”.
Conclusión
La literatura del siglo XX en su diversidad estilística e ideológica es incomparable con la literatura del siglo XIX, donde sólo se pudieron identificar tres o cuatro tendencias principales. Al mismo tiempo, la literatura moderna no ha producido más talentos que la literatura del siglo XIX.
La literatura europea de la primera mitad del siglo XX estuvo influenciada por el modernismo, que, ante todo, se manifiesta en la poesía. Así, los poetas franceses P. Eluard (1895-1952) y L. Aragon (1897-1982) fueron figuras destacadas del surrealismo.
Sin embargo, lo más significativo en el estilo Art Nouveau no fue la poesía, sino la prosa: las novelas de M. Proust ("En busca del tiempo perdido"), J. Joyce ("Ulises"), F. Kafka ("El castillo" ). Estas novelas fueron una respuesta a los acontecimientos de la Primera Guerra Mundial, que dieron origen a una generación que fue llamada “perdida” en la literatura. Analizan las manifestaciones espirituales, mentales y patológicas de una persona. Lo que tienen en común es una técnica metodológica: el uso del método de análisis de la "corriente de conciencia", descubierto por el filósofo francés, representante del intuicionismo y la "filosofía de la vida" Henri Bergson (1859-1941), que consiste en Describir el flujo continuo de pensamientos, impresiones y sentimientos humanos. Describió la conciencia humana como una realidad creativa en continuo cambio, como un flujo en el que el pensamiento es sólo una capa superficial, sujeta a las necesidades de la práctica y la vida social.
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La variedad de géneros, estilos y métodos artísticos en la literatura rusa de finales del siglo XIX y principios del XX. El surgimiento, desarrollo, características principales y representantes más destacados de los movimientos del realismo, modernismo, decadencia, simbolismo, acmeísmo, futurismo.
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Poesía mística. El misticismo español del siglo XVI es un fenómeno social generalizado que expresó las secretas aspiraciones amantes de la libertad y las búsquedas espirituales de la parte ilustrada y progresista de la sociedad española, plenamente reflejadas en la literatura.
informe, añadido el 26/07/2007
Emile Zola es un escritor, publicista y activista político francés. Obras de Maupassant, Flaubert, Dickens, Balzac, Bayle (Stendhal), Mérimée, Thackeray, Proust, Mann, Joyce, Ibsen, Verlaine, Rimbaud, Wilde, Collins, Poe, Verne, Sand y Brontë.
presentación, añadido el 21/04/2013
El surgimiento del género distópico, sus rasgos en la literatura del primer tercio del siglo XX. Modelo distópico del mundo en las novelas de F. Kafka "El juicio" y "El castillo". Características de la poética y cosmovisión de A. Platonov. Modelo mitopoético del mundo en la novela "Chevengur".
tesis, agregada el 17/07/2017
El fenómeno de la locura es un tema transversal en la literatura. Interpretación cambiante del tema de la locura en la literatura de la primera mitad del siglo XIX. Desacralización de la locura como consecuencia del desarrollo de la psiquiatría científica y el paso en la literatura del romanticismo al realismo. El principio de dualidad.
artículo, añadido el 21/01/2009
Literatura extranjera y acontecimientos históricos del siglo XX. Direcciones de la literatura extranjera de la primera mitad del siglo XX: modernismo, expresionismo y existencialismo. Escritores extranjeros del siglo XX: Ernest Hemingway, Bertolt Brecht, Thomas Mann, Franz Kafka.
El modernismo en la literatura rusa “Edad de Plata” de la cultura rusa del siglo XX, finales del siglo XIX y principios del XX. - relativamente corto
pero increíblemente rico en público,
segmento de eventos políticos y culturales
Historia rusa. Esta vez también se llama
"edad de plata", en comparación con la "edad de oro"
- la era del mayor florecimiento de la literatura rusa
y arte: el siglo XIX. Relativamente
pequeña zona geográfica de Moscú y
Petersburgo en ese momento, la densidad de varios
el talento artístico era tan alto
que no hay ejemplos correspondientes no sólo en
Ruso, pero también en la historia mundial. Algunos poetas -
grandes, grandes y simplemente significativos: docenas.
Características del modernismo en la literatura:
negación del arte clásicoherencia;
recitó discrepancia con la teoría y
práctica del realismo;
centrarse en la persona individual,
no social;
mayor atención a lo espiritual en lugar de
esfera social de la vida humana;
centrarse en la forma a expensas del contenido.
Representantes del modernismo en la literatura en Rusia:
Borii s Leoniidovich Pasternai (29 de enero de 1890, Moscú - 30 de mayo de 1960,Peredelkino, región de Moscú) -
Escritor, poeta y traductor ruso; uno de
grandes poetas del siglo XX.
En 1955, Pasternak escribió la novela.
"Doctor Zhivago". Tres años después el escritor
recibió el Premio Nobel por
literatura, después de esto fue
sometido a intimidación y persecución desde fuera
BLOQUEAR
Alejandro
Alexandrovich
Soviético
gobierno.
, poeta ruso. BUNIN Ivan Alekseevich (1870-1953), escritor y poeta ruso,
Ganador del Premio Nobel en
literatura (1933).
AKHMATOVA (nombre real Gorenko)
Anna Andreevna (11 (23) de junio de 1889
- 5 de marzo de 1966) poetisa rusa,
traductor y crítico literario,
una de las figuras más significativas
Literatura rusa del siglo XX.
nominado al Premio Nobel
sobre literatura. ESENIN Serguéi Alexandrovich
(1895-1925), poeta ruso,
representante del nuevo campesino
poesía y letras, y más
último período de creatividad -
imagismo.
