"Sanat" kavramı herkes tarafından bilinir. Hayatımız boyunca bizi çevreler. Sanat, insanlığın gelişmesinde büyük rol oynar. Yazının yaratılmasından çok önce ortaya çıktı. Makalemizden rol ve görevler hakkında bilgi edinebilirsiniz.

Sanat nedir? Genel bilgi

"Sanat" kavramı oldukça çok yönlüdür. Genellikle, bir manevi ihtiyacı, yani güzellik sevgisini tatmin edebilen insan faaliyetinin bir dalı anlamına gelir. Sanat, toplumsal bilincin özel bir biçimidir. İnsan yaşamının sanatsal yansımasıdır. Onun sayesinde diğer zaman diliminde insanların nasıl yaşadığını öğrenebilirsiniz.

"Sanat" kavramını ortaya çıkaran ilk yazar Charles Batyo'ydu. Bu insan faaliyeti dalını sınıflandırdığı bütün bir inceleme yarattı. 1746'da Güzel Sanatlar Bir İlkeye İndirgendi adlı kitabı yayınlandı. Charles Batyo, çeşitli kriterlere göre tanımlanabileceklerine inanıyor. Yazar, sanatın zevk getirdiğinden emindir ve ayrıca bedensel değil, manevi bir karaktere sahiptir.

"Sanat" kavramı, resim, müzik, şiir, mimari ve günlük olarak karşılaştığımız çok daha fazlasını içerir. Her türlü sanatsal faaliyet, belirli özelliklerle ayırt edilir. pozitif nitelikler. Sanatın her alanının, gerçekliği ve sanatsal görevleri yeniden üretmenin özel bir yolu vardır. Her türlü sanatsal aktivite, türlere ve türlere ayrılır.
Genellikle sanat üç gruba ayrılır:

• tonik (müzik ve şiir);
• figüratif (mimari, resim ve heykel);
• karışık (koreografi, oyunculuk, hitabet ve diğerleri).

Çeşitli sanat türleri vardır:

• yapı sayesinde görünür bir görüntünün ortaya çıktığı mekansal (heykel, mimari);
• gerçek zamanlı olarak ortaya çıkan kompozisyonun (şiir, müzik) önem kazandığı geçici;
• uzay-zaman - Performans sanatları(sirk performansı, sinema, koreografi).

Grafik Sanatları

Grafik sanatı, çizim ve çizim içeren bir türdür. basılı grafikler görüntüler (gravür, minotopia, vb.). O ifade aracı- anahat, vuruş, arka plan ve nokta. Bunun en popüler güzel sanat türü olduğu bilinmektedir. İçerik ve biçim açısından, grafiğin resimle pek çok ortak yanı vardır.

Gravür, çizimin basılı bir izlenim olduğu bir grafik türüdür. Özel bir gravür ile uygulanır. Gravür metal, ahşap ve muşamba üzerine gösterilebilir.

Bir diğer popüler grafik türü, bir taş yüzeyinin bir baskı plakası görevi gördüğü özel bir düz baskı türüdür. Bu tür 1798'de icat edildi. Görüntü, özel bir mürekkep veya kurşun kalem kullanılarak taşa uygulanır.

Grafik sanatı, varolanların en eskisidir. İlk görüntüler Neolitik ve Tunç Çağı'na ait. Atalarımız mağaraların ve kayaların duvarlarına bir desen oyuyorlardı. Bir süre sonra, silahlara ve ev eşyalarına görüntüler uygulandı. Yazının ortaya çıkışından sonra harflerin, kitapların ve harflerin tasarımında grafikler kullanılmıştır.

Çizimleri kopyalama yöntemleri yıllardır bilinmiyordu. Bu nedenle tüm görüntüler tek bir kopyada oluşturuldu. Bugün bu tür grafik çizimlerin koleksiyoncular arasında talep edildiği bir sır değil.

20. yüzyılın ortalarında, uzmanlar siyah beyaz grafik tekniğini geliştirmeye başladı. 20'den fazla grafik doku çeşidi oluşturuldu. Eğitim kılavuzları yayınlandı. Bugün, grafik sanatta lider bir yer kaplar.

Bento

Bento, çocuklar ve yetişkinler için alışılmadık bir sanattır. Birçok ebeveynin çocuklarına sağlıklı beslenmeyi nasıl öğreteceğini bilmediği bir sır değil. Bugün, mağazaların raflarında çok çeşitli zararlı ve hatta tehlikeli yiyecekler var. Yeni bir sanat formu, bento, kurtarmaya gelebilir. Çin'de ortaya çıktı. Çinliler bu terimi, özel kutularda paketledikleri ve ders çalışmak veya çalışmak için yanlarında götürdükleri yiyecekler olarak adlandırıyorlar. Bento yenebilen bir sanat eseridir. Yetenekli ev kadınları ve aşçılar, yiyeceklerden figürinler ve küçük tablolar yaratırlar. Bu tür yiyecekler arasındaki temel fark, çok miktarda vitamin dengesi ve varlığıdır. Çinliler sadece sağlıklı yiyeceklerden yenilebilir bir sanat eseri yaratırlar.

Bento, çocuğun kullanmaktan mutlu olacağı çocuklar ve yetişkinler için bir sanattır. sağlıklı yiyecekler. Henüz bizde o kadar popüler değil, ancak bu tekniğe hakim olan birkaç usta zaten biliniyor.

Sanatın bir çocuğun bilinci ve yaşamı üzerindeki etkisi. Bir çocuğa modern sanat eserleri nasıl açıklanır?

Sanat, bir çocuğun hayatında ve kişiliğinin gelişiminde önemli bir rol oynar. Bugün kesinlikle her insan belirli bir faaliyet alanı hakkında en azından temel bilgilere sahip olmalıdır. Toplum hızla gelişiyor ve bu nedenle her insan çok yönlü olmalıdır. Birçok modern ebeveyn, çocuklarına mümkün olduğunca erken bir sanat sevgisi aşılamaya çalışır. Bunun için, bir çocuğun yaşamının ilk aylarından itibaren kullanılabilecek önemli sayıda yetiştirme yöntemi geliştirilmiştir.

Çocuk okulda sanat formları kavramını alır. Genellikle ebeveynler, öğretmenler ve eğitimciler yazma, okuma, sayma ve beynin sol yarımküresinin sorumlu olduğu diğer konulara çok dikkat ederler. Doğru olanı geliştirmek için müzik, dans ve diğer sanatları incelemeniz gerekecek. Gelecekte tam olarak şekillenmiş bir kişilik olabilmek için beynin her iki yarım küresini de geliştirmek önemlidir.

Bir çocukta sanatın gelişimi sayesinde:

• kişilik oluşur;
• entelektüel potansiyel seviyesi artar;
• ahlaki kurallar oluşturulur;
• yaratıcı düşünme yeteneği gelişir;
• kendine güven ve benlik saygısı artar;
• hafıza ve dikkat geliştirir;
• ufuklar genişliyor.

Çocuğu sanatla tanıştırmak için öncelikle sanat için gerekli tüm malzemelerin bulunduğu bir bölge düzenlemek önemlidir. yaratıcı aktivite. Evde birkaç sanat kitabına ihtiyacınız olacak. İle erken çocuklukçocuğun bunları okuması gerekir. Öğrenilen her şeyi tartışmak önemlidir. Sanatla tanışmak için ayda en az bir kez çocuğunuzla birlikte müze, galeri, tiyatro ve sergileri ziyaret etmeniz gerekecektir. Hiçbir durumda çocukların elleriyle oluşturulan çizimleri, uygulamaları ve el sanatlarını atmayın. Onlar sayesinde çocuğun yaratıcı büyümesini görebilirsiniz. Onu bir an önce tematik bir çevreye, seveceği derslere kaydettirmek de önemlidir.

Çağdaş sanatın bazı eserleri, sadece çocukların değil, yetişkinlerin de şaşkınlığına neden oluyor. Belirli bir çocuğun modernistler tarafından tasarlanan mimariyi anlamaması nadir değildir. Öğrenciye, herhangi bir sanat eserinin insanlığın gelişiminde önemli bir aşama olduğunu açıklamak önemlidir.

Çocuklarda pek çok soru soyut resimlere neden olur. Ebeveynlerin çocuklarına böyle bir sanat eseri yaratmanın ne kadar zor olduğunu göstermek için kullanabilecekleri bir dizi özel baskı var. Bunlardan biri Kandinsky'nin kendisi.

Çoğu zaman çocuklar, modern ve modern karşılaştırmanın mümkün olup olmadığıyla ilgilenirler. ilkel sanat. Bunu ve daha fazlasını yazımızda bulabilirsiniz.

Sanat. Rusya'daki gelişiminin tarihi

Birçok farklı sanat türü vardır. Her birinin kendine has özellikleri ve avantajları vardır. Güzel sanatın ne olduğunu hemen hemen herkes bilir. Çocuklar erken yaşta onunla tanışır.

Bu, ustanın özel araçlar yardımıyla yeniden üretebildiği bir tür sanatsal aktivitedir. Dünya. Rusya'daki tarihi, sınırları Petrine reformlarıyla belirlenen iki döneme ayrılmıştır. B, ikon saygısı ile yakından ilişkiliydi. Simgelerin kendi sanatsal tarzları vardı. Bu tür sanat eserlerinin amacı, Tanrı ile birlik içinde dua eden soğukkanlılık ve sükunet göstermektir. Bazılarının varlığının simgelerdeki varlığını açıklayan şey budur. sanatsal araçlar. Zamanla, ustalar ikon boyama okullarının açılmasında ustalaştı. En ünlü eser A. Rublev tarafından "Trinity" olarak kabul edilir. 15-16. yüzyıl ikonları renklerin uyumuyla öne çıkıyor.

17. yüzyılda, "Fryazhsky yazısının" ikonları popülerdi. Batı Avrupa resminin unsurları, yani yağlı boyalar, ışık ve gölge modellemesi, insan ve doğanın doğru tasvirleri ile karakterize edilirler. Bir sanat eseri olarak ikona ilgi ancak 19. yüzyılda ortaya çıkar.

Eski Rus heykeli, taş ve ahşap oymalar şeklinde mevcuttu. Çoğu zaman, ustalar azizlerin görüntülerini tasvir ettiler. Yüze özellikle dikkat edildi. 18. ve 19. yüzyıllarda diğer ülkelerden heykeltıraşlar ve ressamlar talep görüyordu. Bir süre sonra yerli ustalar popüler oldu.

