Stil(Yunanca stilos - çubuk, yazı çubuğu) - bir dönemin, bölgenin, ulusun, sosyal veya yaratıcı grubun veya bireyin sanatsal olarak kendi kaderini tayin etmesinin yerleşik bir biçimi. “Tarihsel sanatsal tarzlar” olarak adlandırılan en büyüklerin doğuşu, gelişimin iç mantığı tarafından belirlenir. sanatsal düşünme kişi, dünyayı görmenin belirli yolları, kişinin yaşadığı ve hareket ettiği mekan ve zamanın özelliklerinin farkındalığı. Sanatta üsluplar kesin sınırlara sahip değildir; birbirlerine dönüşürler ve sürekli gelişim halindedirler.

Romanesk tarzı (X-XIII yüzyıllar)."Roma" kelimesi Latince romanus - Roman'dan gelir. Romanesk binalar yalnızca Antik Roma'nın siyasi ve kültürel devamlılığını simgelemekle kalmıyor, aynı zamanda Avrupa'nın yeni yöneticilerinin sınırsız gücüne ve Hıristiyan Tanrısının her şeye kadir olduğuna da tanıklık ediyor. Mimaride Romanesk tarz, binalarda tonozlu ve kemerli yapıların, masif duvarların, dar pencerelerin ve çeşitli silüetlerdeki kulelerin kullanılmasıyla karakterize edilir. Stil basitlik, uygunluk ve titizlikle karakterize edilir. Tapınaklar, manastır kompleksleri ve şövalye kaleleri Romanesk tarzda inşa edildi.

Gotik tarz (XII-XVI yüzyıllar)."Gotik" kelimesi Alman Got kabilesinin adından gelmektedir. Romanesk üsluptan sonra Gotik, Orta Çağ'ın ikinci kanonu ve tarihteki ilk pan-Avrupa sanat üslubu oldu. Tarzın temeli mimaridir. Kasayı hafifletmeye yönelik teknolojik ihtiyaç, yeni bir tasarımın ortaya çıkmasına neden oldu.

Yüksek sivri kemerler, nervürlü tonozlar ve çerçeve destek sistemi, devasa alanların kapatılmasını, binanın yüksekliğini artırmayı ve yıkılma korkusu olmadan duvarların yükünü hafifletmeyi mümkün kıldı. Duvarlar büyük pencereler ve vitray pencerelerle kesilerek özel bir renk ve ışık oyunu yaratıldı. Dikey ana kompozisyon baskın hale gelir. Tüm bu teknikler yaratmayı mümkün kıldı sanatsal görüntü irrasyonel, mistik özlemi yansıtan insan ruhu gökyüzüne. En ünlü Gotik katedral katedraldir Paris'in Notre Dame'ı Fransa'da.

Barok (16. yüzyılın sonu - 18. yüzyılın ortası). Barok dönem, mutlakiyetçiliğin yükselişinin yanı sıra tiyatro ve operanın gelişimiyle de ilişkilidir. İtalya'da ortaya çıktı ve Rönesans'tan sonra diğer Avrupa ülkelerine yayıldı. "Barok" kelimesi - Portekiz kökenli ve "inci" anlamına geliyor düzensiz şekil" Barok sanat, ihtişam, ihtişam, muhteşem efektlere olan tutku, fantastik ve gerçeğin birleşimi, ölçek ve ritim, malzeme ve doku kontrastları ile karakterize edilir. Barok sanatın ana anlatım aracı ışık ve gölge oyunudur. Barok, resimsel yanılsama, yani gözü aldatma, tasvir edilen mekandan gerçek mekana kaçma arzusuyla karakterize edilir.

Klasisizm (XVII - XIX yüzyılın başı)."Klasisizm" kelimesi Latince classicus'tan gelir - birinci sınıf, örnek. İÇİNDE Batı Avrupa Klasisizm, 17.-18. yüzyıllarda, Rusya'da - 18.-19. yüzyılların ikinci yarısında sanata egemen oldu. Bu Sanat tarzı kompozisyon bütünlüğü, bütünlük ve denge fikirlerinin en yüksek tezahürünü temsil eder. Sanatsal görüntünün sadeliği, netliği, rasyonelliği ve tutarlılığı arzusunu ifade eder. Bu ideal kendini en açık şekilde antik klasikler çağında gösterdi.

Bu nedenle çoğu durumda klasik düşüncenin hakimiyeti, antik sanat biçimlerine yönelim anlamına gelir. Bir düşünme yöntemi olarak klasisizm normatif ve sistematiktir. Klasisizmde bir kurallar sisteminin ve eksiksiz bir sanatsal yaratıcılık teorisinin olması tesadüf değildir. Klasisizm, kaderin zulmüne ve varoluşun değişimlerine karşı direniş, kişisel olanın genele tabi kılınması, göreve tutkular, akıl ve toplumun en yüksek çıkarları gibi estetik normları öne sürer. Klasisizm edebiyatında katı bir tür hiyerarşisi vardı: "yüksek" (trajedi, destan, kaside, tarihi, mitolojik, dini resimler) ve "düşük" (komedi, hiciv, masal, tür resmi).

Klasisizmin son aşaması İmparatorluk tarzıdır.

Rokoko (18. yüzyılın ilk yarısı)."Rokoko" kelimesi, "asimetrik", "süslü buklelerle süslenmiş" anlamına gelen Fransızca "rocaille" kelimesinden gelir. Louis XV döneminde Fransa'da yaygınlaştı. Mutlakiyetçiliğin kriziyle ilişkilendirilen Rokoko, hayattan fantezi dünyasına, teatral oyunlara, pastoral olaylara ve erotik durumlara geçişle karakterize edilir. Rokoko, iç dekorasyon, heykel, resim ve dekoratif sanatlara egemen oldu.

Yön- sosyal, sanatsal hareket; hızla değişen zamanların sanatta ortaya çıkan dünya görüşü.