MAYAKOVSKY Vladímir
Vladimirovich (7 (19) de julio de 1893-
14 de abril de 1930), poeta ruso,
uno de los representantes más brillantes
Arte de vanguardia de los años 1910-1920. Uno de los más grandes
poetas del siglo XX.
Además de la poesía, se mostró claramente.
como dramaturgo, guionista,
director de cine, actor de cine,
artista, editor de revista. Gumilyov los trató de la misma manera,
Khlebnikov, Klyuev, Severyanin, Bely,
Sologub, Balmont, Bryusov, Voloshin,
Ivanovs (Vyacheslav y Georgy), Kuzmin,
Tsvetáeva, Jodasevich, Gippius,
Mandelstam es simplemente el más
notables, pero no todos.
El nacimiento del modernismo.
El primer periódico modernista enRusia se convirtió en la revista "World of Art",
organizado por los jóvenes artistas A.N. Benois,
K.A. Somov, L.S. Bakst, E.E. Lansere,
S.P. Diaghilev en 1899, escritores (Zinaida
Gippius y Dmitry Merezhkovsky) fueron
invitado a dirigir el departamento literario de la revista,
cuyo objetivo principal era promover una nueva
cuadro. En las páginas de la revista "World of Art"
imprimieron sus primeras obras Blok, Gippius,
Rozanov, Merezhkovsky, Bryusov, Bely, Sologub. EN
Korney Chukovsky actuó como crítico.
La escisión del modernismo.
Literatura rusa después de la revolución de 1917.compartió el trágico destino del país y
desarrollado aún más en tres direcciones:
Literatura rusa en el extranjero - I. Bunin,
V. Nabokov, I. Shmelev; literatura, no
reconocido oficialmente en su época en la URSS
no publicado - M. Bulgakov, A. Akhmatova,
A. Platonov y otros; soviético ruso
literatura (principalmente
realismo socialista) - M. Gorky,
V. Mayakovsky, M. Sholokhov.
Representantes del modernismo en la literatura extranjera:
Anne de Noailles (15 de noviembre de 1876-30abril de 1933) - francés
poetisa, amante de la literatura
salón
Paul Eluair (14 de diciembre de 1895-
18 de noviembre de 1952) - Francés
poeta que ha publicado más de cien
colecciones de poesía. Guillois m Apollineir (26 de agosto de 1880
- 9 de noviembre de 1918) - Francés
poeta, uno de los más
figuras influyentes
Vanguardia europea de principios del siglo XX
siglo.
Jacques Prévert (4 de febrero de 1900-11
abril de 1977) - poeta francés
y dramaturgo de cine.
Modernismo en las bellas artes.
El modernismo es un conjunto de movimientos artísticos enArte de la segunda mitad del siglo XIX - mediados del XX.
Las tendencias modernistas más significativas fueron
impresionismo, expresionismo, neo y postimpresionismo,
Fauvismo, cubismo, futurismo. Y también movimientos posteriores.
arte abstracto, dadaísmo, surrealismo. En el sentido estricto
El modernismo es considerado como una etapa temprana del vanguardismo,
el comienzo de una revisión de las tradiciones clásicas. Fecha de nacimiento
A menudo se hace referencia al modernismo como 1863, el año de su inauguración en París.
“Salón de los Rechazados”, donde se aceptaron obras de artistas.
En un sentido amplio, el modernismo es “otro arte”, el principal
cuyo fin es crear obras originales,
basado en la libertad interior y una visión especial del mundo
autor y portador de nuevos medios de expresión.
lenguaje figurado, a menudo acompañado de impactantes
y un cierto desafío a los cánones establecidos.
Direcciones del modernismo.
El expresionismo abstracto es un estilo especial de pintura cuando el artistadedica una cantidad mínima de tiempo a su creatividad, se dispersa
pintar sobre el lienzo, toca aleatoriamente la pintura con pinceles, aleatoriamente
aplica trazos.
Dadaísmo: obras de arte en estilo collage, diseño en
Lienzo de varios fragmentos de un mismo tema. Las imágenes suelen ser
imbuido de la idea de negación, un enfoque cínico del tema. El estilo surgió
inmediatamente después del final de la Primera Guerra Mundial y se convirtió en un reflejo del sentimiento
La desesperanza reina en la sociedad.
Cubismo: figuras geométricas dispuestas caóticamente. El estilo en si
altamente artístico, creó verdaderas obras maestras al estilo del cubismo.
Pablo Picasso. El artista Paul abordó su trabajo de manera algo diferente.
Cezanne: sus pinturas también están incluidas en el tesoro del arte mundial.
Postimpresionismo: rechazo de la realidad visible y sustitución de la real.
Imágenes con estilización decorativa. Un estilo con gran potencial
pero sólo fue realizado plenamente por Vincent van Gogh y Paul Gauguin.
Representantes del modernismo en el arte:
Kazimir Severinovich Malevich–gran artista ruso.
Estilos de pintura: Vanguardia,
Cubismo, suprematismo, etc. (11
Febrero de 1878 - 15 de mayo de 1935).
Kazimir Malevich es
una figura icónica no sólo en
arte ruso, pero también en
Historia mundial de la pintura. EN
en particular él era
el fundador de una nueva especie
arte - suprematismo,
marcando su apariencia
una imagen que se conoce en
en todo el mundo como - Negro
Cuadrado. Pintura Negra
La plaza fue pintada en 1915.
año y llamé al real
una sensación entre los conocedores y
críticos. Existió "Cuadrado negro"
"Un inglés en Moscú" "Polka argentina"
Auto retrato "Lavandería en la valla"
"Bulevar" Fu"lla Ludovit pintor eslovaco
"El niño del sombrero"
M. Pashteka: Artista y
niñeras. M. A. Bazovsky: Agricultores.