18. yüzyılda en popüler hale geldi.Çizimin ciddiyeti, renklerin gelenekselliği ve İncil ve mitolojiden sahnelerin kullanımı ile karakterizedir. Böylece yavaş yavaş ulusal sanat doğdu.

1860-1880'de ilk galeriler açıldı ve yerli ustalar tüm dünyada ünlü oldu. Yavaş yavaş, yeni trendler ortaya çıkıyor. Her biri kültürel mirasın oluşumunda önemli bir yer tutmuştur. 18. ve 19. yüzyıllarda insanlık sadece güzel sanatın ne olduğunu bilmekle kalmadı, aynı zamanda onu aktif olarak kullandı.

Sanatta kapsanan temalar

Şaşırtıcı bir şekilde, ustaların eserlerinde ortaya koydukları tüm temalar ve problemler, yüzyıllar boyunca alakalı olmuştur. Antik Romalılar, sanatın insan yaşamından farklı olarak sonsuz olduğunu savundular. Bu tesadüf değil. Sanatta temalar, günümüzde sıklıkla karşılaşılan toplumsal sorunlara ışık tutar. Bu yüzden insanlık için çok değerlidirler. Ustalar eserlerinde aşk, doğa ve dostluk temasını sıklıkla işlemiştir.

Zamanla, sanattaki eğilimler değişir ve yeni ustalar ortaya çıkar, ancak temalar ve görüntüler değişmeden kalır. Bu nedenle, herhangi bir çalışma yıllarca alakalı kalır.

Sanat ve rolü

Sanatın toplum yaşamındaki rolü paha biçilmezdir. Gerçekliğin sanatsal ve mecazi bir yansımasına dayanır. Sanat şekilleri manevi görüş insanlar, hisleri, düşünceleri ve dünya görüşleri. Gerçekliğin figüratif yeniden yaratılması kişiliğimizi yaratır. Sanat kendini geliştirmeye ve iyileştirmeye yardımcı olur. Ayrıca çevrenizdeki dünyayı ve kendinizi tanımak için.

Sanat kültürel Miras. Sanat eserleri sayesinde, insanların bir zamanlar nasıl yaşadıklarını öğrenebilirsiniz. Son zamanlarda, çeşitli sanat teknikleri özellikle popüler hale geldi. Sanat yoluyla kendinizi kontrol etmeyi öğrenebilirsiniz. Bir sanat nesnesi oluşturarak sorunları unutabilir ve depresyondan kurtulabilirsiniz.

Sanat ve görevleri

Maxim Gorky, sanatın görevlerinin tüm temel fenomenlerin ahlaki ve estetik değerlendirmesi olduğuna inanıyordu. Yazar, bunun sayesinde kişinin kendini anlamayı, kabalıkla savaşmayı, insanları anlamayı ve onlarda iyi bir şey bulmayı öğrenebileceğini söyledi. Günümüzde sanatsal etkinliğin üç işlevi bilinmektedir. Sanatın görevleri araştırma, gazetecilik ve eğitimdir. Ustalar, sanatsal etkinliğin işlevinin insanların ruhlarına ve kalplerine güzellik getirmek olduğuna inanırlar. Nikolai Vasilyevich Gogol, sanatın görevinin gerçeği tasvir etmek olduğunu savundu.

Modern ve ilkel sanat

Birçoğu ilgileniyor, İlk bakışta bu imkansız. Ancak öyle değil. Sanatı bireyin kendini ifade etme yolu olarak algılarsak, hem modern hem de ilkel aynı düzlemdedir. Onları karşılaştırarak, bir kişinin algısının nasıl değiştiğini anlayabilirsiniz.

İnsan düşüncesi daha soyut hale geldi. Bu, aklın aktif gelişimini gösterir. Zamanla, bir kişi önceliklerini değiştirdi ve bugün hayatı ilkel atalardan farklı algılıyor. Daha önce, ustalar nesnenin görünümü ve biçimiyle ilgileniyorlardı, ancak şimdi eserlerdeki ana rol duygular tarafından işgal ediliyor. Bu farklılık 19. yüzyılın sonundan beri var olmuştur.

Özetliyor

Erken yaşlardan itibaren beynin sadece sol tarafını değil, aynı zamanda sağ yarımküresini de geliştirmek önemlidir. Bunu yapmak için sanat yapmanız gerekir. Özellikle dikkat edilmesi önemlidir yaratıcı Gelişimçocuk. Bunu hayatının ilk yıllarından itibaren yapmanızı şiddetle tavsiye ederiz. Herkes sanatın rolünü, görevlerini ve türlerini anlamıyor. Yazımızda kısaca açıklanan bilgiler, çeşitli sanatsal faaliyet alanları hakkında temel bilgiler edinmenizi sağlar.

Tanrı ayrıntılarda yaşar. Abi Warburg

Cömert bir kalp, zihnin en iyi ilham kaynağıdır. Alexander Bestuzhev

Sanat, yaşam gibi, zayıflar için değildir. İskender Blok

Sanatçının doğrudan görevi kanıtlamak değil, göstermektir. İskender Blok

İlham, ruhun izlenimleri canlı bir şekilde kabul etmeye ve dolayısıyla açıklamalarına katkıda bulunan kavramları hızlı bir şekilde kavramaya yönelik eğilimidir. Alexander Puşkin

Sanat ancak imgenin kendi kendine inşasına ihtiyaç duyulduğunda - kelime dağarcığına, biçimlere ve içerik öğelerine hakim olmakla mümkündür ve ancak o zaman iletişim sağlar. Alexey Fedorovich Losev

Hiçbir dahi eseri nefret veya aşağılamaya dayanmamıştır. Albert Camus

Hayal gücü bilgiden daha önemlidir. Albert Einstein

Sanat en derin düşüncelerin ifadesidir basit bir şekilde . Albert Einstein

Sanatın en tehlikeli iki düşmanı vardır: Yetenek tarafından aydınlatılmayan zanaatkar ve zanaatta ustalaşmayan yetenek. Anatole de France

Sanat, üslubunda kendini gösteren, mizacının damgasını taşıyan, sanatçının düzenlediği bir gerçekliktir. André Maurois

Benim için dışavurumculuk, yüzü aniden aydınlatan veya fırtınalı bir hareketle kendini gösteren tutkudan ibaret değil. O benim resmimin tüm düzeninde; nesnelerin kapladığı yer, aralarındaki boşluklar, ilişkileri - önemli olan bu. Kompozisyon, kişinin duygularını ifade etmek için bir resmin çeşitli unsurlarını dekoratif olarak düzenleme yeteneğidir. Henri Matisse

Bir sanatçının önemi, plastik dile kattığı yeni işaretlerin sayısıyla ölçülür. Henri Matisse

Resmin her bir parçası, ana veya ikincil rolünü oynar. Resimde ihtiyaç duyulmayan her şey ona zarar verir. Eserde tüm parçaların uyumu olmalıdır; fazladan bir ayrıntı, izleyicinin zihninde önemli bir şeyin yerini alabilir. Henri Matisse

Rengin ana görevi, ifade işlevi görmektir. Henri Matisse

Benim için en önemli şey niyet. En başından itibaren bütün hakkında net bir fikre sahip olmak gerekir. Henri Matisse

Doğruluk henüz doğru değil (resim hakkında). Henri Matisse

Deneyim bireyin bilgisidir ve sanat genelin bilgisidir. Aristo

Herkes, kralın önünde olduğu gibi, resmin önünde durup, ona bir şey söyleyip söylemeyeceğini ve tam olarak ne söyleyeceğini görmek için beklemelidir ve kral, önce kralla veya resimle konuşmaya cesaret edemez, aksi takdirde olacaktır. sadece kendini duy. Arthur Schopenhauer

Sanat bilgi gerektirir. Bertolt Brecht

Bir şeyin sanat olmadığının ya da birinin sanatı anlamadığının açık işareti can sıkıntısıdır. Bertolt Brecht

Bir yüz çizdikten sonra başka bir şey ekleyen resimde, portre değil resim yapar. Blaise Pascal

Güzel aracılığıyla - insana. Vasili Aleksandrovich Sukhomlinsky

Bir eserin yaratılışı evrendir. Vasily Kandinsky

Sadelik, gerçek ve doğallık - bunlar büyük olanın üç ana işaretidir. Victor Hugo

Ruhsuz bir insanın bir ceset olduğu düşüncesi olmadan sanat. Vissarion Grigorievich Belinsky

Dezavantajlar her zaman yaratıcılığın bittiği ve çalışmanın başladığı yerdir. Vissarion Grigorievich Belinsky

Bilim zihnin hafızasıysa, sanat da hislerin hafızasıdır. Vladimir Alekseevich Soloukhin

Bir şeyi tasvir ederken çok büyük bir sorumluluk üstleniriz - doğayı anlamak ve mümkün olduğunca eksiksiz bir şekilde tasvir etmek. Vladimir Andreevich Favorsky

Artık bir portrede karakteri, bir kişinin tarihini ifade etmek istemeyen bir portre ressamı - bu ne tür bir portre ressamı, ne tür bir sanatçı, nerede iyi? Vladimir Vasilievich Stasov

Gerçek duygu ve düşüncelere cevap veren ve onsuz yapabileceğiniz tatlı bir tatlı olarak hizmet etmeyen tek sanat budur. Vladimir Vasilievich Stasov

Sanatta biçim her şeydir, malzemenin hiçbir değeri yoktur. Heinrich Heine

Sanatın görevi gerçeği duyusal bir biçimde ortaya çıkarmaktır. Georg Wilhelm Friedrich Hegel

Sanat, bayağılıktan uzaklaşarak kazanır. Georgy Plehanov

Resim tutkulu bir sessizliktir. Gustave Moreau

Dalların arasından gökyüzü, inciler ve değerli taşlar. Gustave Moreau

Renk düşünülmeli, ilham alınmalı, hayal edilmelidir. Gustave Moreau

Sanatçılar için manzara genellikle ıspanaklı bir yemektir. Gustave Flaubert

Sanatçı, evrendeki Tanrı gibi eserinde mevcut olmalıdır: her yerde hazır ve nazır ve görünmez olmak. Gustave Flaubert

Öğrenilmedikçe ne sanata ne de bilgeliğe ulaşılamaz. Demokritos

Bir sanatçı parayı düşündüğü an, güzellik duygusunu kaybeder. Denis Diderot

Sanat, olağanın içinde sıra dışıyı, sıra dışının içinde de olağanı bulmaktır. Denis Diderot

Okuma yazmayı öğrettikleri gibi çizmeyi de öğretecekleri bir ülke, yakında tüm sanat, bilim ve zanaat alanlarında diğer tüm ülkeleri geride bırakacaktır Denis Diderot.