Romantizm (18. yüzyılın sonları - 19. yüzyılın başları). Romantizm Büyük'ün fikirlerindeki hayal kırıklığını yansıtıyordu. Fransız devrimi ve Aydınlanma'nın dünya görüşü. Romantik dünya görüşünün temeli ideal ile sosyal gerçeklik arasındaki acı verici uyumsuzluktur. Rutinlerde köklü bir değişiklik Gündelik Yaşam Sanayileşmenin bir sonucu olarak birçok insan duygu ve duygusal deneyimler dünyasına yöneldi. Bu dönemde Avrupa edebiyatında lirizm gelişti; şiir ve manzum romanlar ana tür haline geldi.

Romantizm, iki dünyanın karşıtlığıyla karakterize edilir: gerçek ve hayali. Çağdaş gerçeklikte bir ahlaksızlıklar dünyası gören romantizm, insan için bir çıkış yolu bulmaya çalışır. Bu çıkış yolu aynı zamanda toplumdan farklı yönlerden ayrılış anlamına da gelmektedir. Seçenek bir - romantik kahraman kendi içine giriyor iç dünya tutkular ve deneyimlerle dolu bir dünya, kurgu ve hayallerle dolu bir dünya. İkinci seçenek egzotik ülkelere kaçmak. Bir diğer bakım alanı ise diğer zamanlarda bakım olabilir. Romantizm, geçmişi, özellikle de Orta Çağ'ı, farklı bir gerçeklik görerek, değerleri modern toplumun faydacılığıyla karşılaştırılamayan bir kültür görerek idealleştirmeye başlar.

Gerçekçilik (Rönesans döneminde ortaya çıktı, 19.-20. yüzyıllarda bağımsız bir hareket haline geldi). Kelimenin en geniş anlamıyla, gerçekliğin tüm tezahürlerinde daha eksiksiz, derin ve kapsamlı bir yansıması arzusunu ifade eden bir terim. Gerçekçi düşünme eğilimi farklı şekillerde kendini göstermektedir. çeşitli türler sanat, sanatsal yönler ve stiller. Gerçekçiliğin gelişimi, toplumsal gelişimin çelişkilerini en iyi şekilde ifade edebilir.

Gerçekçiliğin önde gelen ilkeleri: yazarın idealiyle birleştirilmiş yaşamın nesnel bir yansıması; tipik karakterlerin, çatışmaların, durumların sanatsal bireyselleştirmeleriyle yeniden üretilmesi; “kişilik ve toplum” sorununa ağırlıklı ilgi. Realizm böyle bir şeyin yükselişine yol açtı edebi tür Sosyo-tarihsel bir roman olarak. Edebiyat da gerçekçi resmi etkiledi. Gustave Courbet(1819-1877), gerçekliğin tasviri anlamına gelen “realizm” terimini resimlerinde ilk kullanan kişi olmuştur. Courbet, daha önce sıklıkla gösterildiği gibi, insanları neşe ve memnuniyet içinde değil, çalışırken tasvir ediyordu.

Natüralizm (son üçüncü XIX V.)."Natüralizm" kelimesi Latince natura - doğadan gelir. Gözlemlenen gerçekliğin nesnel olarak doğru ve tarafsız bir şekilde yeniden üretilmesi için çabalayan edebiyat ve sanatta bir hareket. Natüralizmin teorisyeni ve başkanı Emile Zola. Natüralizmin temsilcileri, bir kişinin kaderinin tamamen sosyal çevre, günlük yaşam, kalıtım ve fizyoloji tarafından önceden belirlendiği pozisyonundan yola çıktı.

Tarihselcilik veya eklektizm (mimaride eğilim, 1820-1920). Niteliksel olarak farklı bir anlam ve amaca sahip binalar için farklı stilistik unsurların bir kombinasyonu veya binalar için keyfi bir stilistik tasarım seçimi. Mimarlar çoğu durumda çeşitli yapıları inşa ederken geçmişin tarzlarını kopyalamaya başvurdular. Bu farklı yapı tarzları, "tarihselcilik" ortak adıyla birleştirilir. Mimaride tarihi üslupların kullanılması, 19. yüzyılın teknik başarılarından gurur duyulduğunu gösteriyordu.

Sembolizm. Geniş anlamda sembolizm sanatın ayrılmaz bir özelliğidir, çünkü sanatsal yaratıcılık doğası gereği semboliktir. Bu sanatsal düşüncenin bir eğilimidir. farklı dönemler ifadesini dini sanatta, romantizmde ve Art Nouveau döneminde buldu. Sembolizm, ideal fikir alanıyla görünür ve somut arasında bağlantı kurmak için tasarlanmış sanatın vazgeçilmez bir özelliğidir.

19. ve 20. yüzyılların başında Avrupa ve Rus sanatında bir hareket olarak sembolizm, mistisizm, gizem ve semboller, alegoriler ve genellemeler yardımıyla en yüksek değerleri kavrama arzusuyla doludur. İfade edilemeyeni ifade etmek sembolizmin görevidir. Sembolizm iki dünyadır: gündelik gerçekliğin dünyası ve aşkın dünya, yani duyusal algının ötesindeki dünya. Sembolistler, sanatın insanların yaşamını, dünya görüşünü ve faaliyetlerini yenileyebilecek özel, büyülü bir güce sahip olduğuna inanıyorlardı.

Empresyonizm (19. yüzyılın son üçte biri - 20. yüzyılın başı)."İzlenimcilik" kelimesi Fransızca izlenim - izlenimden gelir. İsim, 1874'te Claude Monet'nin "İzlenim" tablosunun yer aldığı bir sergiden sonra ortaya çıktı. Doğan güneş" Empresyonistler, 20. yüzyıl sanatının gelişimi üzerinde en büyük etkiye sahip olan yenilikçilerdi. Empresyonistlerin aktardığı sanatsal araçlar izlenimler tam olarak kısa anları andıran görüntüler kamerayla kaydedildi.