E. Shimerova: Naturaleza muerta con un periódico.
Modernismo en la arquitectura.
Amplios espacios abiertos para la arquitectura modernistaabierto como consecuencia de las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial.
Muchas ciudades europeas fueron destruidas. Fue planeado
el mundo de una nueva formación. Un fundamental
la capacidad de diseñar barrios enteros sin especiales
conexiones con el “viejo” conjunto arquitectónico de las ciudades.
Los edificios más grandes de estilo modernista.
ocurrió en las ciudades con la mayor destrucción -
Berlín y El Havre. En estas gigantescas obras de construcción
grandes equipos internacionales trabajaron
famosos arquitectos modernistas: Hans Scharoun,
Walter Gropius, Le Corbusier, Alvar Aalto, Óscar Niemeyer,
Pier Luigi Nervi, Marcel Breuer, Auguste Perret, Bernard
Zehrfuss y muchos otros.
Principios básicos del modernismo arquitectónico:
uso de lo más modernomateriales y estructuras de construcción,
enfoque racional para la solución
espacios internos (funcionales
un acercamiento),
falta de tendencias en decoración,
rechazo fundamental de la historia
reminiscencias en la apariencia de los edificios,
su carácter “internacional”.
Casa de Vicens (1883-1888) Barcelona.
Casa de Vicens (18831888) Barcelona.Arquitecto Antonio Gaudí
(1852-1926). Casa de Vicens
desarrolla el tema del árabe
cuentos de hadas "Las mil y una noches".
Torres redondeadas, elegantes.
adornos de metal en
en forma de hojas de palma
cinturones que se alternan rítmicamente
arcos, ventanas ciegas con hierro forjado
barras... Creatividad de A.
Gaudí lanzó
una especie de puente desde
Casa Batlló (1904-1906) Barcelona.
Casa Batlló (19041906) Barcelona.Fachada de la casa de color verde azulado
Batlló parece algo espumado
ola del mar, luego salpica
lava volcánica, luego piel
animales extraños.
Sagrada Familia (1883-1926) Barcelona.
La principal creación de Gaudí es la catedral.Sagrada Familia (St.
familia), que no tuvo tiempo
completo durante su vida. Por diseño
se suponía que debía ser
encarnación arquitectónica
historias del Nuevo Testamento. Fachada
La catedral consta de tres portales,
simbolizando fe, esperanza
y amor. El medio representa
una profunda gruta de Belén; Él
Casa de Borla (1892-1893) Luxemburgo.
Casa de la Borla (18921893) Luxemburgo.Arquitecto Víctor Orta. (1861-1947). "Un arquitecto perfecto
modernismo artístico" así se llama un arquitecto belga
Víctor Orta. La casa de Borla se considera legítimamente el primer ejemplo de "
modernismo puro", que trajo fama y gloria mundial
aspirante a arquitecto.
Rascacielos en Chicago, Estados Unidos.
Arquitecto LuisSullivan. (18561924).
El primer rascacielos del arquitecto Louis de Chicago
Sullivan en la ciudad de St. Louis produjo
una auténtica revolución en la arquitectura. Acero
marcos con estructuras verticales,
lleno de ascensores de alta velocidad y otros
tecnología, desafió claramente a los clásicos.
Museo de Arte Moderno, Nueva York (1943-1959).
Arquitectofranco lloyd
Wright.
El Museo de Arte Moderno de Nueva York es uno de
los primeros museos de arte moderno del mundo. Ahora esto
el museo, ubicado en Manhattan, disfruta
merecida fama y es muy popular entre los visitantes.
Edificios residenciales de estilo modernista. Francia.
Arquitecto LeCorbusier (1887-1965)
Compañía Casa de la Cantante (1902-1904) San Petersburgo.
Casa de la Compañía Singer (1902-1904) San Petersburgo.
Arquitecto Pavel Yulievich Syuzor. En Rusia uno de los más
Monumentos notables y típicos del Art Nouveau es la Casa de la Compañía.
"Singer" (ahora "Casa de los Libros") en Nevsky Prospekt en San Petersburgo. Por un lado, el edificio no está conectado con su entorno.
conjunto, lo que se considera un error urbanístico, por otro lado
Por otro lado, este es un ejemplo de planificación exitosa en condiciones difíciles.
Edificio de la estación de tren de Kazán. Moscú. (1902-1904)
edificio kazanskyestación. Moscú. (19021904)
Arquitecto A.V.
Shchusev
La competencia, la democracia y la opinión pública penetran en todas las esferas de la vida.
En la cultura artística de los tiempos modernos, modernismo como un rechazo a los métodos tradicionales de representación artística del mundo.
Porque el modernismo (traducido del francés - moderno, más nuevo) son específicos: una ruptura con las leyes de la creatividad artística, las tradiciones, el arte realista, la afirmación de la renovación continua de las formas artísticas, la preocupación por la pureza del lenguaje, el predominio de esquemas innovadores. .
El modernismo fue preparado por dos procesos de desarrollo cultural:
A ) decadencia – huida, rechazo de la vida real, reconocimiento del culto a la belleza como único valor, rechazo de los problemas sociales.
b) vanguardia– una ruptura con la herencia del pasado, la creación de algo nuevo, contrario a las pautas artísticas tradicionales.