Sanat, ancak faydaya tabi olduğu zaman hak ettiği yerdedir. Görevi sevgiyle öğretmek; ve sadece insanları sevindirdiğinde ve gerçeği keşfetmelerine yardımcı olmadığında utanç vericidir. John Ruskin

Sevgi ve beceri bir araya geldiğinde bir başyapıt bekleyebilirsiniz. John Ruskin

Boyamak için bir fırça, bir el ve bir palete ihtiyaç vardır, ancak resim onlar tarafından oluşturulmamıştır. Jean Chardin

Renkleri kullanırlar ama duygularla yazarlar. Jean Chardin

Onu nereden aldığın önemli değil - nerede olduğu önemli (yaratıcılık hakkında). Jean-Luc Godard

Hayal gücü olup da bilgisi olmayanın kanatları vardır ama bacakları yoktur. Joseph Joubert

Bilim sakinleştirir, sanat sakinleşmemek için vardır. Georges Braque

Ciddi sanat, herhangi bir ciddi iş gibi, bir ömür gerektirir. Ivan Alexandrovich Goncharov

Büyük ya da küçük, her sanat eserinde en küçüğüne kadar her şey bir konsepte iner. Johann Wolfgang Goethe

Sanat herkesin kendini gördüğü bir aynadır. Johann Wolfgang Goethe

Sanat, ifade edilemeyenlerin aracıdır. Johann Wolfgang Goethe

Her sanatçının cesareti vardır, bu olmadan yetenek düşünülemez. Johann Wolfgang Goethe

Şair, ilhamın ustasıdır. Onlara emir vermeli. Johann Wolfgang Goethe

Kabalıkla birleşen teknik, sanatın en korkunç düşmanıdır. Johann Wolfgang Goethe

Tam da gerçek sanat gerçek ve nesnel bir şey için çabaladığı için, yalnızca gerçeğin görünüşüyle ​​yetinemez. Johann Friedrich Schiller

Kötü resimler çoğunlukla kötüdür, çünkü kötü yazılırlar, kötü yazılırlar çünkü kötü tasarlanırlar. Johannes Robert Becher

Kanunlar ve teoriler bir belirsizlik durumunda iyidir. İlham anlarında, görevler kendiliğinden, sezgisel olarak çözülür. Johannes Itten

Doğanın kopyalanmaya ihtiyacı yoktur, ancak özünü hissetmek ve onu kazalardan kurtarmak gerekir. Isaac Levitan

Ayrıntılarda asla acele etmem. Camille Corot

Sanattan zevk almak istiyorsanız, sanat eğitimi almış bir insan olmalısınız. Karl Marx

Resim, sözcükleri olmayan bir şiirdir. Quintus Horace Flaccus'un fotoğrafı.

Sanatın görevi kalpleri heyecanlandırmaktır. Claude Adrian Helvetius

Bir sanatçının işi neşe yaratmaktır. Konstantin Georgievich Paustovsky

Tecrübesiz sanat olmaz. Konstantin Sergeyeviç Stanislavski

Sadelik, gerçek ve doğallık - bunlar tüm sanat eserlerinde güzelliğin üç büyük ilkesidir. Christoph Gluck

Düşüncenin elle çalışmadığı yerde sanatçı yoktur. Ruhun sanatçının elini yönlendirmediği yerde sanat yoktur. Leonardo da Vinci

Gözün pratiğinin ve yargısının rehberliğinde anlamsız bir şekilde eskiz yapan ressam, karşısındaki tüm nesneleri bilmeden yansıtan bir ayna gibidir. Leonardo da Vinci

Resim görülen şiir, şiir ise işitilen resimdir. Leonardo da Vinci

Üç çeşit insan vardır: görenler; kendilerine gösterildiğinde görenler; ve göremeyenler. Leonardo da Vinci

Gerçek sanatçı kibirden yoksundur, sanatın sınırsız olduğunu çok iyi anlar. Ludwig van Beethoven

Fikirde yetenek, uygulamada sanat vardır. Maria Ebner-Eschenbach

Bütün sanatlar gerçeğin keşfinden ibarettir. Mark Thulius Cicero

Resim kıskançtır ve bir kişinin tamamen kendisine ait olmasını ister. Michelangelo Buonarroti

Modernlik duygusu olmadan, sanatçı tanınmayacaktır. Mihail Mihayloviç Priştine

Yaratıcı Tanrı insanı kendi suretinde ve benzerliğinde, yani yaratıcıda yarattı ve onu gücüne resmi itaat etmeye değil, özgür yaratıcılığa çağırdı. Özgür yaratıcılık, yaratığın Yaradan'ın büyük çağrısına verdiği yanıttır. Ve insanın yaratıcı başarısı, özgür bir yaratıcı eylem gerektiren Yaradan'ın gizli iradesinin yerine getirilmesidir. Nikolay Berdyaev

Sanat, olumlu ya da olumsuz, değişmez bir şekilde iyilik için çabalar: ister bizi insandaki en iyilerin güzelliğine maruz bıraksın, ister insandaki tüm en kötülerin çirkinliğine gülsün. Bir insanın içindeki tüm çöpleri ortaya çıkarır ve her bir izleyicinin bundan tam bir tiksinme duyacağı şekilde ortaya çıkarırsanız, soruyorum: bu zaten her şey için övgü değil mi? Soruyorum: Bu bir iyiliğin övgüsü değil mi? Nikolay Gogol

Sanat ahlakı yumuşatır. Ovid

Özünde güzel stil, güzel çizgi, güzel renk yoktur, tek güzellik gerçektir,
hangi görünür hale gelir. Auguste Rodin

Sanatın görevi doğayı kopyalamak değil, onu ifade etmektir. Şeylerin ve varlıkların zihnini, anlamını, görünüşünü kavramalıyız. Onur de Balzac

Sanat milletin giysisidir. Onur de Balzac

Doğanın gerçeği sanatın gerçeği olamaz ve asla olmayacaktır. Onur de Balzac

Sanat hayatı değil, izleyiciyi yansıtır. Oscar Wilde

Sanat görüneni tasvir etmez, görünür kılar. Paul Klee

Gerçekten kibar olmak için, bir kişinin canlı bir hayal gücüne sahip olması gerekir, kendini bir başkasının yerinde hayal edebilmelidir. Hayal gücü, ahlaki mükemmelliğin en iyi aracıdır. Percy Shelley

Öğrenci taklitten değil, İmgenin gizemine katılma arzusundan kopyalar. Petr Miturich

İlham, tembelleri ziyaret etmeyi sevmeyen bir misafirdir. Pyotr Çaykovski

Aklı başında olanların yarattıkları, şiddet uygulayanların yarattıkları tarafından gölgede bırakılacaktır. Platon

Göze en tanıdık gelen nesne bile onu çizmeye çalıştığımızda tamamen değişir: Onu bilmediğimizi, aslında hiç görmediğimizi fark ederiz. Paul Valery

Resim yapmak, her şeye sevgiyle bakıldığı zaman olduğu gibi görmenizi sağlar. Paul Valery

Sanatçıda iki şey vardır: göz ve beyin ve birbirlerine yardım etmeleri gerekir, onları geliştirmek için çalışmanız gerekir: göz - doğanın vizyonu, beyin - ifade araçları sağlayan organize izlenimlerin mantığı . Paul Cezanne

Sanat, doğanın belli bir mizacıyla görülebilen bir köşesidir. Paul Cezanne

Çizimi ve rengi ayırmak imkansızdır; yazarken, çizerken, renk ne kadar uyumlu olursa, çizim o kadar somut olur. Renk, renk zenginliği ile verildiğinde, form tam olarak ortaya çıkar.

Kontrastlar ve ton ilişkileri çizim ve modelin sırrıdır. Paul Cezanne

Egzersiz olmadan sanat olmaz ve sanat olmadan egzersiz olmaz. Protagoras

Sanatta coşku olmadan gerçek hiçbir şey yaratılmaz. Robert Schumann

İnsan kalbinin derinliklerine ışık göndermek - sanatçının amacı budur. Robert Schumann

Sanatın hizmet edebileceği en yüksek hedef, insanların hayatı daha derinden anlaması ve onu daha çok sevmesidir. Rockwell Kenti

Fotoğrafını değil yeteneğini göstermeye çalışan sanatçıya yazıklar olsun. Romain Rolland

Sanat, ancak gerçekten insancılsa ve yalnızca bir avuç bilgiçliğe değil, kesinlikle tüm insanlara hitap ederse saygı ve sevgiyi hak eder. Romain Rolland

Sanatçı bir çizim ile düşünür. salvador dali

Sanatlar, ancak zihni geliştirirlerse ve dikkatini dağıtmazlarsa faydalıdır. Seneca Lucius Annaeus (Genç)

Bazı ilham kaynaklarında, ilham perileri ayaklarını yıkar. Stanislav Jerzy Lec'in fotoğrafı.

Sanatta yeni yönler yok, bir şey var - kişiden kişiye. Stanislav Jerzy Lec'in fotoğrafı.