Ortamdaki formu görsel olarak çözen saf boyanın ayrı darbeleriyle nesnelerin yüzeyindeki ışık, gölge ve reflekslerin dış izlenimini aktardılar. Boyama yöntemi tamamlayıcı renklerin zıt algılanması ilkesine dayanıyordu. Resimlerin konusu sanatçılar için ikinci planda kalıyordu. Resimdeki hareketi yakalamaya çalıştılar ve aynı zamanda bu hareketin geçici nüanslarını tasvir edip yakalamaya çalıştılar. Sanatçıların özellikle ilgisini çeken şey, doğal olayların (su, bulutlar, ışık) değişken, geçişli halleriydi.

Post-Empresyonizm (XIX sonu - XX yüzyılın başı). Post - after + empresyonizm. Empresyonizm yöntemine tepki olarak ortaya çıkan 20. yüzyıl resim sanatındaki çeşitli sanatsal hareketlerin genel adı: sembolizm, bölücülük, dışavurumculuk, fovizm, orfizm, kübizm. Post-Empresyonistler şunları içerir: Georges Seurat,Paul Cezanne,Paul Gauguin,Vincent van Gogh,Henri Toulouse-Lautrec neo-empresyonizm ve Nabi grubunun temsilcilerinin yanı sıra. Her sanatçı kendi yaratıcı yöntemini ve bireysel sanatsal tarzını oluşturarak kendi yoluna gitti.

Noktacılık, bölücülük veya neo-empresyonizm (19. yüzyılın sonları). Fransızca'dan nokta - nokta, enlemden itibaren. bölme - bölme. Resimsel yöntem ve post-empresyonizm resim sanatının temelinde ortaya çıkan, bir resim üzerinde çalışmanın noktalı veya dikdörtgen şeklinde saf renkli küçük ayrı vuruşlarla gerçekleştirildiği resimsel yöntem ve hareket. Farklı renkteki boya vuruşlarının, her zaman olduğu gibi sanatçının paletinde mekanik olarak değil, izleyici resmi belli bir mesafeden algıladığında optik olarak karıştırılması gerekiyordu.

Modern (XIX sonu - XX yüzyılın başı). Tarzın Fransızca adı sırasıyla “l"art nouveau” - yeni sanattır. Art Nouveau, mimaride ve dekoratif sanatlarda eklektizme karşı çıkan bütünsel bir sanatsal üslup oluşturma girişimlerinin bir dizisidir. Art Nouveau temsilcileri yeni kullandı teknik yapıcı araçlar (metal, cam, seramik), serbest düzen, sıradışı, belirgin şekilde bireysel binaların (çoğunlukla şehir konakları) yaratılması için benzersiz mimari dekor, tüm unsurları tek bir süs ritmine ve benzersiz bir sembolik tasarıma tabidir. dekoratif Sanatlar Art Nouveau, sembolizmin şiirselliği, esnek, akıcı çizgilerin dekoratif ritmi ve stilize çiçek desenleriyle öne çıkıyor.

Çöküş veya çöküş (19. yüzyılın ikinci yarısı - 20. yüzyılın başları).İtibaren Fransızca kelimeçöküş - çürüme, düşüş. Kriz olgularının genel adı Avrupa kültürü Bunlar umutsuzluk ruh halleri, yaşamı reddetme ve bireycilik ile karakterizedir. Çöküşün sürekli temaları, yokluk ve ölüm motifleri, manevi değerlere duyulan özlem, sivil ideallerin reddedilmesi, aklın artan rolüyle ilişkilendirilen akla inançtır. Rusya'da, özellikle 1905-1907 devriminden sonra, Sanat Dünyası ve Mavi Gül derneklerinden bir takım ustaların eserlerinde dekadans yaygınlaştı.

Avangard (XX yüzyıl). 20. yüzyılın sanatsal kültüründeki rengarenk ve çeşitli yenilikçi, devrimci, isyankar hareketler ve eğilimlerin bir koleksiyonunu ifade eden bir terim. Avangard fenomenler tarihteki tüm geçiş aşamalarının karakteristik özelliğidir sanatsal kültür, bireysel sanat türleri. Ancak 20. yüzyılda. Avangard, 20. yüzyılın bilimsel ve teknolojik ilerlemesinin neden olduğu kültürel ve uygarlık süreçlerinde bir dönüm noktasıyla ilişkilendirilen güçlü bir sanatsal kültür olgusu olarak küresel önem kazanmıştır. Avangardın ana eğilimi geleneklerin reddedilmesi ve yeni biçimlerin deneysel arayışıdır.

Daha geniş bir modernizm hareketinin aşırı bir ifadesi olarak avangard, çeşitli yollar okuyucular, dinleyiciler ve izleyiciler üzerinde doğrudan etki. Bu avangard sanat olmadan şok, skandal ve rezalet yaratmak imkansızdır. Önemli olan sanatın etkinliğidir - dışarıdan bir insanı şaşırtmak, heyecanlandırmak ve aktif bir tepki uyandırmak için tasarlanmıştır. Bu durumda, reaksiyonun anında, anlık olması, uzun ve yoğun bir estetik biçim ve içerik algısı hariç tutulması arzu edilir. Tamamen ya da kısmi yanlış anlama, organik olarak avangard sanatçının planının bir parçasıdır. Avangardın en önemli özelliği sıradışılığı ve akılda kalıcılığıdır.

Avangardın ilkeleri kübizm, fütürizm, dadaizm, soyut sanat, gerçeküstücülük, dışavurumculuk, yapılandırmacılık ve diğer hareketleri benimsemiştir. Güzel sanatlarda Rus avangardının arasında şunlar yer alır: M. Chagall,K. Malevich,V. Kandinsky. Geleneksel estetik normları ve ilkeleri, sanatsal ifade biçimlerini ve yöntemlerini sarsıp yok eden ve genellikle bilim ve teknolojideki en son başarılara dayanan sınırsız yeniliklerin olasılığını açarak, sanata geçişin yolunu açan avangarddı. sanatsal kültürü yeni bir kaliteye taşıyor. Böylece avangard, modern Avrupa kültüründeki işlevini yerine getirmiş ve 1960-70'li yıllarda bir nevi küresel olgu olarak varlığına temelde son vermiştir.