Todas las corrientes modernismo- El cubismo, el expresionismo, el surrealismo, el abstraccionismo, el futurismo, el cubismo y otros rechazaron o transformaron todo el sistema de medios y técnicas artísticas más allá del reconocimiento. Así se expresó:
Al cambiar imágenes espaciales y abandonar patrones generalmente aceptados en el arte;
En la revisión de la organización melódica, rítmica y armónica en la música;
En el surgimiento de una corriente de conciencia, un monólogo interno en la literatura.
La práctica del modernismo estuvo influenciada por Schopenhauer, Nietzsche, Lossky, Heidegger y S. Freud.
Demostró ser una tendencia en la cultura del siglo XX. abstraccionismo- este es un método creativo de arte abstracto (no objetivo, no figurativo), asociado con la negativa a representar las formas de la realidad. El abstraccionismo se desarrolló en dos direcciones principales: el deseo de armonizar combinaciones de colores informes y la creación de abstracciones geométricas. La primera dirección tenía una estrecha conexión artística con el expresionismo, ya que perseguía el objetivo de liberar completamente el color de la realidad objetiva. El abstraccionismo de este tipo debería haber centrado la atención en la expresividad independiente del color, su riqueza colorística.
abstraccionismo desarrollado en el camino de crear nuevas versiones del espacio artístico combinando todo tipo de formas geométricas, planos de colores, líneas rectas y quebradas. En Holanda, el grupo Style (desde 1917) propuso el concepto de neoplasticismo, que contrastaba la sencillez, claridad y funcionalidad de las formas geométricas con la arbitrariedad de la naturaleza. La pintura abstracta ha desarrollado técnicas y métodos interesantes que ahora utilizan artistas de otras direcciones en el diseño y las artes decorativas.
Se trata de un movimiento artístico en el que el color se libera de su función y sirve sólo como fondo para mostrar la esterilidad matemática del mundo circundante. Lo principal es alejarse de la realidad, llegar al alma y a las experiencias de una persona. Kandinsky, como representante del arte abstracto, utilizó el simbolismo del color y la línea para mostrar el movimiento, la ascensión y otros fenómenos de la vida, por ejemplo, el negro es un símbolo de muerte, el blanco es un símbolo de nacimiento, el rojo es un símbolo de coraje. , intentando así evocar en el espectador no sólo sensaciones, sino también emociones. Quería que el espectador notara combinaciones de colores y rítmicas. No se esforzó en pintar cuadros desnudos, como él dice, sino en transformar el pensamiento en movimiento, música, armonía de manchas, manchas, trazos.
imagismo- una asociación literaria que surgió en la Rusia soviética en los años 20, que incluía a los poetas A.B. Mariengof, V.G. Shershenevich, S.A. Yesenin, R. Ivnev, A.B. Kusikov, I. Gruzinov. A los poetas se unieron los artistas G. Yakulov y B. Erdman. Los imaginistas se opusieron a otros grupos literarios de la época: acmeistas, simbolistas, futuristas. Se declararon verdaderos defensores del arte y del lenguaje poético basado en el desarrollo de medios figurativos para reflejar y expresar el contenido de la realidad. En declaraciones estéticas, los imaginistas afirmaron el valor intrínseco de la imagen como tal. Afirmaron que “la única ley del arte y el método incomparable es revelar la vida a través de la imagen y el ritmo de las imágenes”.
La creatividad de los imaginistas se caracteriza por un interés predominante en la experimentación formalista con palabras, diversas formas de creación de imágenes, que se asociaron con el rechazo de las formas gramaticales habituales, el verso métrico, la construcción de metáforas efectivas, ecuaciones, etc. Contradicciones internas, La presión ideológica y política del gobierno soviético llevó a la desintegración de la asociación en 1924, y en 1927 anunció formalmente el cese de su existencia.
Cubismo- una de las primeras tendencias en bellas artes que abandonó la representación del mundo real y sensorial. Se considera que la fecha de nacimiento del cubismo es 1907-1908. Lugar de nacimiento: Francia, en las obras de J. Braque y P. Picasso.
El tema principal de las pinturas cubistas era el mundo de las cosas, en cuya existencia veían un significado especial y oculto. La búsqueda de este significado se llevó a cabo triturando el objeto en partes, que se presentaban en forma de combinaciones inesperadas de diversas formas geométricas (bolas, cuadriláteros, conos, semicírculos, cilindros). El objeto fue representado simultáneamente desde muchos puntos de vista, incluyendo no sólo la apariencia del objeto, sino también el conocimiento interno sobre él. El uso del color también fue único. Los cubistas prefirieron una combinación de colores significativa y abandonaron las leyes de la perspectiva y el claroscuro.
Los cubistas también introdujeron objetos reales en sus obras: periódicos, botones, billetes de tranvía, trozos de carteles, clavos, etc., haciendo así un amplio uso de una técnica popular en esos años: el collage, también común en la práctica de futuristas y dadaístas.
futurismo- movimiento de vanguardia en la cultura europea de los años X-XX del siglo XX, cobrado vida por los cataclismos socioeconómicos y políticos de principios de siglo. Partiendo de una posición nihilista respecto de la llamada cultura tradicional, los teóricos futuristas intentaron desarrollar nuevos cánones para el “arte del futuro”. La formación de un ideal estético por parte de los futuristas se produjo gracias al fortalecimiento de las tendencias urbanas en la cultura europea. Los futuristas negaron los principios estéticos del arte tradicional y conmocionaron a la opinión pública "burguesa". En literatura se trata de un entretejido de material documental y ficción, en poesía: experimentos con la semántica y fonética de las palabras, que a menudo terminan con la destrucción de cualquier significado semántico; en pintura: fascinación excesiva por las intersecciones, cambios y repetición repetida del motivo.