Hayal gücümüz zevkten zevke değil, umuttan umuda doğru hareket eder. samuel johnson

Figürleri güzel yapan renkler değil, iyi bir çizimdir. Titian Vecellio

İlham görüntüyü verir ama giydirmez. Federico Garcia Lorca

Hayal gücü, keşfetme yeteneği ile eş anlamlıdır. Federico Garcia Lorca

Bilim olmadığı gibi hayal gücü olmadan sanat da olmaz. Franz Liszt

Sanatın tüm formlarında, başkalarında uyandırmak istediğiniz bu hisleri deneyimlemeniz gerekir. Frederic de Stendhal

Sanat biçimini düşünceden ayıramadığım gibi, sanatçıyı da düşünürden asla ayırmadım. sanatsal düşünce. Frederic de Stendhal

Mimarlık donmuş müziktir. Friedrich Schelling

Benden öğrenenlerin tablosu diridir, beni taklit edenler ise cansızdır, ölüdür. Qi Bai Shi

İster manzara ister iç mekan olsun, etrafımızdaki çevreye bir göz attığımızda, gözümüze görünen şeyler arasında, onları saran atmosferin ve ışığın çeşitli yansımalarının yarattığı tuhaf bir bağlantı olduğunu fark ederiz. deyim yerindeyse, her nesneyi belirli bir ortak uyum içinde içerir. Eugene Delacroix

Resim sessiz bir sanattır ve bence bu onun hatırı sayılır değeridir. Eugene Delacroix

Tembellik, elbette, yeteneklerimizin gelişmesinin önündeki en büyük engeldir. Eugene Delacroix

Bir sanatçının en büyük zaferi, düşünebilen ve hissedebilenleri düşündürüp hissettirebilmesidir. Eugene Delacroix

Yine de en inatçı realist, doğayı aktarırken belirli kompozisyon veya tarz geleneklerine başvurmak zorunda kalır. Kompozisyon söz konusu olduğunda, tek bir parçayı, hatta birkaç parçayı alıp ondan bir resim yapamaz. İzleyiciye, onsuz sanatın olmayacağı, ilgisiz parçaların rastgele bağlantısından daha fazlasını sunmak için içine bir fikir koymak gerekir. Eugene Delacroix

Yetenek, genelleme ve seçme yeteneğinden başka bir şey değildir. Eugene Delacroix

Bütünü iletme yeteneği, gerçek bir sanatçının ana işaretidir. Eugene Delacroix

Tam olarak gördüğümüzü çizme alışkanlığı, bize tam olarak düşündüğümüz şeyi çizme yeteneği verir... Joshua Reynolds

Giriş 3

1. Sanat kavramı 4

2. Sanat 5

3. Sanatın niteliksel özellikleri 6

4. Sanatların sınıflandırılması için ilkeler 12

5. Sanatların Etkileşimi 16

Sonuç 17

Referanslar 18

Tanıtım

Sanat, sosyal bilincin biçimlerinden biri, insanlığın manevi kültürünün ayrılmaz bir parçası, dünyanın belirli bir pratik-manevi keşif türü. Bu bağlamda sanat, belirli oldukları için birleştirilmiş bir grup insan faaliyeti - resim, müzik, tiyatro, kurgu vb. - gerçekliği yeniden üretmenin sanatsal ve figüratif biçimlerini içerir.

Bir kişinin sanatsal ve yaratıcı etkinliği, sanat türleri, türleri ve türleri olarak adlandırılan çeşitli biçimlerde ortaya çıkar. Her sanat türü, eserlerinin maddi varlığı ve kullanılan figüratif işaretlerin türü ile doğrudan karakterize edilir. Bu nedenle, bir bütün olarak ele alındığında sanat, her biri herkes için ortak ve bireysel olarak benzersiz özelliklere sahip olan, dünyanın çeşitli sanatsal keşif yollarının tarihsel olarak kurulmuş bir sistemidir.

Bu testin amacı, sanatla ilgili tüm konuları incelemektir.

Hedefe ulaşmak için aşağıdaki görevleri çözmek gerekir:

sanat kavramını ortaya çıkarmak

bir sanat formu kavramını düşünün

sanatın özelliklerini tanımak

sanat formlarını sınıflandırma ilkelerini incelemek

sanatların etkileşimini düşünün

sanat kavramı

Sanat, kültürün en önemli alanlarından biridir ve diğer faaliyet alanlarının (meslek, meslek, konum vb.) aksine, genellikle önemlidir, onsuz insanların hayatlarını hayal etmek imkansızdır. Sanatsal faaliyetin başlangıcı, ilkel toplumda bile bilim ve felsefenin ortaya çıkışından çok önce kaydedilmiştir. Ve sanatın antikliğine, insan yaşamındaki yeri doldurulamaz rolüne, uzun estetiğin tarihine, sanatın özü ve özgüllüğü sorununa rağmen, hala büyük ölçüde çözülmemiş durumda. Sanatın sırrı nedir ve onun tam anlamıyla bilimsel bir tanımını yapmak neden zordur? Her şeyden önce, sanatın mantıksal biçimselleştirmeye uygun olmadığı, soyut özünü ortaya koyma girişimlerinin her zaman ya yaklaşma ya da başarısızlıkla sonuçlanmasıdır. 1

Bu kelimenin birbiriyle yakından ilişkili, ancak kapsam ve içerik olarak farklı olan üç farklı anlamı ayırt edilebilir.

En geniş anlamıyla "sanat" kavramı ( ve bu , görünüşe göre en eski kullanımı) tüm beceri anlamına gelir , sonucu doğal, doğal ile karşılaştırıldığında yapay olan ustaca, teknik olarak gerçekleştirilen aktivite. Antik Yunanca "techne" kelimesinden gelen bu anlamdır - sanat, beceri.

"Sanat" kelimesinin ikinci, daha dar anlamı, güzellik yasalarına göre yaratıcılıktır. . Bu tür yaratıcılık, geniş bir faaliyet yelpazesine atıfta bulunur: faydalı şeylerin, makinelerin yaratılması, bu aynı zamanda kamusal ve kişisel yaşamın tasarımını ve organizasyonunu, günlük davranış kültürünü, insanların iletişimini vb. İçermelidir. Günümüzde yaratıcılık, buna göre başarıyla çalışıyor. tasarımın çeşitli alanlarındaki güzellik yasalarına.

Sanatsal yaratıcılık, özel bir sosyal aktivite türüdür. , ürünleri özel manevi estetik değerler olan - bu, "sanat" kelimesinin üçüncü ve en dar anlamıdır. Daha fazla değerlendirmenin konusu olacaktır.

Sanat, insan uygarlığından çok daha uzun süredir, belki de makul bir insan olduğu sürece var olmuştur. Ancak mağara duvarlarında bir şey tasvir eden eski atalarımızın, bir gün çok garip sanat ifade biçimleri olacağını düşünmeleri pek olası değildir.

10. Anamorfozlar

Anamorfoz, genellikle yalnızca belirli bir mesafede veya belirli bir açıda algılanan bir görüntüyü aktarmanın bir yoludur. Bazı durumlarda, yazıyı yalnızca ayna görüntüsünde okuyabilirsiniz. Anamorfoz kullanmaya yönelik ilk girişimler 15. yüzyılda Leonardo da Vinci tarafından yapılmıştır. Hans Holbein Jr.'ın "The Ambassadors" adlı tablosu ve Andrea Pozzo'nun Roma'daki St. Ignatius kilisesinin kasasındaki muhteşem freskleri de dahil olmak üzere birçok girişimin geçmişi Rönesans'a dayanmaktadır.

Yüzyıllar boyunca, teknikler kağıt üzerinde 3D'den zemindeki delikleri veya yarıkları taklit eden sokak sanatına dönüştü. En başarılı teknik, anamorfozların baskıda kullanılmasıydı. Çarpıcı bir örnek, öğrencilerden Joseph Egan ve Hunter Thompson'ın bir üniversite koridorundaki duvarları, yalnızca sağ tarafta durarak okunabilen çarpık metinlerle dekore etme girişimidir. Chicago tasarımcısı Thomas Quinn, çalışmalarıyla öğrencilere ilham verdi ve onları somutlaştırmaya çalıştılar.

9. Fotogerçekçilik

1960'ların başında, fotogerçekçiler gerçek fotoğraflara benzeyen görüntüler yaratmaya çalıştılar. Kamera en küçük ayrıntıları bile yakalayabilir ve fotogerçekçi sanatçı bir "yaşam görüntüsünün görüntüsünü" yaratabilir. Heykelin de içinde bulunduğu bu yön, "süper gerçekçilik" veya "hiper-gerçekçilik" olarak bilinir. Enerjiye odaklanır Günlük yaşam mümkün olduğunca doğru bir şekilde iletin.

Richard Eastes, Audrey Flack, Robert Bechtle, Chuck Close ve heykeltıraş Dwayne Hanson gibi fotogerçekçiler, izleyicinin gerçek nesnelerin sahte olabileceğini düşünmeye başladığı çok gerçekçi eserler yarattı. Eleştirmenler bu akımı sanat değil teknoloji alanı olarak gördükleri için ilgilenmiyorlar.

8. Kirli bir arabada sanat

Kirli bir arabanın gövdesindeki örneğin "Yıka beni" yazısının büyük sanat olarak kabul edilmesi pek olası değildir. Ancak 52 yaşındaki Amerikalı grafik sanatçısı Scott Wade, tozlu araba camlarına yaptığı harika çizimleriyle ünlendi. Çizgi film hikayelerini basitçe parmağıyla ya da asasıyla yarattı. Bugün sanatçı, daha karmaşık konular oluşturmak için boya ve fırça kullanıyor.

Wade'in eserleri sergilere katılıyor, reklam şirketleri hizmetlerinden yararlanıyor. Yazar, üzerinde birkaç kat kir bulunması gereken cam yüzeylerle çalıştığı için, çalışmasında dayanıklılığı sağlamak için yağ ve saç kurutma makinesi kullanıyor. Yakında kimse araba yıkamayacak.

7. Sanatta insan atık ürünlerinin kullanımı

Birçok sanatçı, eserlerini yaratmak için insan vücudu tarafından üretilen sıvıları kullanır. Örneğin Avustralyalı sanatçı Herman Nitzch, hayvanların idrarını ve kanını kullanıyor. İkinci Dünya Savaşı ile bağlantılı çocuklukta yaşanan olaylardan esinlenen eserlerinin konuları birçok tartışmaya ve davaya neden olur.

Brezilyalı sanatçı Vinicius Quesada, "Blood Piss Blues" adlı "kanlı" dizisiyle tanınıyor. Sanatçı sadece kendi kanını kullanır, bağışçı ve hayvan kanını reddeder. Çalışmaları, sert, gerçeküstü bir atmosfer yaratmak için sarılar, kırmızılar ve yeşiller ile aşırı doymuş. En ünlü eserlerden birinde “Mr. Maymun”, bir puro içen bir Nintendo oyun konsolundan yapılmış gözlük takan bir maymunu içeriyor.