Modernizm (XIX sonu - XX yüzyılın ortası). Yaşamı tasvir etmede yeni bir yaklaşımı doğrulayan sanat ve edebiyat olgularına verilen genel ad. Modernizm, sosyal ölçek ve kültürel-tarihsel önem açısından farklı, nispeten bağımsız birçok ideolojik ve sanatsal hareketi ve eğilimi birleştirir (Fovizm, dışavurumculuk, sembolizm, kübizm, soyut sanat, yapılandırmacılık). Meşru bir sanat ve estetik sistem olarak modernizmin oluşumu, çöküş ve avangard gibi aşamalarla hazırlanmıştır. Kasvetli renklerin, karamsar ruh hallerinin ve endişeli, durgun önsezilerin hakimiyeti, insanlık dışı dünyanın bilinemezliği ve değişmezliğinin bilinci - modernizmin eserlerinin duygusal ruh hali budur.

Postmodernizm (20. yüzyılın ikinci yarısı). 20. yüzyılın ortalarında. Postmodernizm, Avrupa kültürünün gelişiminin modern aşaması olarak anlaşıldı. Önde gelen Batılı siyaset bilimciler postmodernizmi bir sembol olarak yorumluyorlar sanayi sonrası toplum. Postmodernizm felsefenin, estetiğin, sanatın ve beşeri bilimlerin yörüngesine düştüğü geniş bir kültürel harekettir.

Klasik bir filmin muzaffer dönüşü; Andy Warhol'un adını taşıyan dijital devrim ve güzel sanatlar dünyasında meydana gelen diğer ilginç şeyler

Çağdaş sanat artık modern değil. Çağdaş sanat, tüm postmodernist hileleriyle bir yüzyıl önce icat edildi.

Derisi yüzülmüş inek leşleri, video gösterileri; ilk başta heyecan vericiydi, ancak sırada ne olacağı sorusu ortaya çıkıyor. Sanatçılar Kazimir Malevich'in karesinden ve Jackson Pollock'un sıçramalarından daha soyut ve anlaşılmaz bir şey ortaya çıkarabilecek mi?

At gözlüklerini çıkar,- tanınmış Banksy'ye tavsiyelerde bulundu. Sanat ve sanat piyasasındaki yeni trendler beklenmedik bir yönden geldi.

1 Numaralı Trend.

Resim: Tahta Dönüş

Eleştirmenlere göre resim son zamanlarda "ölüyordu" ve yerini başka sanat türleri aldı - video sanatı, enstalasyon... 2000'li yılların sonunda durum kökten değişti: resim bir tür olarak yeniden canlandı.

Güzel sanatlar (tuval üzerine fırçayla eski usul yapılmış güzel sanatlar) ile çağdaş sanat (kasıtlı çılgınlığı ve biçimcilikten uzaklığıyla) arasındaki sınır aniden bir yerlerde ortadan kayboldu.

İzleyiciler ve her şeyden önce sanatçıların kendileri, geleneksel anlamda resimleri çok özlediler. Ve burada henüz her şeyin söylenmediği ortaya çıktı.

Ancak devasa, aşırı doymuş sanat piyasasında dikkat çekmek için resmin gerçekten yetenekli olması gerekiyor.

Çek sanatçılar Svetlana Kurmaz ve Alexander Sokht yeni akımın parlak temsilcileridir. Avrupa ve ABD'de ünlü olan bu türler, Krasnodar bölgesinden gelmelerine rağmen Rusya'da neredeyse bilinmiyor.

Çift uzun zaman önce Prag'a göç etti. Oldukça hızlı bir şekilde çalışmaları Batı toplumu arasında başarı kazandı.

Zor bir kaderi olan Rus göçmenler artık prestijli dünya sanat fuarları ve bienallerine katılanlar tarafından en çok aranan havuz listesine dahil ediliyor.

En azından sanat işini yürütmeye yönelik yeni yaklaşım sayesinde - bu nedenle onların örneğini kullanarak en son trendlere bakacağız.

Kendi adıma şunu söyleyeyim: Yakın zamanda Kurmaz ve Sokhta'nın muhteşem eserlerine rastladım ve hiç tereddüt etmeden onu tanımanızı rica ediyorum. Kesinlikle bunu hak ediyor.

2 numaralı trend.

Arayüz devrimi: Bir tablet üzerinde çizim yaptığınızda tuval üzerine yağlı boya elde edersiniz.

İPad mekaniğinin yaygın kullanımı, resim oluşturma teknolojisini ciddi şekilde etkiledi. Örneğin, diasek ön baskı popüler hale geldi: fotoğraf baskısına benzer bir prensip kullanılarak boya akriliğe uygulanır.

Nadezhda Voronina, sanat eleştirmeni:

- Alexander Sokht, çalışmalarını grafik programlarında yaratıyor ve bunları daha sonra tuvale, kağıda veya diaseke aktarıyor. Bu şekilde yenilikçi teknikler, yaratıcı yöntemin gelişimine yardımcı olur.

3 Numaralı Trend.

Sanat piyasasının demokratikleşmesi: Artık sanat eserleri canı sıkılan milyonerler tarafından değil, sıradan öğrenciler ve ev hanımları tarafından toplanıyor.

Şaşırtıcı gerçek: Ünlü bir ustanın orijinal eserinin maliyeti artık 100 dolardan daha az olabiliyor. Avrupalı ​​izleyici zaten sanat alışverişinin lezzetini tattı ve çağdaşlarının eserlerini topluca satın alıyor.

Yüksek sanat fiyatlarının demokratikleşmesi, en büyük uluslararası fuarın uzun vadeli başarısı örneğinde özellikle dikkat çekicidir. AAF(Uygun Fiyatlı Sanat Fuarı, “uygun fiyatlı sanat fuarı”)

Organizatörleri için eserlerin seçiminde en önemli kriter maliyetleridir: ortalama gelirli insanlara sunulan fiyat tavanını aşmamalıdır.