Expresionismo- un movimiento artístico en el arte alemán que se desarrolló en el primer cuarto del siglo XX. La nueva dirección comenzó con el trabajo de los artistas del grupo de Dresde "Bridge" (1905). Incluía a E. Kirchner, E. Heckel, O. Müller y otros. Los tratados estéticos de los expresionistas trataban de la transformación del mundo por el poder del espíritu humano, y se intentaba encontrar puntos en común para todos en el ámbito de la vida espiritual y social. La pintura expresionista distorsionó las proporciones reales. Los expresionistas percibieron el mundo de dos maneras: como atormentado, obsoleto y como capaz de renovarse, de recrearse a sí mismo. Como resultado, la pintura distorsionó las proporciones y presentó el mundo en una imagen contrastante. El color era la base para organizar el espacio. La base del espacio artístico de los expresionistas era el color, así como la apelación al sentimiento directo de una persona.
El expresionismo como movimiento artístico perduró hasta mediados de los años 20 del siglo XX. Su característica principal, una visión contrastante del mundo, influyó seriamente en la cultura artística de muchos países de Europa y América. El expresionismo representó la creatividad como un trabajo intenso, subjetivo y emocional durante un período de estado de ánimo turbulento del artista.
Surrealismo– no es un arte tradicional y subjetivo, lleno de una ruptura con los principios de la pintura, la música y la literatura. Lleva dentro de sí la liberación de la mente y la imaginación, la transición a un deseo subconsciente, oculto e incontrolable, el deseo de lo inusual. El surrealismo se traduce como superrealismo, es una forma de entender el subconsciente, lo sobrenatural. Su fundador e ideólogo André Breton escribió que el surrealismo es un automatismo puramente mental, su objetivo es expresar verbalmente, por escrito o de otra manera el funcionamiento real del pensamiento, es decir. Dictado de pensamientos más allá de cualquier control de la mente. La formación del surrealismo fue precedida por el movimiento del dadaísmo, que se formó en Zurich entre los emigrantes a principios del siglo XX. Dada – traducido como lenguaje infantil. El surrealismo niega la vieja cultura hasta tal punto que la literatura se ha convertido en un caos de basura verbal, arte disecado, pegado al lienzo (toallas, vidrios rotos, fotografías, periódicos, etc.). La música se convirtió en ruido banal, organizado a partir de botellas, latas, etc.
Impresionismo- palabra francesa - impresión, dirección en las bellas artes de Francia en los años 70 del siglo XIX. Los artistas impresionistas buscaron mostrar el mundo que los rodeaba como si lo vieran instantáneamente, para preservar toda la espontaneidad de la primera impresión. Los impresionistas enriquecieron el arte moderno al descubrir las leyes de la pintura al aire libre, es decir. Al pintar al aire libre, cuando la luz del ambiente influye en el color de cada objeto, al final todo aparece en una compleja unidad colorista.
El impresionismo surgió en la década de 1860 en la pintura francesa: E. Manet, O. Renoir, E. Degas. Aportaron al arte frescura, espontaneidad en la percepción de la vida, puntos de vista inesperados, ángulos y cortes transversales de figuras. En 1880, el impresionismo lo llevaron los artistas franceses: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley. Los impresionistas fueron los artistas rusos K. Korovin, I. Grabar. Los escultores impresionistas O. Rodin es francés, M. Rousseau es italiano, P. Trubetskoy es ruso. Los músicos son franceses: C. Debussy, M. Ravel, P. Dukas.
4. Tiempos modernos: contenidos, tendencias, posmodernismo.
Los tiempos modernos se caracterizan por una crisis de las ideas de la Ilustración, que se refiere a la filosofía de la Ilustración y al arte del clasicismo.
La desilusión con las revoluciones de muchos de sus entusiastas partidarios llevó a la desilusión con el culto a la Razón, característico del Siglo de las Luces. El clasicismo fue criticado por su aristocracia, dogmatismo y falta de vida, lo que se convirtió en un freno para el desarrollo del arte.
Lo más característico fue el flujo. romanticismo. Está representado por las novelas de Balzac. “Shunds”, P. Merimee “Crónicas del reinado de Carlos IX”, obra de V. Hugo.
En Inglaterra, los representantes del arte romántico son Shelley y Byron. En Alemania, los elementos románticos se manifestaron en las obras de J. V. Goethe y F. Schiller, afirmando la unidad del pensamiento y el sentimiento en relación con el mundo.
En música, el romanticismo está representado por R. Wagner, F. Chopin, F. Schubert, R. Schumann.
A mediados del siglo XIX, el romanticismo, incapaz de resistir la prueba de los problemas de la vida real, dio paso a realismo.
El realismo propuso la tarea de un reflejo veraz, profundo y objetivo de la realidad. Y esto incluye análisis, comprensión de la esencia de los fenómenos, selección y evaluación de eventos.
El realismo critica los aspectos negativos del capitalismo, la falta de espiritualidad y la nivelación de la personalidad humana. El realismo ve una alternativa a las deficiencias en el futuro.
El realismo estuvo encarnado en los héroes de Charles Dickens, O. Balzac, L.N., Tolstoi, W. Thackeray, F. Dostoievski, I. Repin, A. Chejov, P. Tchaikovsky y las actividades del Teatro Stanislavsky.