6. Vücudun farklı bölgeleri tarafından boyanmış resimler

Sanatçılar resim yapmak için çok sıra dışı malzemeler kullanırlar, ancak burada durmazlar ve vücudun farklı bölgeleriyle resim yapma tekniğine geçerler. Erkekliğiyle resim yapan 65 yaşındaki Avustralyalı sanatçı Tim "Pricasso" Patch, ancak en ilginç olanı, sanatçının popülaritesinin son zamanlarda artması.

Daha az çirkin sanatçı Kira Ain Warszegi, portreler çizerken göğsünü fırça olarak kullandı. Bu yaklaşım eleştirilmiştir. Ancak, geleneksel şekilde yüksek düzeyde çizebilir. Ani K diliyle, okul öğretmeni Stephen Mermer ise kalçasıyla resim yaptığı için okuldan kovuldu.

5. Ters 3D görüntü

Anamorfistler iki boyutlu görüntülerin üç boyutlu olarak algılanmasını sağlamaya çalışırken, 3 boyutlu bir görüntünün iki boyutlu olarak sunulması istendiğinde ters bir eğilim ortaya çıkmıştır. Bu alanda sanatçı Alexa Mead özellikle ünlü oldu. Sanatçı resimdeki nesneleri cansız göstermek için akrilik boyalar kullanıyor. 2008'den beri bu teknik üzerinde çalışıyor. İlk eserler 2009'da halka sunuldu. Temel olarak, Mead'in resimleri, boyanmamış bir duvara karşı bir sandalyede oturan bir adamı tasvir ediyor. Bir resmin oluşturulması birkaç saat sürdü.

Bu alandaki bir diğer tanınmış uzman, Detroit'te yaşayan bir sanatçı ve fotoğrafçı olan Cynthia Greig sayılabilir. Resimlerinde sıradan gündelik nesneleri betimliyor, düzlük yanılsaması yaratmak için beyaz boya ve karakalemle kaplıyor.

Gölge, doğal bir fenomen ve insanların onu sanat objeleri yaratmak için kullanmaya ne zaman karar verdiğini söylemek zor, ancak modern uzmanlar bu alanda çok şey başardı. Nesneleri, gölgenin insanların, yerlerin ve kelimelerin görüntülerini oluşturacak şekilde yerleştirdiler. Kayda değer profesyoneller arasında Kumi Yamashita ve Fred Eerdekens bulunmaktadır. Gölgeler genellikle uğursuz bir şeyle ilişkilendirilir ve Tim Noble ve Sue Webster dahil birçok sanatçı, çalışmalarında korku yanılsaması yaratmak için onları kullanır. Çalışmaları arasında dikkat çeken, gölgelerde sigara içen ve içici görüntülerini oluşturmak için bir çöp yığını kullandıkları "Kirli Beyaz Çöp" yerleştirmesidir. Başka bir yerleştirmede, gölge, kafaları kola takarak “öğle yemeği” yiyen bir kuzgunun görüntüsünü oluşturur. Rashad Alakbarov parlak, renkli cam kullanıyor ve boş duvarlarda kesinlikle kasvetli olmayan gölgeler yaratıyor.

Ters grafiti tekniği, arabalardaki kire boyama tekniğinin tam tersidir - bu durumda, bir görüntü oluşturulurken kir çıkarılmalıdır. Sanatçılar çamaşır makinelerinin yardımıyla duvarlardaki araba egzoz tortularını yıkayarak güzel görüntüler veya desenler yaratıyor. Bu yönün atası Paul Curtis "Moose" dur. Benzer bir fikir, bir restoranda bulaşıkçı olarak çalışırken ve duvarları sigara dumanından isli görünce aklına geldi.

Ben Logue, grafiti tersine çevirmek için Curtis'ten daha az teknolojik bir yaklaşım benimseyen bir İngiliz sanatçıdır. Long'un bir arabanın ön camında bir parmakla oluşturduğu geçici görüntüler oldukça dayanıklı ve yağmurla yıkanmadığında veya kötü niyetli birinin müdahale etmesi durumunda 6 aya kadar dayanabiliyor. Şaşırtıcı bir şekilde, yeni grafiti türüne karşı tutum farklıdır. Polis, sanatçının kendisinin dediği gibi, Paul Curtis'i "kumda bir sopayla yazmak" için birkaç kez gözaltına aldı.

2. Vücut sanatının yanılsamaları

Bugün vücuttaki çizimler kimseyi şaşırtmayacak ve geçmişte de Maya kabileleri, Mısırlılar vb. Bu sanatta ilkler olduğu için. Bugün yeni bir gelişme aşaması yaşıyor. Vücut sanatının yanılsaması, hayvanlar gibi boyanmış insanlardan kollardaki gerçekçi deliklere kadar oldukça gerçekçi görünen bir 3D görüntüde yatar.
Hikaru Cho, animasyon sahnelerinde uzmanlaşmış tanınmış bir Japon vücut ressamıdır. Sanatçılar Johannes Stötter ve Trin Merry, kamuflaj sanatında uzmanlaşmıştır.

1935 yılında, bir kamera ile ışıklarla çevrili hareketini filme alan sanatçı Man Ray sayesinde yöntem sanat alanına taşındı. İlk başta fotoğraflardaki ışık girdaplarına kimse fazla önem vermedi, ancak 2009'da bunun sanatçının imzasının ayna görüntüsü olduğu ortaya çıktı. Maine'in takipçileri, sanatçılar Gyon Mil Henri Matisse, Barbara Morgan, Jack Delano ve hatta Pablo Picasso, ışık grafiklerinde ellerini denediler. çağdaş sanatçılar Michael Bosanko, Trevor Williams ve Jana Leonardo da bilimle yakından iç içe olan bir şeyden hoşlandılar.

1. Problem-olası dinamikler veya olasılık.

Ancak sanatın nesnesini bilimin nesnesinden ayıran tek bir oluş ve tek bir eyleme kapılmamak gerekir. Sanat alanında yalnızca oluşumun organik bir yapısı olarak eylemle uğraştığımızı değil, burada oluşun kendisinin burada Aristoteles'te kategorik akıl yürütmenin (ve mantıksal zorunluluğun) karşıtlığının bir sonucu olarak ortaya çıktığı her zaman hatırlanmalıdır. sorunlu olasılığa. Sadece bu olasılığı saf akıl alanında, organik olarak doğasında var olan ve bütünsel olasılık açısından ele alarak, ilk kez sanat nesnesi hakkında aşağı yukarı tam bir fikir ediniriz.

Aristoteles şöyle yazar: "... Şairin görevi olanlardan (ta genomena) değil, olabileceklerden, olasılık veya zorunluluktan mümkün olandan bahsetmektir" (Şair. 9, 1451 a 36 - b 1) . yani Aristoteles gerçek gerçeklikten olduğu gibi sanatın nesnesinden de kesin olarak koptu. Kendileri tarafından alınan çıplak gerçekler şairi ilgilendirmez. Kendinde değil, diğer olası nesnelerin ve temsillerin bir kaynağı olarak algılananda tasvir edilenle ilgilenir veya diyeceğimiz gibi, sanatsal bir temsilin konusu her zaman vardır. simgesel daha doğrusu anlamlı ve sembolik her zaman başka bir şeye işaret eder ve başka bir şeye seslenir.

Aristoteles'in bu konudaki düşünceleri oldukça kategoriktir:

"Tarihçi 158 ve şair, birinin manzum olarak değil, diğerinin nesir olarak konuşması bakımından farklılık gösterirler. Sonuçta Herodot'un eserleri manzume konulabilirdi, ama yine de veznelerde olduğu gibi metresiz olarak da aynı hikaye olurdu. fark, birinin ne olduğunu (ta genomena), diğerinin ne olabileceğini anlatmasıdır" (b 1-6).

2. Bu olasılığın genelleştirilmiş doğası.

Son olarak Aristoteles'e göre, yalnızca bir olasılık olarak ilan ettiği sanatsal nesne, hem genellik açısından hem de görüntünün inandırıcılığı açısından bir şekilde indirgenemez. Sanatçıya olanı değil de olabilecek olanı tasvir etmesi emredilirse, herhangi bir şeyin tasviriyle ilgili olarak sanatçının ellerini çözeceği düşünülebilir. Hayır, bu hiçbir şekilde olamaz, çünkü tüm olasılık alanının her zaman yalnızca genel kategorilerde işleyen aynı teorik akıldan alındığını unutmayacağız.

"Şiir, tarihten daha felsefi ve ciddi bir öğe içerir: daha genel, ve tarih özel. Genel, belirli niteliklere sahip bir kişiye tesadüfen veya zorunluluktan dolayı söylenecek veya yapılacak şeyleri tasvir etmekten ibarettir. Şiir bunu arzular, aktörler isimler. Ve özel, örneğin Alkibiades'in yaptığı ya da ona ne olduğu" (b 6-12).

3. Sanatın figüratif doğası.

Burada, sanatın ele aldığı olası olanın her zaman bazı özelliklerle karakterize edildiğini belirtmek önemlidir. isimler.Şimdi aksini söylerdik. Ne de olsa, şimdiye kadar, ilke olarak, yalnızca genel kategorilerin yardımıyla işleyen saf ya da teorik akıl tartışıldı. Ancak bir sanat eseri, basit bir mantıksal kategoriler sistemi değildir. Her zaman belirli bir görüntüdür kişiler adlarıyla ve belirli eylem, bu insanlara oluyor. Aristoteles zaten eylem hakkında konuştu, ama kahramanlar hakkında sanat eseri henüz söylemedi. Ve ancak şimdi, bir sanat eserinin her zaman şu ya da bu şekilde işlediğini söylüyor. isimler yani, belirli isimler taşıyan belirli kahramanlarla. Komedide arsa esas olarak önemliyse ve isimler herhangi bir şey olabilir ve iambikografide isimler varsa, ancak eylemler tasvir edilmiyorsa (b 12-15), o zaman trajedide durum tamamen farklıdır, belirli bir arsa mit, yani belirli bir eylemler dizisi ve "isimler", yani kendilerine ait belirli isimleri taşıyan kahramanlar verilir ve mitoloji geçmişe ait olduğundan, gerçek gerçekliği sorunu artık yoktur. kabarık. Bir şey olduğuna göre, olabilir; ve bu nedenle trajedi, bundan kaynaklanan ikna ediciliğini ve sonuç olarak, yalnızca olasılık ilkesiyle çelişmekle kalmayan, aynı zamanda onu en açık şekilde gerçekleştiren kendine özgü gerçekçiliğini belirtmeden, sanatsal olasılık ilkesini tamamen tatmin eder.