Kopyala-yapıştır ve yeniden yayınlama çağında pazarlama, Warhol'un fikirlerine yeni bir anlam kazandırdı: Tablo artık çeşitli versiyonlarda ve farklı fiyatlarla üretilebiliyor.

Mesela aynı Kurmaz ve Sokhta'nın eserleri hiç de ucuz değil. Ancak üç farklı fiyat noktasını yakalamalarına olanak tanıyan bir strateji geliştirdiler.

Erişilebilirlik stratejisi, yazarın orijinallerinin kağıt ve tuval üzerine sınırlı baskılarının yayınlanması yoluyla gerçekleştirilir.

Yani bir eser beş nüsha halinde mevcut olabilir, ancak her biri uluslararası bir sertifika ile onaylanan orijinaldir.

5 numaralı trend.

Galeriler artık galeri sahipleri tarafından değil, sanatçıların kendileri tarafından açılıyor.

En önemli eğilim: kişisel sanatçı galerisi, sanat piyasasındaki katılımcılar arasındaki etkileşimin ana yeri haline geliyor. Bu, sahibinin tezgahın arkasında durduğu küçük bir dükkanla aynı gelişmiş oluşumdur.

Nadezhda Voronina, sanat eleştirmeni

- Prag'ın merkezinde Kurmaz ve Sokhta'nın kendilerini sergilemek için yaratılmış kendi galerileri var. Belki de bu, sanat sergileyen ve satan modern bir galeri için en başarılı seçeneklerden biridir, çünkü gerekli her şey burada bir araya getirilmiştir - sanatçının net bir konsepti, hedefleri ve hedefleri. Bu geleceğin galerisi türüdür, çünkü çağdaş sanat her şey basitleştirildi.

Bu durumda Facebook ve Twitter’ın mekaniği çalışıyor. Yazar ile eserinin uzmanları arasındaki doğrudan iletişim, acenteler ve alıcılar aracılığıyla yapılan iletişimden daha avantajlı bir strateji haline geliyor.

Gotik(İtalyan gotico'dan - sıradışı, barbar) - Orta Çağ sanatının gelişiminde, hemen hemen tüm kültür alanlarını kapsayan ve Batı, Orta ve kısmen gelişen bir dönem Doğu Avrupa XII'den XV. Yüzyıllara kadar. Gotik, Romanesk kültürün başarılarına dayanarak ortaya çıkan Avrupa ortaçağ sanatının gelişimini tamamladı ve Rönesans sırasında ortaçağ sanatı "barbar" olarak kabul edildi. Gotik sanatın amacı kült, teması ise diniydi. En yüksek ilahi güçlere, sonsuzluğa ve Hıristiyan dünya görüşüne hitap ediyordu. Gotik, gelişiminde Erken Gotik, Heyday, Geç Gotik olarak ayrılmıştır.

Turistlerin detaylı fotoğraf çekmeyi sevdiği ünlü Avrupa katedralleri Gotik tarzın başyapıtları haline geldi. Gotik katedrallerin iç mekanlarının tasarımında renk şemaları önemli bir rol oynadı. Dış ve iç dekorasyona bol miktarda yaldız, iç mekanın parlaklığı, duvarların açıklığı ve mekanın kristal diseksiyonları hakim oldu. Madde ağırlıktan ve aşılmazlıktan yoksundu; adeta ruhsallaştırılmıştı.

Pencerelerin devasa yüzeyleri, yeniden üretilen kompozisyonların yer aldığı vitray pencerelerle doluydu. tarihi olaylar, apokrif masallar, edebi ve dini konular, basit köylülerin ve zanaatkarların hayatından gündelik sahnelerin görüntüleri, Orta Çağ'daki yaşam tarzına dair eşsiz bir ansiklopedi sağladı. Kona, madalyonlarla çevrelenmiş figürlü kompozisyonlarla yukarıdan aşağıya doldurulmuştur. Vitray tekniği kullanılarak yapılan resimde ışık ve renk kombinasyonu, duygusallığı artırdı sanatsal kompozisyonlar. Çeşitli camlar kullanıldı: koyu kırmızı, ateşli, kırmızı, lal rengi, yeşil, sarı, lacivert, mavi, lacivert, tasarımın konturu boyunca kesilmiş... Pencereler değerli taşlar gibi ısıtılıyor, dışarıdan ışık nüfuz ediyor - tapınağın tüm iç mekanını dönüştürdüler ve ziyaretçilerini yüksek bir ruh haline soktular.

Gotik renkli cam sayesinde yeni estetik değerler ve renkler, parlak rengin en yüksek ses tonunu elde etti. Saf renk, sütunlarda, zeminlerde ve vitray pencerelerde ışık oyunu sayesinde farklı tonlarda boyanmış, havadar bir atmosfer yarattı. Renk, perspektifi derinleştiren bir ışık kaynağı haline geldi. Çoğunlukla eşit olmayan kalın camlar tamamen şeffaf olmayan kabarcıklarla doldurularak vitrayın sanatsal etkisi artırıldı. Camın eşit olmayan kalınlığından geçen ışık parçalandı ve oynamaya başladı.

Otantik Gotik vitrayların en iyi örnekleri Chartres, Bourges ve Paris katedrallerinde (örneğin “Bakire ve Çocuk”) sergilenmektedir. Chartres Katedrali'ndeki "Ateş Çarkları" ve "Yıldırım Fırlatma" gibi daha az ihtişamla dolu.

1. yüzyılın ortalarından itibaren camın kopyalanmasıyla elde edilen karmaşık renkler, renk yelpazesine dahil edilmeye başlandı. Böyle olağanüstü vitray pencereler Gotik tarz Sainte-Chapelle'de (1250) korunmuştur. Kahverengi emaye boya kullanılarak cama konturlar uygulandı ve şekiller doğası gereği düzlemseldi.