El posmodernismo reemplazó al modernismo, el realismo y la vanguardia.
posmodernismo– como cosmovisión, finalmente se formó en los años 70 y 80 del siglo XX, caracterizada por una transición a una nueva ronda en el desarrollo de la cultura, se caracteriza por una confusión de fronteras y fronteras entre formas de actividad cultural. En el posmodernismo hay eclecticismo y mosaico de formas, un deseo de combinar lo incompatible, una mezcla de movimientos y estilos artísticos.
En la era del posmodernismo hay una integración ecléctica no de las artes, sino del arte y la ciencia, la filosofía y la religión. El posmodernismo se caracteriza por reflexiones superficiales y simplificadas del mundo.
posmodernismo asociado con la comprensión de las limitaciones del progreso social, la reducción del espacio y el tiempo de la cultura. Establece los límites de la intervención humana en los procesos de desarrollo de la naturaleza, la sociedad y la cultura. Se caracteriza por la búsqueda de un lenguaje artístico universal, el acercamiento y fusión de diversos movimientos, estilos y edición artísticos. La esencia del posmodernismo es el reconocimiento del pluralismo y la diversidad de formas de actividad, vida, diversos principios creativos, ironía, mezcla de géneros, orientación hacia la "masa" y la élite al mismo tiempo, apelar a tradiciones artísticas olvidadas, comprensión ampliada. a su identificación con esferas de actividad no artísticas, por ejemplo, la política. En el posmodernismo, la conciencia del artista cambia, deja de ser creador, lo compila y necesariamente lo exhibe al público.
Los rasgos característicos del posmodernismo son los siguientes:
1. La orientación del posmodernismo hacia las masas y la élite de la sociedad;
2. Influencia significativa del arte en esferas no artísticas de la actividad humana (política, religión, informática);
3. Citar ampliamente obras de arte de épocas anteriores en tus obras.
4. Ironía sobre la tradición artística de culturas pasadas.
5. En la creatividad hay una reorientación hacia la recopilación y la citación.
6. El artista deja de ser creador, pasa de una obra de arte a una construcción artística.
El objetivo de esta lección es comprender en qué se diferenciaban entre sí las diferentes ramas del modernismo.
El contenido principal del movimiento del simbolismo es un intento de encontrar nuevas expresiones del lenguaje, la creación de una nueva filosofía en la literatura. Los simbolistas creían que el mundo no es simple y comprensible, sino que está lleno de significado, cuya profundidad es imposible de encontrar.
El acmeísmo surgió como una forma de llevar la poesía desde los cielos del simbolismo a la tierra. El profesor invita a los alumnos a comparar las obras de los simbolistas y acmeístas.
El tema principal de la próxima dirección del modernismo, el futurismo, es el deseo de discernir el futuro en la modernidad, de identificar la brecha entre ellos.
Todas estas tendencias del modernismo introdujeron actualizaciones radicales en el lenguaje, marcaron la ruptura de épocas y enfatizaron que la literatura antigua no puede expresar el espíritu de la modernidad.
Tema: Literatura rusa de finales del siglo XIX y principios del XX.
Lección: Los principales movimientos del modernismo ruso: simbolismo, acmeísmo, futurismo.
El modernismo es una corriente artística única. Las ramas del modernismo: simbolismo, acmeísmo y futurismo tenían sus propias características.
Simbolismo como movimiento literario se originó en Francia en los años 80. Siglo 19 La base del método artístico del simbolismo francés es el sensualismo marcadamente subjetivo (sensualidad). Los simbolistas reprodujeron la realidad como un flujo de sensaciones. La poesía evita las generalizaciones y busca no lo típico, sino lo individual, lo único.
La poesía adquiere el carácter de improvisación, registrando “puras impresiones”. El objeto pierde sus contornos claros, se disuelve en una corriente de sensaciones y cualidades dispares; El papel dominante lo juega el epíteto, una mancha colorida. La emoción se vuelve inútil e “inexpresable”. La poesía se esfuerza por potenciar la riqueza sensorial y el impacto emocional. Se cultiva una forma autosuficiente. Los representantes del simbolismo francés son P. Verlaine, A. Rimbaud, J. Laforgue.
El género simbólico dominante fueron las letras “puras”; la novela, el cuento y el drama se volvieron líricos.
En Rusia, el simbolismo surgió en los años 90. Siglo 19 y en su etapa inicial (K. D. Balmont, primeros V. Ya. Bryusov y A. Dobrolyubov, y más tarde B. Zaitsev, I. F. Annensky, Remizov) desarrollaron un estilo de impresionismo decadente, similar al simbolismo francés.
Simbolistas rusos del siglo XX. (V. Ivanov, A. Bely, A. A. Blok, así como D. S. Merezhkovsky, S. Solovyov y otros), tratando de superar el pesimismo y la pasividad, proclamaron el lema del arte eficaz, el predominio de la creatividad sobre el conocimiento.
Los simbolistas representan el mundo material como una máscara a través de la cual brilla lo de otro mundo. El dualismo encuentra expresión en la composición de dos planos de novelas, dramas y “sinfonías”. El mundo de los fenómenos reales, la vida cotidiana o la ficción convencional se describe de forma grotesca, desacreditada a la luz de la “ironía trascendental”. Las situaciones, las imágenes, su movimiento reciben un doble significado: en términos de lo que se representa y en términos de lo que se conmemora.
Un símbolo es un conjunto de significados que divergen en diferentes direcciones. La tarea del símbolo es presentar coincidencias.
El poema (Baudelaire, “Correspondencias” traducido por K. Balmont) muestra un ejemplo de conexiones semánticas tradicionales que dan lugar a símbolos.
La naturaleza es un templo estricto, donde hay una hilera de columnas vivas.