İşte bu konuda Aristoteles'ten okuduklarımız:

"Trajedide isimler geçmişten alınır. Bunun nedeni, olası bir [yani, bu durumda bir olay] inandırıcı olmasıdır. Henüz olmamış, olmuş olanın ihtimaline inanmıyoruz. Olduğu aşikar, belki de, çünkü mümkün olmasaydı, olmayacaktı. Ancak, bazı trajedilerde sadece bir veya iki tane vardır. ünlü isim, diğerleri ise, örneğin Agathon'un "Çiçek" inde olduğu gibi kurgusaldır. Bu eserde hem olaylar hem de isimler eşit derecede hayalidir ve yine de zevk verir" (b 15-23).

Burada sadece Aristoteles'in sanatsal ufkunun genişliği değil, aynı zamanda mitolojik görüntünün bütünlüğü, genelliği ve kendine özgü gerçekçiliği hakkındaki bu argümanlar arasında trajedinin verdiği hazdan da bahsetmeyi unutmaması önemlidir. (eyphraifiein, ya da daha doğrusu, "sevinç" olarak çevrilir).

Sonuç olarak, Aristoteles yineler gerçek dışı Aristoteles'e göre, her zaman etkin yaratımı yoluyla gerçekleştirilen bir sanat eserinin yapımı, üretimi, yaratıcı yapısı, virtüöz figüratifliği:

"Trajedinin etrafında döndüğü alanda, geleneğin koruduğu mitlere bağlı kalmayı zorunlu olarak bir görev haline getirmemek gerekir. Ve bunu başarmak gülünç, çünkü iyi bilinenler bile birkaç kişi tarafından biliniyor, ama bu arada, veriyor. Bundan, şairin, yeniden ürettiği ölçüde bir yaratıcı olduğu ve eylemleri yeniden ürettiği için, vezinlerden çok olay örgülerinin yaratıcısı olması gerektiği açıktır. Gerçek olayları tasvir etmesi gerekse bile, yine de bir yaratıcıdır, çünkü bazı gerçek olayların olasılık ve olasılık karakterine sahip olmasını hiçbir şey engelleyemez. Bu yüzden onların yaratıcısıdır" (b 23-33).

4. Sanatsal bir nesnenin estetik bir keskinliği olarak ifade.

Şimdi nihayet, bir ifade alanı olarak Aristotelesçi sanat anlayışına geliyoruz. Gerçekten de, burada kendi başına açıkça ortaya çıkıyor ki, yalnızca içerik üzerinde değil, ayrıca belirli bir zevk veren herhangi bir içeriğin tasarımının virtüözlüğü üzerinde de hesaplanan bu tür bir sanatsal nesne teorisi, kesinlikle deneyimli bir estetiktir. . ifade,önemli olan nesnel olarak var olan ya da öznel keyfilik düzeninde icat edilen şey değil, ifadenin kendisinin ustalığı ve onunla bağlantılı özel hazdır.

a)Önceki alıntıların sonuncusunda, Aristoteles'in iyi bilinen ve anlaşılır mitolojik olay örgülerine çok düşkün olmasına rağmen, yine de bir eserin sanatının bu iyi bilinen ve anlaşılır olay örgülerine bağlı olmadığına inandığına ikna olmuştuk. Konular halk tarafından tamamen bilinmeyebilir ve yeniliklerinde tamamen anlaşılmaz olabilir, ancak halk bu olay örgülerinden estetik zevk alabilir. Ve neden? Çünkü Aristoteles için bir sanat yapıtında önemli olan "ne" değil, "nasıl"dır veya daha doğrusu, her ikisinin tek bir dışavurumcu ve dolayısıyla inandırıcı biçimsel-yapısal imgede tam olarak kaynaşmasıdır. Aşağıda, Aristoteles'in sanatın kökenini, bir kişinin "taklit"e, yani etrafındaki her şeyi yaratıcı bir şekilde yeniden yaratmaya ve bu tür taklitten zevk almaya olan doğal eğilimiyle nasıl belirlediğini göreceğiz.

b)Şimdi Aristoteles'in "Politika" bölümünde çok ilginç bir akıl yürütmesini vereceğiz:

“Çocuklara genel olarak yararlı konular öğretilmelidir, sadece bundan elde edilen faydalar açısından değil - örneğin okuryazarlık gibi, aynı zamanda bu eğitim sayesinde onlara anlatmak mümkün olduğu için de öğretilmelidir. bütün çizgi diğer bilgiler. Resimde de durum böyledir: Kendi hareketlerinde hataya düşmemek, ev eşyası alıp satarken aldanmamak için değil, fiziki güzelliği belirlemede gözü geliştirdiği için resim incelenir. . Genel olarak, her yerde tek bir fayda aramak, en azından yüksek manevi niteliklere sahip ve özgür doğmuş insanlar için "(VIII 3, 1388 a 37 - 1388 b 4).

Başka bir deyişle, Aristoteles'e göre sanatsal bir nesne, eşit derecede yaşamsal olarak tarafsız ve yaşamsal olarak yararlıdır. Sanat, ne "evet" ne de "hayır"ın söylenmediği tamamen özgül bir alandır, ancak yine de her zaman olası olumlamaların ve inkarların bir alanıdır. Bu, ifade edici oluş-eylemlerin alanıdır. Müzik ve müzik eğitiminin özünü ele alırken aşağıda göreceğimiz gibi, müzik özellikle bununla ayırt edilir (Polit. VIII 4-5).

içinde) Güzelin genellikle fiziksel olandan daha yüksek olduğu, Aristoteles'in (Ethic. Nic. III 12) bir yumruk dövüşçünün bir çelenk ve onur almasının hoş, ancak mücadele sırasında darbe almanın acıttığı mantığından açıktır, ve yiğit işler güzel bir amaç uğruna ve ayıptan kaçınmak için yapılır, oysa yaralar ve ölüm hiçbir şekilde güzel ve hoş bir şey değildir. Aristoteles burada güzelin etkili olduğunu, ancak salt fiziksel anlamda olmadığını söylemek ister.

"Sanat eserlerinde mükemmellik (ey) kendindedir ve bu eserlerin sanatın kendisinde bulunan kurallara göre ortaya çıkması yeterlidir" (II 3, 1105 a 27-28).

"Dolayısıyla sanat, yanlış, imkansız veya olası olmayan nesneleri tasvir ettiği için eleştirilemez. Sanatta tasvir edilen her şeyin hem nesnel olarak doğru hem de nesnel olarak mümkün ve nesnel olarak olası olması elbette daha iyi olurdu, ancak örneğin bir at olsaydı. iki sağ ayak öne atıldığında, o zaman ressamı eleştiren resim sanatını bunun için değil, sadece gerçeklikle tutarsızlığını eleştirir.Sanatsal bir görüntünün konusu nesnel olarak bile imkansız olabilir.Ancak şiir için, imkansız tercih edilir, ancak mümkün olandan daha olasıdır, ancak inanılmazdır" (Şair. 25, 1460 b 6 - 1461 a 9; 11-12).

Aristoteles, bir sanat eserinin virtüöz yapısını, trajedide olayların kendilerini değil, "mit" dediği şeyi, yani olayların bağlantısını takdir ettiğinde bile varsayar. Bu nedenle, örneğin Aristoteles'e göre trajedi, karakterlerin tasviri olmadan bile mümkündür, ancak olayların bitmiş ve açıkça ifade edilmiş bir bağlantısı olmadan hiçbir şekilde mümkün değildir. Bu, diğer tüm sanatlar için de geçerlidir.

"Eylem olmadan trajedi imkansızdır, ancak karakter olmadan mümkündür" (6, 1450 a 24-25). "Aynı şey sanatçılar arasında da fark edilir, örneğin, Zeuxis'i Polygnotus ile karşılaştırırsak: Polygnotus iyi bir karakteristik ressamdır ve Zeuxis'in mektubunun hiçbir özelliği yoktur" (a 27-29). “Birisi karakteristik sözleri ve güzel sözleri ve düşünceleri uyumlu bir şekilde birleştirirse, trajedinin görevini yerine getirmeyecek, ancak tüm bunları daha az kullanmasına rağmen, bir arsa ve uygun bir olay kompozisyonuna sahip olsa da trajedi bunu çok daha fazla başaracaktır” (a 29-33).

Sonuç olarak, trajedinin sanatsal anlamı, olaylarda değil, yalnızca olayların bileşiminde, yani yapısında yatar. Aynı şey resimde de olur.

"Birisi en iyi boyaları düzensizlik içinde bulaştırırsa, karalanmış tebeşir çizimi gibi bir zevk bile veremez" (a 33-36).

5. Sanatın yapısal kendi kendine yeterliliğinin felsefi olarak doğrulanması.

Ne yazık ki, şu anda, yer darlığından dolayı, Aristoteles'in fiilen sahip olduğu, sanatın yapısal doğasının felsefi doğrulamasını tam olarak veremiyoruz. Organon'daki Kategorileri takip eden ilk incelemeye Yorum Üzerine denir. Gerçek şu ki, kendi başına alınmaya ek olarak, bir kişi için her zaman bir veya başka bir yorumu, bir veya başka bir yorumu vardır. Bu yorum, elbette, bir bütün olarak alındığında tüm kozmosa ilişkin olarak mevcuttur. Ama kozmosun böyle bir yorumu, bildiğimiz gibi, Aristoteles için kozmik Akıldır. Aristoteles, bahsi geçen risalede, Varlığın kendisi karşısında varlığın insan tarafından yorumlanması haklarını savunur. Yorumun belirli bir doğası vardır: Varlığın kendisinde doğru olan her şey düşünmede doğru değildir; ve Aristoteles'in varlık için yasakladığı çelişkinin kendisi düşüncede oldukça mümkündür. Yani "olmak" ve "olmamak" kabul edilemez bir çelişkidir. Bununla birlikte, düşünmede, gerçek ve kategorik kipliğe ek olarak, doğruluk veya yanlışlık hakkında konuşmanın anlamsız olduğu başka kiplikler de vardır. Bu, olası varoluşun tüm alanıdır. Henüz var olmadığı için doğru olduğu veya olasılık aşamasında kategorik olarak henüz doğrulanmadığı için yanlış olduğu söylenemez. Ve bu incelemede özellikle çarpıcı olan şey, Aristoteles'in, hiçbir şeyin onaylanmadığı veya reddedilmediği bu tür bir varlığı düşünmek için bizi özellikle poetika ve retoriğe göndermesidir.