Gotik dönem, minyatür kitap sanatının yanı sıra sanatsal minyatürlerin de en parlak dönemi oldu. Kültürdeki laik eğilimlerin güçlenmesi yalnızca onların gelişimini yoğunlaştırdı. Dini temalar üzerine çok figürlü kompozisyonlar içeren illüstrasyonlar çeşitli gerçekçi ayrıntılar içeriyordu: kuş, hayvan, kelebek resimleri, bitki motifli süslemeler ve gündelik sahneler. Fransız minyatürcü Jean Pussel'in eserleri özel bir şiirsel çekicilikle doludur.

13. ve 14. yüzyıl Fransız Gotik minyatürlerinin geliştirilmesinde başrolü Paris okulu işgal etti. Aziz Louis Mezmurları, Gotik mimarinin tek bir motifiyle çerçevelenen çok figürlü kompozisyonlarla doludur ve bu, anlatıya olağanüstü bir uyum sağlar (Louvre, Paris, 1270). Hanımların ve şövalyelerin figürleri zariftir, formları hareket yanılsaması yaratan akıcı çizgilerle ayırt edilir. Renklerin zenginliği ve kalınlığı, dekoratif mimariçizimler bu minyatürleri eşsiz sanat eserlerine ve değerli sayfa süslemelerine dönüştürüyor.

Gotik kitabın tarzı, sivri şekiller, açısal ritim, huzursuzluk, telkari ajur desenleri ve sığ kıvrımlı çizgilerle ayırt edilir. 14. ve 15. yüzyıllarda laik el yazmalarının da resimlendiğini belirtmekte fayda var. Saatlerce süren kitaplar, bilimsel incelemeler, aşk şarkıları ve kroniklerden oluşan koleksiyonlar muhteşem minyatürlerle doludur. Saray edebiyatının eserlerini gösteren minyatür, şövalye sevgisi idealinin yanı sıra etrafımızdaki sıradan yaşamdan sahneleri de somutlaştırıyordu. Benzer bir yaratım Manes el yazmasıdır (1320).

Zamanla Gotik daha çok anlatılır hale geldi. 14. yüzyılın “Büyük Fransız Chronicles”ı, sanatçının tasvir ettiği olayın anlamına nüfuz etme arzusunu açıkça göstermektedir. Bununla birlikte, zarif vinyetler ve süslü çerçeveler kullanılarak kitaplara dekoratif bir zarafet kazandırıldı.

Gotik minyatürlerin resim üzerinde büyük etkisi oldu ve Orta Çağ sanatına canlı bir akım getirdi. Gotik sadece bir stil değil, genel olarak önemli bir bağlantı haline geldi kültürel gelişme toplum. Stil ustaları, konu ve konularda çağdaşlarının imajını inanılmaz bir doğrulukla yeniden üretebildiler. doğal çevre. Görkemli ve ruhani Gotik eserler, benzersiz bir estetik çekicilik havasıyla çevrilidir. Gotik, yeni bir sanat sentezi anlayışının doğmasına yol açmış ve gerçekçi fetihleri ​​Rönesans sanatına geçişin yolunu hazırlamıştır.

Tüm hevesli sanatçılara eziyet eden asıl soru, yazarın tarzının nereden geldiği ve nasıl geliştirileceğidir?
Çoğu tanınmış sanatçı bu soruyu şöyle yanıtlıyor:

Yazarın üslubu üzerinde düşünmemeniz gereken bir şey. Sadece çizmeniz gerekiyor ve kendiliğinden gelecektir.
Aslında bu cevaptan hiçbir zaman tatmin olmadım ve bu konuyu kendim araştırmaya karar verdim.
Yazarınızın tarzını nasıl geliştirmelisiniz?

Bana öyle geliyor ki başlangıçta illüstrasyon stilinin neyle ilgili olduğunu anlamanız gerekiyor. Bunlar nelerdir ve özellikleri nelerdir?
İllüstrasyonda inanılmaz sayıda stil var! Hepsi birbiriyle çok yakından iç içedir. Ancak bunların arasında beş ana var:

• Gerçekçilik
• Dekoratif tarz
• Grotesk
• Minimalizm

Gerçekçilik

Gerçekçilik, sanatçının görevinin tasvir edilen nesneyi olabildiğince doğru ve nesnel bir şekilde yakalamak olduğu bir stildir.
Ana vurgu, maksimum görüntü özgünlüğü üzerinedir. Gerçekçilik türünde çalışırken, sanatçının oranlara, chiaroscuro kanunlarına ve perspektife kesinlikle uyması gerekir. Ancak bu tarzda hala belli bir derecede basitleştirme var. Basitleştirme etkisi, uygulama tekniği - kalem gölgeleme, bol ve dikkatsiz boya darbeleri ve ayrıca ana nesneyi vurgulamak için dijital boyama tekniğini kullanarak bireysel öğelerin çizilmesinin bir miktar ihmal edilmesi nedeniyle elde edilir.

Gerçekçilik kimlere uygundur?

• Tüm akademik aşıklara
• Sanatçılara konser

Gerçekçilik tarzında ustalaşmak için neyi yükseltmelisiniz?

• Akademik çizim
• Tablo
• Anatomi
• Işık gölge
• Gerçekçi dokular

Dekoratif tarz

Dekoratif stil, dekoratif geleneklerin ve tasvir edilen nesnenin gerçekçiliğinin paradoksal bir kombinasyonuna sahip bir stildir.
Dekoratif tarzın ana gücü gerçekçilik ve gelenekselliğin karşıtlığıdır. Bu etki, nesnenin bazı elemanlarının yoğun nokta dolgusu ile, yani diğer elemanların saf rengi ve zorunlu gerçekçi çizimi kullanılarak elde edilir.
Efekti arttırmak için tek tek nesneleri süslemelerle süsleyebilirsiniz. Dekoratif tarzda çalışırken aşırıya kaçmamak ve geleneksellik ile gerçekçilik dengesini korumak çok önemlidir, böylece görüntü izleyicide olabildiğince çok karışık duygu uyandırır.
Dekoratif tarz kimler için uygundur?