A veces se oirá furtivamente un sonido ligeramente inteligible;
Vaga por bosques de símbolos, se ahoga en sus matorrales
Un hombre avergonzado se siente conmovido por su mirada.
Como un eco de ecos en un acorde confuso,
Donde todo es uno, la luz y la noche oscuridad,
Fragancias, sonidos y colores.
Combina consonantes en armonía.
Hay un olor virgen; como un prado, es puro y santo,
Como el cuerpo de un niño, el sonido agudo del oboe;
Y hay un aroma solemne y depravado.
Una fusión de incienso, ámbar y benjuí:
En él, el infinito está repentinamente disponible para nosotros,
¡Contiene los pensamientos más elevados de deleite y los mejores sentimientos de éxtasis!
El simbolismo también crea sus propias palabras: los símbolos. Primero, para tales símbolos se utilizan palabras altamente poéticas, luego palabras simples. Los simbolistas creían que era imposible agotar el significado de un símbolo.
El simbolismo evita la divulgación lógica del tema, recurriendo al simbolismo de las formas sensuales, cuyos elementos reciben una riqueza semántica especial. Significados “secretos” lógicamente inexpresables “brillan a través de” el mundo material del arte. Al proponer elementos sensoriales, el simbolismo se aleja al mismo tiempo de la contemplación impresionista de impresiones sensoriales dispersas y autosuficientes, en cuya corriente abigarrada la simbolización introduce cierta integridad, unidad y continuidad.
La tarea de los simbolistas es mostrar que el mundo está lleno de secretos que no se pueden descubrir.
Las letras del simbolismo a menudo se dramatizan o adquieren rasgos épicos, revelando la estructura de símbolos "generalmente significativos", repensando las imágenes de la mitología antigua y cristiana. Se está creando el género del poema religioso, leyenda interpretada simbólicamente (S. Solovyov, D. S. Merezhkovsky). El poema pierde su intimidad y se vuelve como un sermón, una profecía (V. Ivanov, A. Bely).
Simbolismo alemán de finales del siglo XIX y principios del XX. (S. Gheorghe y su grupo, R. Demel y otros poetas) fue el portavoz ideológico del bloque reaccionario de los junkers y de la gran burguesía industrial. En el simbolismo alemán destacan en relieve las aspiraciones agresivas y tónicas, los intentos de combatir la propia decadencia y el deseo de desvincularse de la decadencia y el impresionismo. El simbolismo alemán intenta resolver la conciencia de la decadencia, el fin de la cultura, en una trágica afirmación de la vida, en una especie de “heroísmo” de la decadencia. En la lucha contra el materialismo, recurriendo al simbolismo y al mito, el simbolismo alemán no llega a un dualismo metafísico claramente expresado, sino que conserva la “lealtad a la tierra” nietzscheana (Nietzsche, George, Demel).
Nuevo movimiento modernista acmeísmo, apareció en la poesía rusa en la década de 1910. como contraste con el simbolismo extremo. Traducido del griego, la palabra "akme" significa el grado más alto de algo, florecimiento, madurez. Los acmeístas defendieron el regreso de imágenes y palabras a su significado original, por el arte por el arte, por la poetización de los sentimientos humanos. El rechazo del misticismo fue la característica principal de los acmeístas.
Para los simbolistas lo principal es el ritmo y la música, el sonido de la palabra, mientras que para los acmeístas es la forma y la eternidad, la objetividad.
En 1912, los poetas S. Gorodetsky, N. Gumilyov, O. Mandelstam, V. Narbut, A. Akhmatova, M. Zenkevich y algunos otros se unieron en el círculo "Taller de poetas".
Los fundadores del acmeísmo fueron N. Gumilyov y S. Gorodetsky. Los acmeístas llamaron a su trabajo el punto más alto para lograr la verdad artística. No negaron el simbolismo, pero se opusieron al hecho de que los simbolistas prestaran tanta atención al mundo de lo misterioso y desconocido. Los acmeístas señalaron que lo incognoscible, por el significado mismo de la palabra, no se puede conocer. De ahí el deseo de los acmeístas de liberar la literatura de las oscuridades que cultivaban los simbolistas y devolverle claridad y accesibilidad. Los acmeístas intentaron con todas sus fuerzas devolver la literatura a la vida, a las cosas, al hombre, a la naturaleza. Así, Gumilev recurrió a la descripción de los animales exóticos y la naturaleza, Zenkevich, a la vida prehistórica de la tierra y el hombre, Narbut, a la vida cotidiana, Anna Akhmatova, a experiencias amorosas profundas.
El deseo de la naturaleza, de la "tierra", llevó a los acmeístas a un estilo naturalista, a una imaginería concreta y al realismo objetivo, que determinó toda una gama de técnicas artísticas. En la poesía de los acmeístas predominan las “palabras pesadas y pesadas”, el número de sustantivos excede significativamente el número de verbos.
Habiendo llevado a cabo esta reforma, los acmeístas estuvieron de acuerdo con los simbolistas y se declararon sus alumnos. El otro mundo para los acmeístas sigue siendo la verdad; sólo que no lo convierten en el centro de su poesía, aunque esta última a veces no es ajena a elementos místicos. Las obras de Gumilyov "El tranvía perdido" y "En los gitanos" están completamente impregnadas de misticismo, y en las colecciones de Ajmátova, como "El rosario", predominan las experiencias amorosas y religiosas.
El poema de A. Ajmátova “La canción del último encuentro”:
Mi pecho estaba tan irremediablemente frío,
Pero mis pasos fueron ligeros.
lo puse en mi mano derecha
Guante de la mano izquierda.