Aristoteles şöyle yazar:

"Her konuşma [yargı] içermez, ancak yalnızca bir şeyin doğruluğunu veya yanlışlığını içerenleri içerir, bu nedenle, örneğin" dilek "(eyche) konuşmadır, ancak doğru veya yanlış değildir. Konuşma türlerinin geri kalanı burada serbest bırakıldı, çünkü onların incelenmesi retorik veya poetikaya daha uygundur; sadece yargı (logos apophanticos) mevcut değerlendirmeye aittir" (De yorum. 4, 17 a 2-7).

Böylece Aristoteles, teorik felsefesinin en önemli incelemelerinden birinde sanata olumlu veya olumsuz yargılar uygulamanın imkansızlığını kanıtlamıştır. Sanatsal varlık hem vardır hem de değildir. O yalnızca bir olasılıktır, yalnızca bir sorunsaldır, yalnızca önceden belirlenmiş ve yüklüdür, ama hiçbir şekilde varlık hakkında olumlu ya da olumsuz bir yargılar sistemi değildir. O sadece ifadenin kendisidir, başka bir şey değildir.

Aristoteles'in ve Aristoteles hakkındaki yukarıdaki tüm yargılar, başkalarının gözünde, Aristoteles'in sanat üzerine tüm öğretisini boş ve anlamsız bir biçimciliğe indirgeyebilir. Bu, Aristoteles'in estetiğini hiç anlamamak anlamına gelir. Gerçek şu ki, tüm bu sanatsal "olasılık", "tarafsızlık" ve genel olarak özgül kiplik, içeriğin aksine, biçimi değil (ve bundan birçok kez bahsettik) temsil eder (ve bunun hakkında birçok kez konuştuk), tıpkı doğru, biçimsiz içeriği değil, ama hangi biçim ve içerikte tanımlandıkları, birbirlerinden neleri farklı olmadıkları ve varlıkları ile yokluklarının tam bir ayırt edilemezlik noktasına kadar birleştiğidir. O halde Aristoteles'in sanatla yalnızca biçimleri ve yalnızca yapıları ile ilgilendiği nasıl söylenebilir?

"Poetika"nın 17. bölümünün tamamı tam olarak sanatın somut tasarımının sorularına ayrılmıştır.

"Trajedi" der Aristoteles, "en açık, en inandırıcı ve onu oluşturan sahneler en anlaşılır olacak şekilde yazılmalıdır. En büyüleyici olanlar, aynı türden duyguları yaşayan şairlerdir. gerçekten öfkeli biri.Sonuç olarak şiir, ya zengin yetenekli bir kişinin ya da çılgınlığa eğilimli bir kişinin kaderidir.

Aristoteles'te bir sanat eserinin özünü tasvir ederken biçimcilik nerededir?

Aristotelesçi estetiğin "başlangıç", "orta" ve "son" gibi "biçimsel" kategorileri hakkında yukarıda yeterince söylenmiştir. Orada, Aristoteles'in burada formalizme değil, yalnızca dünyayı plastik, heykelsi bir algılama biçimine sahip olduğunu kanıtlamaya çalıştık. Şimdi Aristoteles'in bir dönem kavramı ve tam da onun yapısal düzeni nedeniyle aldığımız estetik zevk hakkında neler söylediğine bakalım:

"Kendi içinde başı, ortası ve sonu olan, boyutları kolayca görülebilen bir söze dönem diyorum. Bu üslup hoş ve anlaşılır; hoştur, çünkü yarım kalmış bir söylevin karşıtıdır ve dinleyiciye her zaman bir şeyi kavradığı ve onun için bir şeyin sona erdiği anlaşılıyor, ancak hiçbir şeyi öngörmemek ve hiçbir şeye varmamak hoş değil.Bu tür konuşmalar anlaşılabilir çünkü hatırlaması kolay ve bu, periyodik olarak konuşmanın bir numarası vardır ve sayı en kolay hatırlanır. Bu yüzden herkes ayetleri nesirden daha iyi hatırlar, çünkü ayetlerin ölçüldüğü bir sayı vardır "(Rhet. III 9, 1409 a 35 - 1409 b 8).

Burada tekrar soralım, Aristoteles'in sanat eserlerini değerlendirirken estetik biçimciliği nerededir?

Aristoteles bir ahlakçı olarak tüm aşırılıklara karşı durur ve her yerde ortayı, ılımlılığı vaaz eder. Ama sanat nesneleri konusunda orta yol ve ölçülülük bilmez.

"Alçak, bedensel zevklerde ölçülülük gözlemlenmelidir, ancak resimlerin renginin zevklerinde, dinlemekten gelen zevklerde değil. müzik eserleri ve ince zarif kokulardan. "Görmekten hoşlananlara, örneğin çiçeklere, şekillere veya resimlere ne ılımlı ne de ölçüsüz diyoruz, ancak böyle insanlar için hem aşırı hem de yetersiz normal bir zevk olabilir. Aynı şey kulak zevkleri için de söylenmelidir: Melodilerden ve tiyatro gösterilerinden çok hoşlanan insanlara kimse ölçüsüz demez ve ölçülü bir şekilde eğlenenlere ılımlı demez. Meyvelerin, güllerin veya tütsü bitkilerinin kokusundan hoşlanan koku severleri aramaz "(Ethic. Nic. III 13, 1118 a 1-9).

"Renklere ve biçimlere, resme, müziğe ve hatta tütsüye dalmanın herhangi bir ölçüsünü bilmeden" olasılığı vaaz edildiğinde, sanata karşı böyle bir tutuma biçimci denemez. Sanatın estetik zevkinin aynı sınırsızlığını sanatta da buluyoruz. başka bir inceleme ve dahası, hatta daha ayrıntılı olarak (Ethic. Eud. III 2, 1230 b 31).

7. Aristoteles'in sanat öğretisini modernleştirme tehlikesi.

Aristoteles'in sanatıyla ilgili önceki tüm materyallerini gözden geçirerek ve bunları sanatsal özgünlük açısından analiz etmeye çalıştığımızda, Aristoteles'in estetiğinin sunumunda genellikle bulunmayan bir takım sürprizlerle gerçekten karşılaşıyoruz. Dinamik varlık ile saf varlık arasındaki fark bile birçokları için şaşırtıcı olabilir. Sonuçta, olandan daha fazla ve daha az bir şey olmadığı ortaya çıktı. sanatsal varoluş ne olumlu ne olumsuz, ne "evet" ne de "hayır" demediği, tarafsız olduğu ve nihayetinde yaratıcı sanatçının öznel alanında köklerinin olduğu. Yoldan sapmak ve Aristoteles'in estetiğini, Mach ve Avenarius'un epistemolojisinde kendilerine canlı bir ifade bulan modern nihilist idealist düşünce biçimleriyle aynı düzleme koymak çok kolaydır. Görünüşe göre, Aristotelesçi estetiği aydınlatmak ve onu modern Avrupa ve Amerikan teorileri düzleminde değerlendirmek için çok şey yapan yazar V. Tatarkevich 159, bu yanlış pozisyona eğilimlidir. Aristoteles'te, Aristoteles'in geleneksel anlayış ve açıklamalarının çok ötesine geçen çok şey fark etti; Ülkemizde de önemli bir rol oynayan Aristoteles'ten bu tür birçok metinden alıntı yapıyor (ancak bu metinlerden sadece bizde çok daha fazlasına sahibiz). V. Tatarkevich'in ana tezi, tam olarak, Aristoteles'in, bu yazara göre, tüm eski felsefelerden (Cicero hariç) keskin bir şekilde farklı olduğu ve içinde bulunduğu tarafsız sanat alanı hakkında öğrettiği iddiasıyla ortaya çıkıyor. kesinlikle günümüze yakın. Ayrıca Aristoteles'in felsefesinde zihnin dinamik-enerjik doğasına ilişkin daha gelişmiş bir doktrin verdik ve ayrıca Aristoteles'in sanat kuramında öznelliğin nesnel varlık üzerindeki önceliği hakkında metinler aktardık. Bununla birlikte, Aristoteles'in estetiğinin bütün bu yanı, bizi ve onda bulduğumuz diğer her şeyi en ufak bir şekilde bulanıklaştırmamalıdır.