• Arkalarında olan tüm isyancılara iyi okul akademik çizim
• Dergi illüstratörü
• Süper kavramsal ve iddialı işler yaratmak isteyen sanatçılar

Dekoratif tarzda ustalaşmak için neyi yükseltmeli?

• Anatomi
• Süsleme ve diğer dekoratif unsurlar.

Grotesk

Grotesk, tuhaflığa ve gerçek ile gerçek dışının birleşimine dayanan sanatsal bir imaj ve stildir. Görüntüde ve olay örgüsünde bir miktar bozulma.
Grotesk illüstrasyonda en popüler stillerden biridir. Perspektif yasaları sayesinde tasvir edilen nesneyi önemli ölçüde bozan, orantıların, perspektifin ve alışılmadık derecede sıra dışı açıların önemli ölçüde bozulmasıyla karakterize edilir.
Ancak tanınırlığını sürdürebilmek için orijinal görüntüden radikal bir şekilde ayrılmamak çok önemlidir. Grotesk, olay örgüsünün ve karakter imajının belirli bir metaforik ve gerçeküstü doğası ile karakterize edilir.
Grotesk kime uygundur?

• Çoğu illüstratör
• Animatörler için
• Karakter konsept tasarımcıları

Grotesk tarzda ustalaşmak için neyi yükseltmeli?

• Kompozisyon
• Plastik anatomi
• Yazarın kendisinin fantezisi

Toy

Naif bir tarzdır ana karakteristik bu, bilinçaltı ve duygusal düzeyde algılama biçiminin basitleştirilmesidir.
Temel ayırt edici özellik anatomi ve oranların pratik olarak reddedilmesiyle formların ilkelliğidir. Genellikle çocukça veya karikatür tarzı denir.
Naif üsluptaki illüstrasyonların asıl görevi izleyicide bir şeyler uyandırmaktır. pozitif duygular ve hassasiyet.
Naif bir tarzda çizim yaparken, tasvir edilen nesnenin özelliklerini ve tanınmasını korurken, basitleştirme konusunda aşırıya kaçmamak önemlidir.
Naif tarz kime uygundur?

• Çoğu illüstratör
• Çocuk illüstratörleri
• Sanatçı-animatör
• Çizgi film karakter ve çevre tasarımcılarına konser

Saf tarzda ustalaşmak için neyi yükseltmeli?

• Şekillendirme
• Silüetle çalışır
• Dokunun yumuşaklığı
• Dekoratif gölgelemenin çeşitli yöntemleri

Minimalizm

Minimalizm, tasvir edilen nesnenin biçiminin maksimum basitleştirilmesi, sanatsal konsepti iletmek için minimum ifade araçlarının kullanılmasıyla karakterize edilen bir stildir.
Artık çok popüler ve başka bir adı var - Düz Tasarım, yani "Düz".
Minimalizm, perspektif eksikliği ve ışık ve gölge yasalarıyla karakterize edilir. Nesneler basitleştirildi geometrik şekiller veya onlardan oluşur. Ayrıca nesneler sadece birkaç çizgi ve nokta ile tasvir edilebilmektedir. İllüstratörler çalışmalarına biraz hayat katmak ve çekicilik katmak için genellikle hoş ve kaba dokular kullanırlar.
Minimalist tarz kime uygundur?
Çalışmak isteyen illüstratörler için:

• İnfografikler
• Hareket Tasarımı
• Dergi illüstrasyonu

Minimalist tarzda ustalaşmak için neyi yükseltmeli?

• Kompozisyon
• Şekillendirme

5 stili de analiz edip özelliklerini öğrendikten sonra sıra en önemli soruya geliyor:

İllüstrasyonda kendi tarzınızı nasıl geliştirebilirsiniz?

En iyi yaptığınız şeyden bir yazarın üslubunu oluşturmak gerekir. Ancak artık hangi illüstrasyon tarzlarının olduğunu bildiğinize göre çizimlerinizi verdiğim örneklerle karşılaştırabilir ve çizimlerinizin tam olarak hangi stile ait olduğunu görebilirsiniz. Tarzınıza zarafet katmak ve onu daha akılda kalıcı kılmak için, iki farklı tarzın özelliklerini kendi stilinizde birleştirmenizi tavsiye ederim.
Naif bir tarzda çizim yapma konusunda en iyiyseniz, buna dekoratif tarzda öğeler ekliyorsanız, zaten kendi imza stilinizi eklemiş olacaksınız.

Stil denir Genel yön temsili örnekleri ideolojik anlam, aktarım tekniği ve karakteristik tekniklerle birleştirilen sanatın gelişimi yaratıcı aktivite. Resim sanatındaki üsluplar iç içe geçmiş, ilişkili yönlerde gelişmiş, paralel var olmuş, birbirini zenginleştirmiştir.

Resim tarzları ve yönelimleri ideolojinin, toplumun politik ve ekonomik gelişiminin, dinin ve geleneklerin etkisi altında oluşmuştur.

Gelişim tarihi

Stillerin gelişiminin tarihi, toplumun karmaşık kültürel evrimini göstermektedir.

Gotik

11. - 12. yüzyıllarda Fransa'da ortaya çıktı. Tarz Batı Avrupa'da ve 13. - 14. yüzyıllar arasında Orta Avrupa'da gelişti. Bu eğilimin kökeni ve gelişimi kiliseden önemli ölçüde etkilenmiştir. Orta Çağ, kilise gücünün seküler güç üzerindeki hakimiyetinin olduğu bir dönemdi, bu nedenle Gotik sanatçılar İncil'deki hikayeler. Tarzın ayırt edici özellikleri şunlardır: parlaklık, iddialılık, dinamizm, duygusallık, ihtişam, perspektife dikkatsizlik. Resim yekpare görünmüyor - tuval üzerinde tasvir edilen çeşitli eylemlerden oluşan bir mozaik gibi görünüyor.