Parecía que había muchos pasos,
Y lo supe: ¡solo hay tres!
Los acmeístas devolvieron escenas cotidianas.
Los acmeístas no fueron en modo alguno revolucionarios en relación con el simbolismo y nunca se consideraron como tales; Se fijaron como principal tarea únicamente la solución de las contradicciones y la introducción de enmiendas.
En la parte en la que los acmeístas se rebelaron contra el misticismo del simbolismo, no opusieron este último a la vida real. Habiendo rechazado el misticismo como principal leitmotiv de la creatividad, los acmeístas comenzaron a fetichizar las cosas como tales, incapaces de abordar la realidad sintéticamente y comprender su dinámica. Para los acmeístas, las cosas en realidad tienen significado en sí mismas, en un estado estático. Admiran los objetos individuales de la existencia y los perciben tal como son, sin crítica, sin intentos de comprenderlos en relación, sino directamente, de manera animal.
Principios básicos del acmeísmo:
El rechazo del simbolista exige la nebulosa mística e ideal;
Aceptación del mundo terrenal tal como es, en todo su color y diversidad;
Devolver una palabra a su significado original;
Una representación de una persona con sus verdaderos sentimientos;
Poetización del mundo;
Incorporar a la poesía asociaciones con épocas anteriores.
Arroz. 6. Umberto Boccioni. La calle entra en la casa ()
El acmeísmo no duró mucho, pero hizo una gran contribución al desarrollo de la poesía.
futurismo(traducido como futuro) es uno de los movimientos del modernismo que se originó en la década de 1910. Está representado más claramente en la literatura de Italia y Rusia. El 20 de febrero de 1909 apareció en el periódico parisino Le Figaro el artículo “Manifiesto del futurismo” de T. F. Marinetti. Marinetti en su manifiesto llamó a abandonar los valores espirituales y culturales del pasado y construir un arte nuevo. La principal tarea de los futuristas es identificar la brecha entre el presente y el futuro, destruir todo lo viejo y construir uno nuevo. Las provocaciones eran parte de sus vidas. Se oponían a la sociedad burguesa.
En Rusia, el artículo de Marinetti se publicó el 8 de marzo de 1909 y marcó el comienzo del desarrollo de su propio futurismo. Los fundadores de la nueva tendencia en la literatura rusa fueron los hermanos D. y N. Burliuk, M. Larionov, N. Goncharova, A. Ekster, N. Kulbin. En 1910, uno de los primeros poemas futuristas de V. Khlebnikov, "El hechizo de la risa", apareció en la colección "Estudio Impresionista". Ese mismo año se publicó una colección de poetas futuristas, "El tanque de los jueces". Contenía poemas de D. Burliuk, N. Burliuk, E. Guro, V. Khlebnikov, V. Kamensky.
Los futuristas también inventaron nuevas palabras.
Noche. Oscuridad.
Pabellón. Leni.
Nos sentamos a beber por la noche.
En cada ojo hay un ciervo corriendo.
Los futuristas experimentan una deformación del lenguaje y la gramática. Las palabras se amontonan unas sobre otras, apresurándose a transmitir los sentimientos momentáneos del autor, por lo que la obra parece un texto telegráfico. Los futuristas abandonaron la sintaxis y las estrofas y crearon nuevas palabras que, en su opinión, reflejaban mejor y más plenamente la realidad.
Los futuristas dieron especial importancia al título aparentemente sin sentido de la colección. Para ellos, la pecera simbolizaba la jaula a la que eran conducidos los poetas, y se llamaban a sí mismos jueces.
En 1910, los cubofuturistas se unieron en un grupo. Incluía a los hermanos Burliuk, V. Khlebnikov, V. Mayakovsky, E. Guro, A. E. Kruchenykh. Los cubofuturistas defendieron la palabra como tal: “la palabra es superior al significado”, “la palabra abstrusa”. Los cubofuturistas destruyeron la gramática rusa y reemplazaron frases con combinaciones de sonidos. Creían que cuanto más desorden haya en una frase, mejor.
En 1911, I. Severyanin fue uno de los primeros en Rusia en proclamarse egofuturista. Añadió la palabra "ego" al término "futurismo". El egofuturismo puede traducirse literalmente como "Yo soy el futuro". Alrededor de I. Severyanin se reunió un círculo de seguidores del egofuturismo que en enero de 1912 se autoproclamaron "Academia de Poesía del Ego". Los egofuturistas han enriquecido su vocabulario con una gran cantidad de palabras extranjeras y nuevas formaciones.
En 1912, los futuristas se unieron en torno a la editorial "Petersburg Herald". El grupo incluía a: D. Kryuchkov, I. Severyanin, K. Olimpov, P. Shirokov, R. Ivnev, V. Gnedov, V. Shershenevich.
En Rusia, los futuristas se llamaban a sí mismos "budetlyanos", poetas del futuro. Los futuristas, cautivados por el dinamismo, ya no estaban satisfechos con la sintaxis y el vocabulario de la época anterior, cuando no había coches, ni teléfonos, ni fonógrafos, ni cines, ni aviones, ni ferrocarriles eléctricos, ni rascacielos, ni metro. El poeta, lleno de un nuevo sentido del mundo, tiene una imaginación inalámbrica. El poeta pone sensaciones fugaces en la acumulación de palabras.
Los futuristas eran apasionados de la política.
Todas estas direcciones renuevan radicalmente el lenguaje, la sensación de que la literatura antigua no puede expresar el espíritu de la modernidad.
Bibliografía
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Mesas y presentaciones
Literatura en tablas y diagramas ().