Aristoteles gerçekten bu tür bir teoriyi vaaz ettiyse, o zaman V. Tatarkevich, Aristoteles'in hiç de eski değil, çağdaş bir sanat teorisyeni olduğu konusunda kesinlikle haklı olurdu. Ancak Aristoteles'in yakından incelenmesi, bu "Machist" unsurun Aristoteles'in genel antik ontolojizmi ile doğru ve koşulsuz olarak birleştirilebilmesi gerektiğini ve bir sanat eserinin özgünlüğünün sanat, doğa hakkındaki genel antik öğretiler ile birleştirilmesi gerektiğini göstermektedir. ve varlık. Aristoteles'in öğrettiği akıl bu dinamik-enerji kavramıyla çelişmemekle kalmaz, birçok kez gösterdiğimiz gibi burada Aristoteles koşulsuz birliğe sahipti ve ontolojizminin hiçbiri bundan zarar görmedi. İşlerin durumunu fiilen karakterize etmek için, şimdiden birçok sayfamız olan teorik tartışmalara girmeyeceğiz, sadece Aristoteles'in genel antikite eğilimini pasif bir şekilde gözlemlemenin en kolay olduğu daha dar iki soruya değineceğiz. insan öznesinin anlaşılması, buna rağmen, Aristoteles'e göre, sanat olarak adlandırılması gereken şeyin kökleri insan öznesindedir.

a) Kendimize böyle birinci sınıf bir antikite filozofu ve ayrıca istisnai bir ansiklopedistin sanatın tüm içsel unsurunu nasıl hissettiğini soracak olsaydık, o zaman karşılık gelen tutumların uyuşukluğuna ve pasifliğine şaşırırdık. Antik çağda başka yerlerde olduğu gibi burada da Aristoteles'te enthoysiasmos, "coşku" terimi ortaya çıkar, ancak bu bizim anladığımız anlamda coşku değil, daha çok bir şeydir. tutkulu heyecan, duygusal ilham. Aristoteles bunu şu şekilde tanımlar: “Coşku, ruhumuzdaki etik bir düzenin bir etkisidir” (Polit. VIII 5, 1340 a 11-12) ve burada ethos, “ethos”, etik anlamında değil, etik anlamında anlaşılmalıdır. Fransız ve İngilizlerin modern ve modern zamanlarda "ahlaki" terimini, yani geniş bir psikolojik anlamda anladıkları gibi. Filozofun müzikle ilgili olarak üzerinde çokça bahsettiği bu coşku, aslında onun tarafından oldukça ölçülü ve ölçülü karşılanmaktadır. Coşku, coşku elbette faydalıdır. Küçük bir şair olan Maracus of Syracuse hakkında Aristoteles (Probl. XXX 1, 954 a 38-39), "esrime içinde olsaydı daha iyi bir şair olurdu" diyor. Ancak Aristoteles, bunu bir hastalık olarak kabul ederek, tüm aşırı coşku biçimlerini reddeder. Çocuklarını öldüren Herkül'ün ya da Atrides yerine koyunları öldüren Ajax'ınki gibi vecdler, Aristoteles için tüm hastalık belirtilerine sahiptir. Aynı risalede (a 36-38) tamamen fizyolojik kendinden geçmiş durumların açıklaması. Örneğin, sibiller ve Bakidler, doğadan gelen hastalıklı yatkınlıklar temelinde hareket ederler. Kara safra, yetersiz beslenme ve benzerleri bu "coşkunluğun" nedenleridir. Aristoteles, Empedokles, Sokrates ve Platon (953-27-32) dahil olmak üzere birçok filozofu bu tür "melankoliklere" atıfta bulunur. Bu doğal olmayan durumlar yerine, Aristoteles, örneğin Poetika'nın 17. bölümünde bulduğumuz gibi, yazarlara çok sağlam tavsiyelerde bulunur:

"Mitleri derlerken ve dillerini işlerken, olayları olabildiğince yakın bir şekilde gözünüzün önüne getirmek gerekir. Bu durumda şair, onları oldukça açık bir şekilde görerek ve sanki onların gelişimi sırasında oradaymış gibi, doğru olanı ve en iyisini bulabilir. çelişkilere dikkat edin” (1455 a 22-26 ).

Bu çok sakin ve mantıklı bir tavsiyedir ve ilhamla ilgili soruları çok gerçekçi ve psikolojik temellere oturtur.

b) sorusu kadar gerçekçi fantezi. Bu anlamda edilgenliğin özelliklerini Platon'da da buluruz. Bu, burada ayık kalmaya çalışan Aristoteles'in en karakteristik özelliğidir. psikolojik analiz. Ecstasy etkisi altında, insanlar genellikle gerçeklik için kendi temsillerinin imajlarını alırlar: "Temsil imajlarının (fantasmata) gerçekten var olduğunu ve onları hatırladıklarını söylerler" (De memor. 1, 450 b 10-11). Genel olarak, fantezi gerçek duyusal duyumlardan çok daha zayıftır. Rhet'te. I 11, 1370, 28-29 Aristoteles açıkça şöyle der: "Teslim (fantazi) bir tür zayıf duyumdur." Ancak bu pasiflik çok önemli bir başka yönü gölgelememelidir.

içinde) Gerçek şu ki, Aristoteles, zaten çok iyi bildiğimiz gibi, fikirler sorununda Platon'a itiraz ederken, aslında fikirlerin varlığını kesinlikle reddetmez, onları yalnızca içkin olarak şeylere, gerçekliğe yerleştirir. Bu içkinlik ise kabaca anlaşılamaz. Bu, yalnızca fikrin şeyle birlikte ele alındığında daha fazla hale gelmesine yol açar. karmaşık anlamsal desen, olur ifade biçimi, saf anlam olmaktan vazgeçmeden. Aristotelesçi "ne" veya "biçim", "eidos" un anahtarı buradadır. Aynı sembolizmi Aristoteles'te ve onun psikolojisinde de gözlemliyoruz. Ruh, bedenin saf bir formu olarak düşünülür, ancak var olur. "vücut olmadan olmaz"(De an. II 2, 414 a 5-22), bu nedenle, bedenin anlamsal ifadesidir (415 b 7-27). Duyu algısının saf eidos'u vardır, ancak önemsiz değil(417b28 - 418a6). Aynı doktrin, nihayet, düşünmek. Aristoteles'e göre düşünme, duyusal algı ile aynı koşullardadır, yani düşünülebilir olanın etkisi altındaki edilgen bir durumdur (III 4, 429 a 13-15). Ama kavranabilir olanın kendisi tam da öyledir ki, duygulanım yaratmaz ve bu nedenle, tam anlamıyla, zihnin kendisi, acı çekmenin ötesindedir. Eidos içerir ve akla gelebilecek her şeyin gücü vardır. Her şeyi düşünen biri olarak hiçbir katkı içermez. Bu sadece tam düşüncenin gücüdür. Ve bedene hiç katılmaz, çünkü aksi takdirde sıcak ya da soğuk olur ve bir tür organı olur. O - eidos yeri, ve hepsinden önemlisi potansiyel. Gelişmiş düşünce zaten bir düşünce bütünü yaratır; burada - entellektüel eidos (429 a 15 - b 10). Ancak zihin sadece saf ve aktif değildir. Ayrıca her zaman düşünmediği için acı çekiyor. Akıl kendinde olduğundan, kendini düşündüğünden, duyulur her şeyden bağımsız olduğundan, düşüncenin düşüncesidir ve dolayısıyla kendi düşüncesidir. ifade içinde bulur öz farkındalık(bu durumda, düşünen ve düşünülebilir olan özdeştir, 430 a 3-5). Aksini düşündüğü sürece, deyim yerindeyse bu ötekinden etkilendiğinden, ifadesini onda bulur. figüratif düşünme, ya da daha iyisi, düşünmenin özel bir zihinsel temsilcisi aracılığıyla sezgisel olarak gerçekleşir.

Aristoteles burada başka problemlerde ifade edebileceğimiz aynı istemsiz çatışkıyı tekrarlar: ruh bir beden değil, bedensiz de değildir; duyum hareket değildir, ama hareketsiz de değildir. Aristoteles zihinle ilgili olarak doğrudan şunu söyler: "Ruh asla bir imge olmadan düşünmez" (aney phantasmatos) (III 7, 431 a 16-17) ve imgeler düşüncelere aynı "değişimi" ya da, yorumumuz, "ifade", ilgili ışık ortamının genel olarak renge ne katkıda bulunduğunu.

"Düşünme ilkesi, imgelerdeki eidos'u düşünür" (413 b 2).

"Kabul etmek gerekir ki, duyusal olarak algılanan (onun) niceliklerinden ayrı olarak var olacak tek bir şey olmadığı için, kavranabilir olan duyulur eidos içinde verilirken, hem soyut nesneler olarak adlandırılanlar hem de durumlarla ilişkili olanlar ve Dolayısıyla, Hiçbir şeyi duyusal olarak algılayamayan kişi hiçbir şeyi ne tanıyabilir ne de anlayabilir ve zihinsel olarak tefekkür ettiğinde, aynı anda belirli bir hayal imgesi (fantasma) tasarlaması gerekir, çünkü bu görüntü algı görüntüleri (hösper athёmata) gibi var olur. İmgelem, olumlama ve olumsuzlamadan farklı olduğu gibi, doğru ya da yanlış da şu ya da bu düşüncelerin birleşimidir.Fakat birincil düşünceler duyulur görüntülerden nasıl farklıdır? onlar - görüntü olmadan değil" (III 8, 432 a 3-14).

Zihin “saftır” (III 5, 430 a 18, vb.), “eidos eidos” (III 8, 432 a 1), hareket eden bir şey değildir (III 9, 432 b 26-27) ve hatta bir ruh (II 2, 414 a 4-14) ve diğer yandan, duygusallık olmadan enerjik olarak imkansızdır.İşte Metafizik'te genel olarak belirttiğimiz problemlerin tam bir tekrarı: eidos gerçekler değildir, ancak yalnızca nihai ifadesini aldıkları şeylerde gerçek anlam taşırlar. Ve enerjinin nesnelerde sembolik olarak verilen anlamsal bir ifade olması gibi, burada düşünme de sembolik olarak duyusal imgelerde verilir, hepsi aynı anlamsal ifadedir.

G) Ne kadar iyi bir baskı olduğunu görmek kolay pasiflik Aristoteles'in tüm bu simgesel betimleyici estetiğinde yatmaktadır. Onun için fantezi, saf düşünceyi resimsel figüratifliğe ve dışavurumculuğa dönüştüren ve şehvetli görüntüleri kör ve sağırdan şeffaf bir şekilde sembolik ve sanatsal hale getiren saf düşünce ve şehvetli görüntülerin çok dengeli, sakin bir bağlantısıdır. Bu bağlantı, elbette, temeldir: Her estetik, sanat psikolojisi incelemesinin ilk sayfasında bunu varsayar. Sokrates, bildiğimiz gibi, sanatçılardan da aynısını istedi; Platon, Timaios'ta kendi "olası mitini" kurarken bilinçli olarak "duyarlılığı" kullandı; Plotinus aynı zamanda saf Zihni bedensel işaretlerle vb. hatırlayacaktır. vb. Ancak tüm antik estetik bu temel bağlantıyı anlar. dahili pasif, düşünceli, "klasik"; Aristoteles, Platonculuğun öz-bilinç alanındaki diyalektik yapılarının aksine (olgun form Plot. V 3'tedir) ve Stoacı-Epikuryen natüralizmin ("çıkışlar", "ruhun atomları" vb.) ), verir anlamlı semantik Fantazinin betimlenmesi, sanatçının bu ortak antik pasif-plastik bilincinin dışavurumcu bir fenomenolojisini verir.

Sayfa 0,04 saniyede oluşturuldu!