Rönesans veya Yeniden Doğuş

14. yüzyılda İtalya'dan geldi. Yaklaşık 200 yıl boyunca bu yön hakim oldu ve Rokoko ve Kuzey Rönesansının gelişiminin temeli oldu. Resimlerin karakteristik sanatsal özellikleri: Antik çağ geleneklerine dönüş, insan vücudu kültü, detaylara ilgi, hümanist fikirler. Bu yön dine değil, yaşamın laik yönüne odaklanıyordu. Hollanda ve Almanya'nın Kuzey Rönesansı farklıydı - burada Rönesans, Reformasyondan önce gelen maneviyatın ve Hıristiyan inancının yenilenmesi olarak algılanıyordu. Temsilciler: Leonardo da Vinci, Raphael Santi, Michelangelo Buonarroti.

Maniyerizm

16. yüzyıl resminin gelişiminin yönü. İdeolojik olarak Rönesans'ın tam tersi. Sanatçılar, insanın mükemmelliği ve hümanizmi fikrinden uzaklaşarak, olguların ve nesnelerin içsel anlamlarına odaklanarak sanatın öznelleştirilmesine doğru ilerlediler. Stilin adı, maniyerizmin özünü tam olarak yansıtan İtalyanca “manner” kelimesinden gelmektedir. Temsilciler: J. Pontormo, G. Vasari, Brozino, J. Duve.

Barok

16. yüzyılda İtalya'da ortaya çıkan gösterişli, dinamik, lüks bir resim ve kültür tarzı. 200 yıl boyunca bu trend Fransa, Almanya ve İspanya'da gelişti. Barok resim parlak renklerle dolu, detaylara ve dekorasyona özel önem veriliyor. Görüntü statik ve duygusal değildir, bu nedenle Barok, resmin gelişimindeki en yoğun ve etkileyici aşama olarak kabul edilir.

Klasisizm

17. yüzyılda Batı Avrupa ülkelerinde ortaya çıkmış ve 100 yıl sonra Doğu Avrupa ülkelerine ulaşmıştır. ana fikir– Antik çağ geleneğine dönüş. Portreler, manzaralar ve natürmortlar, dogmatik çoğaltım ve net stil kurallarına bağlılık sayesinde kolayca tanınabilir. Klasisizm, antik çağın ve Rönesans'ın en çarpıcı özelliklerini özümseyen bir tarz olan akademikizme dönüştü. N. Poussin, J.-L. David ve Rus Gezginler bu tarzda çalıştılar.

Romantizm

19. yüzyılın ikinci çeyreğinde yerini klasisizm aldı. Sanatsal özellikler: kusurlu olsa bile bireyselliği aktarma arzusu, duygusallık, duyguların ifadesi, fantastik görüntüler. Romantik sanatçıların sanatı, resmin gelişiminin klasik aşamasının normlarını ve kurallarını reddeder. İlgi yeniden canlandı halk gelenekleri, efsaneler, ulusal tarih. Temsilciler: F. Goya, T. Gericault, K. Bryullov, E. Delacroix.

Sembolizm

19. yüzyılın sonları - 20. yüzyılın kültürel yönü, ideolojik temeli romantizmden alınmıştır. Sembol, yaratıcılıkta ilk sırada yer aldı ve sanatçı, gerçeklik ile yaratıcılığın fantastik dünyası arasında bir arabulucuydu.

Gerçekçilik

Şekilleri, parametreleri ve gölgeleri aktarmanın doğruluğunu ön plana koyan sanatsal araştırma. Doğallık, iç özün ve dış kabuğun somutlaştırılmasındaki hassasiyet ile karakterize edilir. Bu tarz en büyük ölçekli, popüler ve çok yönlüdür. Onun şubeleri modern trendler– fotoğrafçılık ve hiperrealizm. Temsilciler: G. Courbet, T. Rousseau, Gezici sanatçılar, J. Breton.

İzlenimcilik

Kaynaklı XIX sonu– 20. yüzyılın başı. Vatan - Fransa. Stilin özü, resimdeki ilk izlenimin büyüsünün vücut bulmuş halidir. Sanatçılar bu kısa anı tuval üzerine kısa boya darbeleriyle aktardılar. Bu tür resimlerin yakın mesafeden algılanmaması daha iyidir. Sanatçıların eserleri renkler ve ışıkla dolu. Post-Empresyonizm, stilin gelişiminde bir aşama haline geldi - biçim ve konturlara daha fazla dikkat edilmesiyle karakterize edilir. Sanatçılar: O. Renoir, C. Pissarro, C. Monet, P. Cezanne.

Modern

20. yüzyılın birçok pitoresk hareketinin oluşumunun temelini oluşturan özgün, canlı bir tarz. Hareket, tüm çağlardan sanatın özelliklerini topladı: duygusallık, süslemelere ilgi, esneklik ve pürüzsüz, eğrisel ana hatların hakimiyeti. Sembolizm gelişimin temeli haline geldi. Modernizm belirsizdir; Avrupa ülkelerinde farklı şekillerde ve farklı isimler altında gelişmiştir.

Avangard

Gerçekçiliğin reddi, bilgi aktarımında sembolizm, parlak renkler, bireyselleştirme ve yaratıcı tasarım özgürlüğü ile karakterize edilen sanatsal stiller. Avangard kategorisi şunları içerir: gerçeküstücülük, kübizm, fovizm, fütürizm, dışavurumculuk, soyutlamacılık. Temsilciler: V. Kandinsky, P. Picasso, S. Dali.

İlkelcilik veya saf tarz

Gerçekliğin basitleştirilmiş bir görüntüsüyle karakterize edilen bir yön.

Listelenen stiller, resmin gelişiminde önemli kilometre taşları haline geldi; sanatçıların yeni yaratıcı ifade biçimlerine dönüşmeye devam ediyorlar.